Alberto Caballero

2011-11-10T20:09:00.000+01:00

¿Es posible pensar el arte? ¿De qué se trata cuando se habla de lo contemporáneo? ¿Habría un pensamiento contemporáneo? ¿A qué se llama arte contemporáneo? ¿De qué manera a colaborado el arte de la performance en esta idea de lo contemporáneo? ¿Qué diferencia hay entre moderno y contemporáneo? ¿En qué momento un artista deja de ser contemporáneo? ¿Qué autores podemos llamar contemporáneos?

Estas son algunas interrogaciones que quiero debatir con ustedes en este espacio.

algunos conceptos

2011-05-04T19:28:00.005+02:00

Estas son algunas interrogaciones que quiero debatir con ustedes en este espacio.

las mujeres a la performance

2011-04-01T14:46:00.054+02:00

Parte IV

de la imagen y del amor en tanto perdido

The age of innocence

Ahora la mujer se la ve representada participando de todos estos nuevos espacios en, salones de fiestas, salones de arte, encuentros literarios, salas de concierto, forma parte activa del nuevo mundo que se abre, del palacio a los salones públicos en las ciudades, algunas representaciones que pueden ilustrar ese cambio:

En síntesis, la mujer ya puede observar el mundo exterior, ya puede salir al mundo exterior:

Lo que estoy intentando decir con esta serie de notas es que ‘la construcción de la mujer’ y el arte son paralelos, salir de los contratos con la iglesia y de la familia, el salto a una sociedad de producción industrial, lleva a cambios radicales en la posición de la mujer y del arte de vanguardia. Es el romanticismo, el amor en tanto perdido, ‘Te amaré porque sé que te perderé’ le dice la condesa Olenska, el que permite el despegue definitivo. Con el romanticismo, y luego el impresionismo, es donde la mujer por primera ves ‘es representada’ como tal, más allá de la iglesia y la familia, de diosa o virgen, de madre o niña. Sale al mundo, mira el mundo, pasea en el mundo, todavía no representa, todavía es representada, será con la llegada del arte de la abstracción, cuando la representación de la imagen se abstrae y entra el dominio del color por el color, que sucederá algo particular que le permitirá salir del lugar de objeto, que ocupaba hasta el momento, para entrar en el mundo del arte como sujeto, entonces podremos hablar de la mujer artista. ¿De qué se ocuparan estas mujeres? ¿Cuáles serán sus objetos’ ¿Cómo será el mundo del que se ocupan? ¿Qué tendrán que pagar por ello? ¿Qué tendrán que perder a cambio? Serán interrogantes importantes a resolver.

Parte III

El arte más allá del Otro, el amor romántico

Ya no se trata de una ficción, de un juego para ser señora y participar en los salones, para ser reina y tener amantes, para ser cortesana y participar en los salones con artistas, escritores, políticos, músicos, etc. Se trata de un cambio radical en la dirección del deseo, no se trata de ser objeto del deseo del otro, señora de, reina de, sino de orientar al propio deseo, es ahora la mujer que elige su amante, que le propone a su amante, es ahora la mujer que desea pintar, que desea escribir, que desea participar ...su deseo, el deseo del otro...lo va a poner en el arte.

Madame Bouvary

Claude Chabrol
Francia, 1991
Isabelle Huppert
«Madame Bovary soy yo», respondía Flaubert cuando le preguntaron por la identidad de ese personaje la primera edición es del 12 de abril de 1857.

Adaptación de la novela homónima de Gustave Flaubert. Emma Bovary es la insatisfecha mujer de un médico rural que ansía pertenecer a la alta sociedad francesa. Sus ambiciones y un apasionado affaire con un joven aristócrata la conducirán a una situación de trágicas consecuencias. La musa de Chabrol, Isabelle Huppert, encarna a la fatal heroína.
Todavía hay hijos, el ideal de construir una familia, pero aparece a los lejos el ideal de la pareja como posibilidad de cambio, el amante la salvará de las redes de la familia: los hijos, la suegra, los vecinos, los conocidos.

Casa de Muñecas

Henrik Ibsen.

Noruega, 1879.

“ Casa de muñecas” es la primera obra que trata el tema de la independencia de la mujer. Su publicación produjo una gran polémica. El ambiente de esta obra de teatro es clásico: una familia feliz con tres hijos que triunfa socialmente (por el ascenso del marido en su puesto de trabajo en un banco); sin embargo, la protagonista tiene un secreto: ha falsificado la firma de su padre para pedir un préstamo. Con ese dinero pagó un viaje de un año a Italia con su marido para que éste se curase de una enfermedad. La llegada de una amiga de la infancia, Cristina, hace que Nora la confíe su secreto y éste se descubra. Su marido, Helmer, al saberlo decide quitarle la educación de sus hijos, pero no se divorcia por la apariencia exterior. Nora había sido educada para ser la muñeca primero de su padre y después de su marido. Siempre había llevado una venda en los ojos, pero la llegada de Cristina, hace que esta venda se caiga y ella por primera vez en su vida tenga personalidad propia, y comience a ser alguien, diciendo a su marido que se marcha cuando él estaba dispuesto a olvidar el delito de su mujer simplemente porque ya no había pruebas públicas que la pudiesen acusar, pues Krostag decide que no la va a denunciar.

Gertrud

Director: Carl Theodor Dreyer

Escritores: Hjalmar Söderberg Carl Theodor Dreyer.
Actores; Nina Pens Rode, Bendt Rothe and Ebbe Rode.

El último trabajo del cineasta danés Carl Theodor Dreyer, es una autentica lección de cine. Con 75 años, Dreyer realizó el que sería su último film (moriría en 1968). Se trata de Gertrud (1964) película basada en la obra teatral del mismo nombre, que escribió el escritor sueco Hjalmar Söderberg en 1906; es la historia de Gertrud, una mujer madura, que se enfrenta a la separación de su marido, un eminente político, ya que está enamorada de un joven músico que empieza a cosechar sus primeros éxitos, y para el cual ella solo significa una aventura pasajera. Además, un antiguo novio de Gertrud reaparece en su vida, queriendo él que reanuden su relación.

En Gertrud, obra maestra sobre el tema, los elementos están claros: la diferencia entre el deseo y el amor, entre el deseo del otro, al trabajo, y la demanda de amor insatisfecho. Tres grandes momentos: el amor perdido, el amor estable, y el nuevo amor. Pero ante todo la música, la música como encuentro en el amor perdido, la pérdida de la música ante el amor estable, y el reencuentro con la música ante el nuevo amor. ¿Porqué una mujer tiene que decidir entre el amor a un hombre y el amor a la música? ¿Porqué un hombre no decide, ante el deseo a una mujer y su amor al trabajo? Se trata de un fatal desencuentro, que ocupará todo el siglo. El desenlace es la soledad, la soledad para reencontrarse con el objeto de su deseo, el canto. Aquí no hay proyecto de familia, se avecina no muy lejos la profesión de cada uno: él es político, ella cantante. El único resto que queda es la suegra, que viene a visitarlos para recoger su asignación mensual.

Gabrielle

Patriece Chereau
Francia, 2005.
Isabelle Huppert.
El libro de Joseph Conrad: El regreso. Cuentos de inquietud (1898).

Un texto de Joseph Conrad sirve al francés Patrice Chéreau para indagar acerca de la indolencia y el fracaso matrimonial. Francia, principios de siglo. Jean Hervey es un multimillonario hombre de negocios que vive una existencia al parecer apacible en su enorme mansión. El silencio y la tranquilidad de su casa sólo se rompe los jueves de cada semana, cuando los numerosos amigos de Jean y de su mujer, Gabrielle, son recibidos en la cena. Todo parece idílico, pero la realidad es muy diferente.

Gabrielle continúa la tradición de los salones, ya no se trata de los salones de palacio, se trata de los salones intelectuales de la burguesía de finales del XIX, Gabrielle organiza estos salones es la anfitriona, su marido los usa para hacer relaciones publicas, comerciales, se trata de un editor muy importante, y Gabrielle es la estrella de estas tertulias.

Ya se trata de un contrato interno de la pareja, pero algo falla, ya que el proyecto es de él y ella está al servicio de dicho proyecto, hasta que conoce en una de dichas tertulias a un periodista que trabaja en la editorial de su marido, y la crisis se produce: él escribe, ella lee. Ahora además de independizarse surge el deseo de escribir:

La sala amarilla (o sala de George Sand),
en el Museo de la Vida Romántica de Paris.

Confesiones íntimas de una mujer

Diane Kurys
Francia, 1998
Juliette Binoche como George Sand
Benoir Magimel como Alfred Musse

París, 1832.

Dos palabras, "Romanticismo" y "revolución" están en boca de todo el mundo. El 3 de junio, una sublevación estudiantil acaba por ocasionar un alzamiento generalizado y las calles devienen ríos de sangre. Aquel mismo día, la baronesa Dudevant llega de provincias para emprender su carrera literaria bajo el seudónimo de George Sand. A sus 23 años, Alfred de Musset, "el poeta y escritor de mayor relieve de su generación", es el cabecilla de una pandilla de vividores que malbaratan su juventud en una disipación absurda, sin esperanza ni ideal alguno.

Aquí el salto, nuevamente, es muy significativo, ella se separa de su marido, un aristócrata. se separa de sus posiciones, de palacio, ya que quiere entrar en los salones literarios del Paris de la época, ya que escribe y quiere leer y publicar sus obras. Se pone condiciones, tiene que parecer un hombre, tiene que hacer como los hombres, para ser reconocida por los hombres, pero, cuando lee se refiere a la opresión en la que viven las mujeres y a la condición sexual de las mujeres. Su amiga le dice, una cosa es escribir y otra hablar, se trata de un acto, y como tal subversivo. Vestirse como un hombre para poder hablar como un hombre, para estar representada por la palabra. Pero, se encuentra con el otro del deseo...con un otro que también escribe, la pasión y la crisis se avecinan. El le dice 'yo quería que seas mi colega, mi compañero, no mi amante', para poder hablar con ella de literatura.

4.“Frankenstein or the Modern Prometheus”
Mary Sheelley Inglaterra, 1818

Cuenta la leyenda literaria que una noche de junio de 1816 se encontraron en la villa suiza de Diodati, ocupada por el mítico Lord Byron, el poeta Percy B. Shelley, su esposa Mary y el doctor Polidori. Tras relatarse “cuentos alemanes” de fantasmas, decidieron que cada uno de ellos crearía una obra de miedo. Poldori creó la primera historia moderna de vampiros y Mary Shelley publicó poco después Frankenstein, novela enmarcada en el género epistolar que recoge diferentes preocupaciones, ideologías y estilos: elementos de la novela gótica, del melodrama y la rebeldía del Romanticismo, y una profunda inquietud por las posibilidades del incipiente mundo de la ciencia. Resultado y pesadilla de todo esto es la criatura sin nombre que tras su nacimiento, desea vivir, saber sobre su propia condición, que le conducirá a la soledad absoluta y a la tragedia.

Luego de una "conversación' con escritores surge este relato escrito por una mujer, la mujer se reúne con hombres para leer, la mujer escribe un relato, solo en esa condición, no sabemos que ha sucedido con su condición de madre, o su condición de esposa.

La película que muestra este encuentro:

Remando al viento
González Suárez
Hugh Grant, Lizzy McInneny, José Luis Gomez, Bibí Andersen, Josep María Pou, etc.
España, 1988.

Dos poetas ingleses, Mary Shelley y Lord Byron, se ven obligados a huir de Inglaterra. Durante el viaje, Shelley recuerda cómo conoció en casa de su padre adoptivo al joven y apasionado poeta Shelley, cómo lo amó y cómo se fugó con él. También evoca una cita con Byron en Suiza. Pero, sobre todo, rememora una noche de noviembre de 1816 durante la cual, mientras sus amigos contaban historias de terror, ella dio a luz al legendario monstruo de Frankenstein.

Apoyándonos en la literatura nos encoontramos con un texto fundamental que nos puede ayudar a ver lo que está en juego.

La Carta Robada

Edgar Allan Poe
Versión de Julio Cortázar
Cuentos / 1 • Alianza Editorial •Año 1998.

http://www.lamaquinadeltiempo.com/Poe/carta01.htmPoe/carta01.htm

También hay versión de Jorge Luis Borges http://es.wikipedia.org/wiki/La_carta_robadaLa_carta_robada

La carta robada (título original en inglés: The Purloined Letter) es un cuento del escritor estadounidense Edgar Allan Poe publicado por primera vez en diciembre de 1844 en The Gift for 1845, siendo más tarde reimpreso en numerosos periódicos y revistas. Es la última de las tres historias protagonizadas por el detective Auguste Dupin. La trama como tal consiste en que se ha perdido una carta que puede perjudicar a su dueño, a quien iba dirigida, si cae en malas manos, entonces el prefecto de la policía parisiense al ver que no puede resolver el misterio decide pedir ayuda a Dupin ya que se sabe quien la tiene pero no donde la ha escondido el audaz ladrón.

El seminario sobre La carta robada

Jacques Lacan, 1956.

http://www.tuanalista.com/Jacques-Lacan/17322/El-seminario-sobre-La-carta-robada-1956-pag.2.htm

"Se trata, como ustedes saben, del cuento que Baudelaire tradujo bajo el título de: Le lettre volée (La carta robada). Desde un principio se distinguirá en él un drama, de la narración que de él se hace y de las condiciones de esa narración. Se ve pronto. por lo demás, lo que hace necesarios esos componentes, y que no pudieron escapar a las intenciones de quien los compuso. La narración, en efecto, acompaña al drama con un comentario en el cual no habría puesta en escena posible. Digamos que su acción permanecería. propiamente hablando, invisible para la sala -además de que el diálogo quedaría, a consecuencia de ello y por las necesidades mismas del drama vacío expresamente de todo sentido que pudiese referirse a él para un oyente: dicho de otra manera, que nada del drama podría aparecer ni para la toma de vistas, ni para la toma de sonido, sin la iluminación con luz rasante, si así puede decirse, que la narración da a cada escena desde el punto de vista que tenía al representarla uno de Ios actores. Estas escenas son dos, de las cuales pasaremos de inmediato a designar a la primera con el nombre de escena primitiva y no por inadvertencia, puesto que la segunda puede considerarse como su repetición, en el sentido que está aquí mismo en el orden del día. La escena primitiva pues se desarrolla, nos dicen, en el tocador real, de suerte que sospechamos que la persona de mas alto rango, llamada también la ilustre persona, que está sola allí cuando recibe una carta, es la Reina. Este sentimiento se confirma por el azoro en qué la arroja la entrada del otro ilustre personaje, del que nos han dicho ya antes de este relato que la noción que podría tener de dicha carta pondría en juego para la dama nada menos que su honor y su seguridad. En efecto, se nos saca prontamente de la duda de si se trata verdaderamente del Rey, a medida que se desarrolla la escena iniciada con la entrada del Ministro D."

El texto de Poe se refiere a una carta, el mensaje de un amante, dirigida a la reina, una carta robada. El rey envía a encontrar dicha carta, para acusar a la reina de adulterio, lo que demuestra que el amante tiene que ser un secreto, tiene que ser algo escondido, no puede estar a la vista de todos. Cuando lean el texto descubrirán que el objeto perdido es la propia reina, aunque está a la vista de todos, en apariencia está, pero ya está perdida para el rey como mujer, es mujer de otro. Aquí se abre una fisura definitiva, mujer y señora, desde entonces, no quiere decir lo mismo, ocupan lugares diferentes. Los lugares se han multiplicado: hija, señora, madre, mujer. Así como reina, ocupaba un lugar político de acuerdo entre las familias reales, señora es una adquisición de la burguesía y se trata de un acuerdo legal entre las partes, el lugar de la mujer queda como un interrogante, a construir singularmente por cada una. El seminario de Lacan, en francés letre quiere decir carta pero también letra, con lo que demuestra que la mujer al construirse estará construida a la letra. Una letra no representa nada para otra letra, en sí no representa nada, no es reina, no es madre, no es señora, no es hija, es un misterio que está a la vista.

El arte representa para las mujeres una manera de abrirles las puertas, más allá del 'mundo de los hombres', no es trabajar como obreras/os, abogadas/os, médicos/medicas....etc..es un lugar también singular, es una por una. No hay escritoras, no hay pintoras, no hay escultoras, es el nombre de cada una que le permite nominarse socialmente, las mujeres como los artistas, se nominan singularmente, a través de la obra que produzcan y es por este medio que la mujer encuentra una nominación más allá del padre, del marido y del rey.

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parte II

Las damas en la corte: el amor cortés

En el último comunicado intentamos dar cuenta del origen del goce de la acción en el goce místico “si lo que estamos intentando es buscar antecedentes a este momento del goce de la acción como un goce masoquista nos encontramos con el goce de las místicas”. En este comunicado intentaré dar cuenta del salto que va del goce místico al amor cortés… los cambios en el plano espiritual, intelectual, estético, artístico y sobretodo ético.

¿De qué goce se trata en el amor cortés? Se trata del goce del otro-sexo o se trata de lo que se produce entre los dos. De lo que se produce y cómo se produce: no solo del alto contenido erótico (rechazado en el amor místico), sino el alto valor que tenía la representación de eso que se producía. En tanto a la representación de gran valor estético, frente a lo bueno del goce místico se sobrevalora lo bello en el amor cortés, por otro lado su valor ético el compromiso y la responsabilidad de lo que se produce entre los partners.

La mujer ahora no es objeto de dicha relación, la mujer también participa de la producción de la misma: también lee, también pinta, también escribe, también toca música, también juega, también participa, en los eventos, en los salones, en las tertulias, en los encuentros, en las sobremesas… en las sociedades, etc.

Retomamos para clarificar el concepto de cortesanas del comunicado anterior: “siglos más tarde particularmente en Francia, surge el movimiento de las cortesanas segunda oportunidad que aprovechan las mujeres para intervenir directamente en la cultura, el arte, la literatura y hacer de todo esto su lazo social, su mundo. Como algo singular más allá del mundo de la madre y del mundo de la política surge un mundo nuevo ordenado, conducido y aprovechado por las mujeres, pero esto no hubiera sido posible sin el profundo proceso realizado por algunas mujeres que yendo más allá del goce del cuerpo, del martirio y del sacrificio del muro de los conventos, del muro de los palacios, trascienden colocando a las mujeres en el mundo”.

De una conversación se trata
de El Banquete de Platón a La Pianista de Haneke
Alberto Caballero

Del libro del que soy autor: “de una conversación se trata: de El Banquete de Platón a La Pianista de Haneke”, (en edición), seleccionamos los capítulos:”Las pruebas del Amor o de las causas del amor cortés” y “Cine y amor cortés”. En los cuales se desarrolla el concepto de amor cortés en profundidad.

Recomendamos

Las amistades peligrosas

Director: Stephen Frears.
País: EE.UU.
Año: 1988.

Sinopsis: Francia, Siglo XVIII. La marquesa de Merteuil (Glenn Close) es abandonada por su amante, que se casará con la virginal e ingenua Cecile de Volanges (Uma Thurman), la hija de su prima Madame de Volanges (Swoosie Kurtz), que a su vez está enamorada de su profesor de arpa Sir Raphael Danceny, (Keanu Reeves). La marquesa le propone a otro antiguo amante y ahora amigo el Vizconde de Valmont (John Malkovich), que seduzca a Cecile para que no pueda casarse con honra con su amante y enemigo. Valmont, que es un libertino conocido, rechaza en un principio la petición, porque está en otra conquista, la de Madame de Tourvel (Michelle Pfeiffer), una dama casada y conocida por sus concepciones católicas. La marquesa le propone entonces una apuesta, si hace que Madame de Tourvel caiga en sus brazos, ella le obsequiará con una noche de sexo.

Velmont

Directores: Milos Forman.

Año: 1989.

País: Estados Unidos.

Sinopsis: Valmont (Colin Firth) un aristócrata aficionado a los juegos sexuales, encuentra a su pareja soñada en Katherine Merteuil (Annette Bening), una dama con similares patologías. Juntos gozarán haciendo sufrir a los demás como si fueran marionetas. Unidos en sus complots y sus secretos, Merteuil y Valmont reinarán en los salones de la aristocracia francesa del Siglo XVIII.

Estas dos versiones son fundamentales para entender las conversaciones, los acuerdos entre los partners, las causas, el desarrollo y el desenlace de la relación, el goce. Claramente se muestran las partes, las jugadas, los intereses y sobretodo el valor estético, de belleza de las mismas, ante todo el arte de la performance todas las acciones son perfomáticas, incluso las más íntimas… todo tiene un valor efímero, transitorio, en sí mismo. Llamamos la atención que ambas están dirigidas por hombres.
Otro punto de vista, otra forma de hacer.

Marie Antoniette

Dirección: Sofia Coppola.
Países: EE.UU. y Francia.
Año: 2006.

SINOPSIS: María Antonieta (Kirsten Dunst) es un simple peón en un matrimonio concertado para solidificar la armonía entre dos naciones. Su esposo adolescente, Luis (Jason Schwartzman), es el delfín, el heredero al trono de Francia. Pero María Antonieta no está preparada para ser el tipo de regente que espera el pueblo francés. Atrapada por las convenciones de su condición en la vida, María Antonieta debe encontrar la forma de encajar en el mundo complejo y traicionero de Versalles. A sus males se añade la indiferencia de su nuevo marido. Su matrimonio no se consuma durante siete años. El tímido futuro rey resulta ser un desastre como amante, desatando graves preocupaciones (e incesantes cotilleos) por que María Antonieta nunca llegue a tener un heredero. Abrumada y angustiada, María Antonieta busca refugio en la decadencia de la aristocracia francesa y en el conde sueco, Fersen (Jamie Dornan).

Estamos en plena corte francesa de los luises, subrayamos el alto valor estético y ético de la directora, ya que es una mujer que se coloca detrás de las cámaras, puntualizamos que si al principio la dama es objeto de contrato de las partes en juego, poco a poco vamos viendo como se hace cargo no sólo de los movimientos en cada escena sino del modo de goce. Ya no se trata de estar en posición de objeto a modo de goce del otro sino en la responsabilidad de posicionar el objeto, más allá del Otro. Si M. A. es por un lado es Reina y madre por otro es la mujer que goza del pabellón personal donde reúne cortesanos dispuestos al arte, de la pintura, de la escritura, de la lectura, del juego. Y al arte del juego en los bailes en los salones, del juego de cortejar, y aquí la maestría de Sophia Coppola, así como el vestuario responde a la época, la música no, es música de discoteca, este quiebre en el sentido determina el valor perfomático de la obra.
Dejo abierto el debate, sobre entre la performance y el goce que nos permita llegar a entender la entrada definitiva de las mujeres en el arte a través de la performance.

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las mujeres a la performance I

Antecedentes de la performance en el cine

Retomamos el comunicado anterior donde nos preguntamos: ¿Hasta donde debe llegar el artista con su cuerpo como objeto? ¿Hasta dónde debe llegar el arte con el tema de la acción? ¿Qué relación tiene la perfomance con el mercado del arte? para llegar a plantearnos ¿Qué relación tiene la sexualidad en el arte de la perfomance? ¿Habría una sexualidad perfomática? ¿Qué modo de sexualidad nos quiere hacer ver la perfomance?

Algo de ello nos relata Leopold von Sacher-Masoch, en sus libros dedicados a los encuentro sexuales, donde señala como fundamental la acción y la acción perfomática, justamente donde los personajes muchas veces privados de la palabra, privados de la luz, solo les queda el gesto, la mera presencia, la perfomance, para no solo postergar sino para no-realizar un acto que se desea con tanta fuerza como la que lo rechaza. Otro gran escritor como Marcel Proust nos da pistas, nos deja múltiples marcas a lo que anticipa, ante la dificultad de la palabra, de lo simbólico en la relación con el otro, surge la acción, la no.acción, la contemplación, la mirada, inclusive la sombra, el gesto, el silencio.

Del goce de la acción al goce místico: si lo que estamos intentando es buscar antecedentes a este momento del goce de la acción como un goce masoquista nos encontramos con el goce de las místicas. No intentaré definir ni llegar a las últimas conclusiones de este goce conocido y reconocido por su alto nivel espiritual, intelectual, estético, artístico y sobretodo ético.

Este goce ha tenido fundamental incidencia en la cultura occidental del último milenio donde las mujeres han jugado un papel significativo, entonces las preguntas se duplican: ¿Qué relación tiene este goce con la performance? Y qué relación tienen las mujeres con este goce.

Siglos más tarde particularmente en Francia, surge el movimiento de las cortesanas segunda oportunidad que aprovechan las mujeres para intervenir directamente en la cultura, el arte, la literatura y hacer de todo esto su lazo social, su mundo. Como algo singular más allá del mundo de la madre y del mundo de la política surge un mundo nuevo ordenado, conducido y aprovechado por las mujeres, pero esto no hubiera sido posible sin el profundo proceso realizado por algunas mujeres que yendo más allá del goce del cuerpo, del martirio y del sacrificio del muro de los conventos, del muro de los palacios, trascienden colocando a las mujeres en el mundo.

El arte del siglo XV al XX conducido y ordenado por los hombres cae irremediablemente a mediados del s XX en el arte de la performance, presencia, cuerpo y goce, lleva a una participación activa, sexual y política de las mujeres. Esta tesis se resume de la siguiente manera: cada vez que surge la triada cuerpo, presencia y goce significa el salto de las mujeres a la primera línea de realización artística.

Dedicaremos este debate a algunas películas que hemos ido rescatando sobre estas “místicas” Hildegard Von Bingen, Thèrese mística francesa, Teresa de Ávila, Bernadette la niña de Lourdes, son algunos de los ejemplos que el cine nos permite dilucidar algo de dichos mecanismos, no solos relacionados al cuerpo, en este caso al cuerpo de las mujeres, el tipo de goce que ello implica sino además la importante repercusión social y cultural que ello causó.

Visión

Dirección y guión: Margarethe Von Trotta
Países: Alemania y Francia
Año: 2009
Duración:110 min.
Género: .Drama
Sinopsis: aborda la vida de Hildegard von Bingen, una monja también alemana que, desde niña, tiene visiones en las que Dios le pide que transmita sus mensajes. Hildegard fue una mujer adelantada a su tiempo, con un papel muy importante en la Iglesia y en la sociedad medieval. Tenía conocimientos de medicina natural, fue una prestigiosa compositora de música, no temió afrontar algunas reformas como abadesa de su convento y mantuvo correspondencia con los grandes mandatarios de la época.

Thérèse

Director: Alain Cavalier
País: Francia
Año: 1986
Duración: 94 min.
Género: Biográficas

Sinopsis: Thérèse Martín, nacida en 1873, falleció en 1897 y fue canonizada en 1927. Sus apuntes fueron publicados bajo el título Historia de un alma.
Thérèse quiso entrar desde muy jovencita en un convento de clausura de las carmelitas. No fue aceptada por la edad y por su frágil salud pero ella lo logró gracias a su petición al Sumo Pontífice. A causa del frío y de las condiciones en que se encontraba el convento, la joven Thérèse enfermó de tuberculosis lo que le llevó a la muerte con tan sólo 24 años, después de padecer grandes sufrimientos.

Teresa: el cuerpo de cristo
Director: Ray Loriga
País: España, Reino Unido y Francia.
Año: 2007.
Duración: 97 min.
Género: Drama.

Sinopsis: Teresa de Cepeda y Ahumada (Paz Vega) es la hija de un hidalgo de Ávila que se resiste a aceptar su rol de mujer en un mundo de hombres: no quiere limitarse a ser esposa y madre. Siente que tiene que haber algo más elevado. Quiere escribir, quiere leer, quiere aprender. En busca de ese “algo” que le falta, ingresa en un convento de clausura. Su decepción no puede ser mayor: tras las paredes del claustro reina el materialismo y la misma frivolidad de los que ella viene huyendo. Así, decide iniciar una cruzada de oración y sacrificio que la convierten primero en una rebelde y una loca, más tarde en una líder y, finalmente, en una santa.

La canción de Bernadette
Dirección: Henry King
País: Estados Unidos
Año: 1943
Duración: 156 minutos
Género: Drama

Sinopsis: La película narra la historia de Bernadette Soubirous, pastora francesa a quien se apareció la Virgen María en Lourdes en 1858. El escepticismo inicial con que fue recibida la noticia cambió no sólo por las curaciones inexplicables al beber del agua de un manantial que brotó al excavar la niña el suelo, sino también porque el párroco le preguntó cuál era el nombre de la dama que decía ver a lo cual contestó Inmaculada Concepción asunto teológico muy discutido en ese momento en Roma y fuera del conocimiento de una pastora analfabeta. El film cuenta su ingreso en las Hijas de la Caridad, donde sufrió la incomprensión de la Superiora que no creyó en sus visiones, y un tumor en la pierna que le impedía caminar.

Qué elementos comunes encontramos en las cuatro: Una reclusión del mundo, Los correspondientes pasos por el aislamiento y el silencio, el voto de silencio. Todas se encuentra con un régimen estricto y en algunos casos con el castigo físico y espiritual por los malos pensamientos”, la prohibición de leer los libros sagrados y de participar de las ceremonias religiosas por ser mujeres por lo tanto la de tomar decisiones en el convento. El cuerpo, el modo de vida y la política regidas por los hombres en opresión de las mujeres.

Es fundamental el papel de la madre superiora, el guía o el maestro para poder producir la transformación. Y quien más se abandona el sufrimiento del cuerpo por curar el cuerpo de la misma manera que se cura el alma, no sólo se trata de un proceso interior sino de su proyección social, ahora se hacen enfermeras, fundan conventos y los administran, no sólo leen sino también escriben muchos son los testimonios. Se ha pasado del goce del cuerpo-del Otro al goce del saber, las mujeres dejan al cuerpo como lugar del goce del Otro para saber del malestar y su correspondiente curación, de la administración de dicho goce en debates siguientes veremos como este goce se traduce con “las cortesanas” y mucho ,más tarde con las perfomáticas.

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Alberto Caballero

Barcelona

febrero 2011

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Director: Martin Scorsese

Actores: Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer, Winona Ryder, Stuart Wilson,
Alec McCowen

1993 Estados Unidos

Escrita por: Edith Wharton

Música: Elmer Bernstein

Fotografía: Florian Ballhaus

Nueva York. 1870.

Las apariencias, el linaje familiar y la riqueza mueven los hilos de la alta sociedad de la época. Newland Archer es un prometedor abogado que suspira en secreto por llevar una vida más emocionante de la que lleva. Newland está resignado a conformarse con una vida tranquila junto a su prometida May Welland, una joven adorable pero totalmente convencional. Hasta que la condesa Olenska, la rebelde prima de May, vuelve a Nueva York con la idea de divorciarse de su marido y retomar los lazos familiares. Los lazos sentimentales son una línea de lectura de la película pero por otro tenemos las relaciones sociales, las costumbres y como telón de fondo, el arte, que acompaña en todo momento y a cada una de las escenas de la película.

The Age of Innocence

Edith Warthon

Tusquets

1995 (1921)

La novela de 1920 galardonada con el premio Pulitzer que escribiera Edith Warthon sobre la sociedad neoyorkina de finales del XIX, ya fue llevada a la pantalla en 1934. En ella encontramos un retrato de la clase alta neoyorquina en que abundan las celebraciones, los espectáculos de ópera, los encuentros en museos y galerías de arte, los paseos por plazas y parques, etc. en síntesis de las nuevas costumbres de la nueva clase emergente americana.

Se trata de un triangulo amoroso en que el protagonista masculino se encuentra atrapado entre dos mujeres, su prometida, la dulce May, y la prima de esta, la Condesa Olenska, que ha vuelto de Italia tras separarse de su marido. . El trío protagonista refleja muy bien la ideología de la época, representando cada uno de ellos un rasgo de la sociedad que los rodea.

Newland Archer es un joven abogado descendiente de una ilustre dinastía. Como la mayoría de sus contemporáneos e iguales Archer esconde tras su imagen de hombre distinguido un pensamiento critico hacia las normas establecidas que nunca saca a ala luz, guardándoselo para él. La llegada de la Condesa Olenska justo en el momento en que se da a conocer su compromiso con May lo pondrá en una situación incomoda, en que sus sentimientos se verán enfrentados y tendrá que decidir si seguir las normas y casarse con May o romperlas declarando el amor que siente por la recién llegada.

La Condesa Olenska acaba de regresar de Italia, donde ha abandonado a su esposo, el Conde Olenski. Esta acción hace que la mujer encuentre justo lo contrario de lo que esperaba, enemigos. Y es que la separación conyugal no estaba bien vista en esa época, ni menos en el Nueva York de finales del XIX, marcada aún por las costumbres inglesas, con lo que Olenska se convierte en diana de todos los chismorreos entre las damas y caballeros. La señora intentará hacer oídos sordos y vivir según sus principios, que no son otros que ser una mujer libre, lo cual llegara a serlo por completo si consigue la nulidad matrimonial. Así pues Olenska representa alguien diferente, que tiene bien claro qué quiere y lo dice sin ningún reparo, es un reflejo de lo que será la mujer moderna. Desgraciadamente vencerá la sociedad y Olenska solamente podrá estar con Archer como amante, cosa que no permitirá de ninguna manera aunque su corazón se contraponga a ello. Finalmente decide rendirse y acatar las normas regresando a Italia junto a su esposo.

May es la joven prometida de Archer. Cándida e inocente, ignora las malas artes conversacionales que esconden los festejos sociales. O eso parece. Tras su imagen de niña buena descubrimos una mente tan manipuladora como la de todas las señoras de alta cuna. Una vez se case con Archer sacará a relucir su inteligencia oculta impidiendo que su marido se marche al revelarle una noticia que lo atará a ella para siempre, formando un matrimonio formalmente perfecto.

Una delicia de puesta en escena y genio en que Scorsese hace gala de sus travellings magistrales que sirven para mostrarnos cómo la sociedad preparaba la entrada a sus bailes, obligando a todo el mundo a pasar por todas las habitaciones de la casa para contemplar sus salones. Otra secuencia para remarcar por su sencillez, elegancia, efectismo, y que describe la obsesión de Archer, a la vez que su deseo de vivir una historia de amor con Olenska, es la escena en la casita a la que la Condesa se ha marchado unos días. Archer mira a través de la ventana mientras la Condesa, a sus espaldas, se levanta y va hacia él hasta abrazarlo. Parece que su ilusión se va a hacer realidad, pero no, descubrimos que Archer sigue estando solo frente a la ventana y Olenska sentada a sus espaldas. Hay que destacar el recurso estilístico de centrarse en un personaje, o varios, a través de oscurecer la escena dejándolos a ellos iluminados, enmarcados por un circulo. Esto sucede cuando Archer va a comprar flores por primera vez a Olenska, pero cuando resulta realmente interesante es cuando ambos personajes se encuentran en la Opera, sentado en el palco junto a otros miembros. Escuchamos el sonido de la gente y de la música, pero de repente todo alrededor de ellos se oscurece tenuemente para que solo escuchemos lo que se dicen, es la conversación de dos amantes a escondidas.

Scorsese vuelve a utilizar la voz en off, y no lo hace adrede. Es la voz de quien ha vivido en esa sociedad y nos explica cómo se mueven los hilos, la voz que nos explica lo que sienten los personajes, una voz propia del cine de Scorsese que no solo acompaña a la imagen sino que la complementa. Que escuchemos más de una vez cómo se distribuían los cubiertos por la mesa o cómo era la cubertería no es para que nos quedemos con el tipo de tenedor que ponen sino para resaltar la importancia que se le daba a la apariencia a la hora de celebrar un festejo.

El color tiene mucha importancia. La mayoría de encadenados que suceden a lo largo del film son a través de colores, a veces en relación a las flores que aparecen en el film. Pero también en el vestuario tiene suma importancia, en especial para describir a Olenska. Mientras todas las damas van ataviadas con sus mejores galas, dentro de la corrección, la Condesa aparece siempre con vestidos que llaman más la atención gracias a los colores que utiliza. Así pues la tenemos al principio en la Opera con un elegante vestido azul, o cuando llega, tarde, a una cena la observamos subir las escaleras con su espectacular vestido rojo. Es un rasgo más que la hace destacar sobre el resto.

El guión corrió a cargo del director y de Jay Cocks, quienes siguieron al pie de la letra el libro de Warthon, sin cambiar prácticamente nada dela trama. La dirección artística es maravillosa, cuidando hasta el más mínimo detalle tanto en escenarios como en vestuario. Elmer Bernstein compuso una maravillosa partitura que ayuda a que la historia tenga más dramatismo, y elegancia. Thelma Schoonmaker dota al film de un ritmo adecuado y utiliza tanto encadenados como fundidos a negro para narrar la historia de forma literaria, pues el encadenado sería como un punto y aparte y el fundido a negro como un cambio de capitulo.

Para dar vida a los personajes se escogió a un elenco de actores de primera fila en lo que a nivel interpretativo se refiere. Daniel Day-Lewis demuestra su versatilidad al dar vida a Archer, el joven abogado torturado por no conseguir el amor de Olenska y vivir amarrado a May y a la sociedad. Michelle Pfeiffer es la Condesa Olenska, a la cual la actriz sabe dotar de elegancia, belleza, fuerza, alegría, tristeza, y todo lo habido y por haber, cuando sale en escena ensombrece todo lo que tiene delante. Winona Ryder da vida a May, la joven ingenua en apariencia. Geraldine Chaplin es la madre de May y tía de Olenska, la Señora Welland. Con unas pocas intervenciones en pantalla Chaplin se nos queda grabada en la retina. Miriam Margolyes es la Señora Mingott, la cual anda siempre rodeada de sus perritos y aconseja sobre qué se ha de hacer a quienes buscan consejo en ella. Jonathan Pryce da vida brevemente a Rivière, el secretario del Conde Olenski. Michael Gough es el anciano Henry van der Luyden. Richard E. Grant es Lefferts, el cual se divierte creando chismes sobre el resto de personajes de la alta sociedad. Joanne Woodward prestó su voz para narrar la película .Las pinturas con motivos de paisajes, los candelabros, la vajilla de Sèvres, la ponchera romana en medio de la mesa, los arreglos florales, los bordados: todo tal y como fue en el siglo XIX. Una minuciosa investigación supervisada por Dante Ferreti, el ex director artístico de Federico Fellini. La acostumbrada cámara vertiginosa de Scorsese no se aquieta pero hace aquí lentos travellings y suaves movimientos de grúa para resaltar la enorme riqueza plástica de ese ambiente y para que el retrato de época sea convincente. Y no deja de sorprender con el repentino cambio de un primer plano de una lámpara o un rostro a un plano general de un baile o de una cena vista desde arriba. Michael Ballhaus, el director de fotografía, hace su aporte con la utilización de una “luz de gas” que resalta los objetos y los rostros. Volver a ver esta película es confirmar que el decorado y la mueblería no le han quitado vivacidad a este drama.

En una de las escenas emblemáticas, Newland observa a Ellen, de espaldas a él, mirando el mar. Un velero atraviesa el horizonte dorado y está a punto de pasar el faro de Newport. Si ella se da la vuelta antes de que esto ocurra –piensa Newland- me acerco. Ellen no lo hace. Sólo al final, en un flash-back mental, ella da la vuelta y sonríe. Cuando todo está perdido y lo ha derrotado la prosaica realidad, acude a consolarlo una imagen probable. Beatriz Portinari, que tampoco le sonrío a Dante en la vida real, esboza una sonrisa eterna en las páginas de la Comedia, antes de entrar al Paraíso. Son los pequeños triunfos del arte.

Así como El Gatopardo de Visconti, que transcurre en hermosos palazzos de su natal Sicilia, representa la caída del padre del patriarcado y la entrada de una nueva generación 'mafiosa', que se sale de las convenciones al antiguo régimen, aquí en La edad de la Inocencia, que transcurre en los salones de la nueva burguesía emergente, donde el hombre todavía sostiene ese lugar en la sociedad, pero la mujer busca los modos que le permitan salir de los esquemas que la atrapan en el lugar de niña-madre. Lo que queda claro es que va a salir sola, y que cada una lo hará a su manera, unas siguen sosteniendo ese lugar en la cadena niña-madre, otras como amantes, como cortesanas buscando el apoyo de los señores aburridos de sus familias , y otras solas buscando un lugar nuevo en la sociedad, lugar a construir una por una.

Más allá de la narración, literaria, el paso de la conversacion, toda la historia hace abrochamientos entre la conversación que ella le demanda, casi como un mandato 'mañana a la hora del te' o él cuando la cita 'mañana en la x sala en el museo del parque', los encuentros para conversar, a los contratos, acuerdos que ella va obteniendo de la familia, conducidos por ‘la grande mere’, la integrante mas antigua de la familia que todos le tienen pleitesía, si ella lo dice, o si ella no lo acepta. Las conversaciones son de amor, los contratos son de matrimonio, de compras de casas, de divorcio o de acuerdos familiares de manutención.

Pero detrás de la red que se teje entre lo hablado (las conversaciones) y lo escrito (los contratos) está el fondo, el escenario, los paisajes que suceden detrás de los personajes. Los personajes son parte de escenas pintadas, de pinturas, cambian de dimensión, pero no se salen de las pinturas, y detrás de ellos también hay pinturas, incluso los paisajes, las escenas de exteriores son pinturas. No hay mundo cotidiano, o se está de fiesta o se prepara una fiesta, ya que todas las escenas están tomadas de pinturas de la época, no hay un mundo antiguo o un mundo futuro, todas forman parte de ese presente que se desplaza.

Así podemos ver representaciones del mundo antiguo, egipcio, griego, romano; o sea lo que representaba el neoclasicismo, un redescubrimiento de un mundo antiguo, anterior al cristianismo,a la iglesia, empieza a ilustrar a la nueva sociedad burguesa en ascenso. El nuevo mundo, los paisajes abiertos, infinitos, que se abren con el crecimiento económico y social de la nueva America, los nuevos pintores y las nuevas imágenes que representan a la nueva America, a los americanos emergentes. Hay una America que mira todavía a Europa, y hay una America que ya mira al oeste, a los horizontes abiertos al oeste. Hay una America que mira a las ruinas, egipcias, griegas y romanas, y una America que mira a la industria, y a las nuevas representaciones artísticas emergentes con ellas: las construcciones metálicas, los museos, las exposiciones, los kioscos en las plazas, etc.

Con esto quiero decir que en los salones de las casas, uno detrás de otro estaban colgados cuadros semejantes a estos, en una sala las representaciones del mundo antiguo, que se estaba redescubriendo por los arqueólogos/as, en otra las representaciones del nuevo mundo, los grandes espacios por descubrir, por colonizar, y por ultimo representaciones de las nuevas construcciones en metal...de espacios públicos, como estaciones de tren, museos, galerías de exposiciones, etc. como esta:

La mujer, hasta ahora la mujer era representada como diosa, con otros dioses, formando parte de ese mundo antiguo que se redescubría, como un pasado que les permitía separarse de las representaciones de la iglesia dominante, donde la mujer era solo representada como santa o como virgen, un ejemplo:

Continuando con esta serie....De las mujeres a la perfomance, luego de aproximarnos a la época de las cortesanas, donde además de pertenecer a la aristocracia también participan de ‘conversaciones’ literarias, sobre arte, opera…etc., será una manera de salir exclusivamente de las funciones sociales-familiares para permitirse entrar en otras relacionadas con el arte, estamos viendo que el arte ha sido una de las maneras con la que las mujeres han accedido a otros roles sociales. Nos adelantamos a finales del siglo XIX, ahora se trata de la burguesía, ahora no se trata de los salones de palacio, sino de los salones de las grandes casas familiares, pero se piensa la vieja Europa en términos aristocráticos, ellos ya son profesionales o industriales, o inversores en bolsa, ellas todavía regentan las familias o se preparan para realizar una. El contrato tiene que ver con el contrato familiar, y la mujer forma parte del mismo, no es en la familia donde encontrará su realización personal, y salir de ella implica un acto fundamental. Les recomiendo especialmente porque ilustra magistralmente este proceso que intentamos descifrar:

las mujeres a la performance

2011-02-16T19:57:00.012+01:00

En esta serie...
Parte 1
Parte 2
Parte 3
Parte 4
Parte 5
Parte 6
Parte 7

El cine & performance

2011-01-05T18:22:00.001+01:00

II Parte

Si en un primer momento, años 90 el cine toma a la perfomance como operador - antes lo había hecho con el drama (que provenía del teatro), la comedia (la comedia del arte), el cine negro (la novela policial), la ciencia (la ciencia ficción), etc. etc.- ya en el cine de Tatie se aprecia que el operador es la perfomance, la acción antes que el argumento, más adelante el nuevo cine coreano (El sabor de la sandia) con directores jóvenes se instalan en esta nueva forma de hacer cine. Grandes directores como Michel Haneke (El video de Benny) Gus van Sant (Elephant), Sofia Coppola (Las vírgenes suicidas) , Alejandro González Iñárritu (Babel), Michael Winterborttom (Guantánamo). Con Guantánamo, Winterborttom da un giro a la cuestión, ahora no se trata de ficción se trata de un documental, es un documental tratado perfomáticamente. Y, por último el documental, los directores que hacen documentales se ocupan de registrar la perfomance.

En el Comunicado 13 pudimos ver documentales referidos a dos artistas de la perfomance: Philippe Petit y Bansky, realizados por ellos mismos o por colaboradores muy cercanos a ellos. Recientemente se producen nuevas sorpresas:14 días con Víctor, documental que relata la vida cotidiana en un taller de arte, en Londres, donde el perfomance será el objeto del artista, el cuerpo y la vida real del perfomance; El falso orgasmo, también documental donde Lazlo Pearlman muestra el desarrollo de su trabajo como perfomance.

Si en los dos primeros el tema y el desarrollo eran casi exclusivamente técnicos, el modo de trabajo de los artistas, el uso del territorio, el uso de los materiales, su implantación fuera del contexto de los museos, y su realización como arte público; en las dos restantes los temas se complican: la política de la perfomance ¿Hasta donde debe llegar el artista con su cuerpo como objeto? ¿Hasta dónde debe llegar el arte con el tema de la acción? ¿Qué relación tiene la perfomance con el mercado del arte? para llegar a plantearnos ¿Qué relación tiene la sexualidad en el arte de la perfomance? ¿Habría una sexualidad perfomática? ¿Qué modo de sexualidad nos quiere hacer ver la perfomance?

	Man on Wire Dirección: James Marsh. Países: Reino Unido y USA. Año: 2008. Duración: 94 minutos. Género: Documental. "Es una película ganadora del Oscar al mejor documental largo. La película trata sobre el paseo que Philippe Petit realizó en 1974 entre la Torres gemelas de Nueva York y está basada en el libro de Petit, "To Reach the Clouds" La película presenta momentos de la preparación del evento y muestra fotografías del paseo, así como la reconstrucción de los hechos (con el actor Paul McGill en el papel de Petit) y entrevistas actuales a los participantes".
	Exit Through the Gift Shop Director: Bansky. País: EE.UU. / Gran Bretaña. Año: 2009. Duración: 87 minutos. Género: Documental. "Banksy es el nombre de guerra con el que se conoce al más prolífico artista guerrillero de todos los tiempos. Su identidad es posiblemente el secreto mejor guardado del arte británico. Sus aclamadas obras decoran calles desde Nueva Orleans hasta el muro de Cisjordania. Exit Through the Gift Shop es la historia de Thierry Guetta, un excéntrico comerciante francés afincado en Los Ángeles, aficionado a grabar todo lo que ocurre a su alrededor. Un día decide ponerse tras la cámara para realizar una película sobre el arte urbano y algunos de los más célebres artistas del street art, entre los que además de Banksy se encuentran artistas como Space Invader o Shephard Fairey. En medio de la grabación, Banksy decide darle la vuelta a la cámara y grabar a Guetta, quien se adentra en el fascinante mundo del arte urbano con el alias de Mr. Brainwash".
	14 días con Víctor Director: Román Parrado. País: España. Año: 2010. Duración: 85 minutos. Género: Drama. "Año 1995. Víctor es un enigmático joven que lucha por sobrevivir en Londres. Un encuentro casual le lleva hasta Martin y Anna, dos artistas que comparten el mismo estudio y el mismo momento vital. Martín quiere relanzar su carrera y, al mismo tiempo, vive pendiente de su hermano, que fue una estrella del boxeo y quiere regresar a los cuadriláteros. Anna está perdiendo a su padre por culpa de una larga enfermedad, físicamente devastadora. Víctor entra como un soplo de aire fresco en el estudio de estos dos artistas. Las obsesiones de unos y la juventud del otro se mezclarán en un explosivo cóctel de consecuencias imprevisibles y dolorosas".
	El Falso Orgasmo Dirección y Guión: Jo Sol. País: España. Año: 2010. Duración: 81 minutos. Genero: Documental. "Lazlo Pearlman es un artista conceptual, un prestigiador de los clichés, un activista capaz de dinamitar nuestros prejuicios y dogmas sobre sexo e identidad. Lo que en apariencia es una divertida reflexión sobre las mentiras en nuestra vida sexual se convierte en un punzante discurso sobre la teoría de género y la permanente construcción de nuestra identidad. Conceptos como orgasmo, deseo, género e identidad son analizados desde ángulos diferentes a los empleados por la sexología, con el fin de desarrollar teorías transgresoras, avaladas por especialistas de primer orden, como: Judith Buttler, Thomas Laquear, Judith Halberstam, Mantak Chia y Beatriz Preciado".

El funambulismo en el arte

2010-11-10T19:33:00.000+01:00

Quiero recoger las notas del viernes 5 de junio de 2009 sobre Jean Louis Blondeau, escritas en este blog, para retomar la relación entre la performance y el cine, cito:

Jean Louis Blondeau
"Man on Wire"
Dirigida por James Marsh
EE.UU. 2009

Imagen: Jean Louis Blondeau. Steel Cradle.

Catedral de Notre Dame de París, 26 de junio de 1971.

“El 7 de agosto de 1974 pudo verse en Nueva York un espectáculo memorable. Un joven francés llamado Philippe Petit, ayudado por sus más próximos colaboradores y amigos, había tendido un cable entre las Torres Gemelas para, a más de 400 m. de altura, cruzarlo haciendo ejercicios de funambulismo.

Este acto, calificado como el crimen artístico del siglo XX, dio la vuelta al mundo. Pero ¿qué motivó a Petit y a sus colaboradores a realizar esta aparente locura? La respuesta a esta pregunta tiene que ver más con la actitud ante la vida de cada uno. Ese día de 1974, al levantar la vista en la ciudad más importante del mundo, se pudo contemplar en su cielo la respuesta a todos los sueños.

Para algunos fue una locura, un riesgo, un sin sentido. Para otros fue una obra de arte, una llamada de atención, un acto salvaje, chocante, fuera de lugar y terriblemente sentimental. Para sus autores, fue la culminación de un sueño. Uno por el que merecía la pena vivir y luchar y tal vez, si hubiera sido necesario, morir. Para Petit, aún hoy apasionado con su experiencia, la vida no tiene sentido si no se vive para alcanzar los sueños. O mejor aún, el único sentido de la vida es alcanzarlos.

La película Man on Wire, dirigida por James Marsh, y ganadora de un Oscar al mejor largometraje, narra la historia de Petit y sus colaboradores, pero no va sólo de un hombre que camina por un cable. Man on Wire, aunque suene exagerado, habla del sentido de la vida. De intentar dejar una huella no ya tanto en los demás, sino en uno mismo. De alcanzar una plenitud personal aunque sea arriesgándolo todo. Y como dice Petit, de vivir cada día como un desafío. De vivir cada día en la cuerda floja y saber que el riesgo merece la pena.
La galería La Aurora, dentro del festival Punto y Aparte, inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de 40 años...

18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título "Bendita locura".

Desgraciadamente, durante la producción de la película y la promoción de la misma, la relación entre Philippe Petit y Jean Louis Blondeau se rompió para siempre, el cable, de acero, que sustentaba su relación y complicidad, y que fue testigo de un encuentro memorable, se quebró lanzando su amistad al abismo.
el funambulismo en el arte”.

JEAN LOUIS BLONDEAU
Este rescate es para invitarlos a visionar el documental sobre/de/ dedicado a Bansky.

The Bansky film
Exit-to-the-through the gift shop
2010, 87 min.

http://www.sideoftheblog.com/2010/01/el-documental-sobre-banksy.html
Trailer del video y algunos datos referenciales el ciudadano
http://www.sideoftheblog.com/2010/01/el-documental-sobre-banksy.html
Hay material, imágenes y textos
http://extracine.com/2010/10/exit-through-the-gift-shop-documental-banksy
Algún comentario interesante

Este gran acontecimiento me permite sintetizar algunos puntos, en comunes, y otros no, de los dos grandes artistas:

1. los impresionistas se han esforzado, y lo han logrado históricamente, poner el arte de la ruptura en los grandes museos, luego lo han consegido los Accionistas Vieneses, Ive Klein, no podemos dejar de nombrar a Jackson Pollock, ahora todos en los grandes museos, en las grandes galerías, etc. La ruptura con la academia y el arte establecido quiso decir la ruptura con las instituciones, un ejemplo es:
Pasión por Renoir. La colección del Sterling and Francine Clark Art Institute
19 de octubre - 6 de febrero de 2011
Comisarios: Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX y Richard Rand, Jefe de Conservación del Sterling and Francine Clark Art Institute
Exposición coorganizada entre el Museo Nacional del Prado y el Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts)
Con el patrocinio de la fundación BBV, España.

Los comisarios de la exposición comentaban en un noticiero en la cadena oficial, que al fin habían logrado que Renoir estuviera en el Museo del Prado...ya que naciendo de 'la tradición clásica' pertenecía a 'la tradición clásica', se había comentado lo mismo con Picasso y su famoso Guernica, sea por comunista o por estar en contra de la guerra sangrienta organizada por Franco, etc. Lo que está fuera de lo establecido, lo que rompe con lo establecido...la institución intentará de manera mas o menos elegante, que esté dentro, que pertenezca a la historia del arte y a los recorridos académicos, le resulta insoportable 'lo que está afuera'.

Si el arte, como paradigma es lo que rompe lo que queda fuera, si es lo que rompe con lo establecido, si es lo que queda fuera del lenguaje....si es lo que va más allá, son los propios artistas o es el sistema que necesita del arte para subsistir, frente a la destrucción del sistema organizado por el sistema mismo, el arte saltando por encima, yendo mas allá, es lo único que nos deja un producto a tener en cuenta.
Tomo a Blondeau y a Banski como ejemplos de saltar fuera, de quedarse fuera, del hacer del afuera el espacio propio del arte, entre un edificio y otro, entre un muro y otro entre un salto y otro, son dos modos de funambulismo, uno entre un edificio y otro, y el otro entre edificios...pero se trata solo de riesgos físicos para el artista, o se trata del hacer con ese riesgo...en un momento en donde la civilización ya ha corrido todos los riesgos (los holocaustos, la bomba atómica, las pandemias, ahora los terremotos y maremotos) los artistas hacen del riesgo su obra de arte. Disponer de la calle como los muros de los museos, disponer de los edificios como los espacios de las grandes salas de exposiciones, disponer de los paseantes de la calle, como las masas de espectadores, disponer de los blogs y las webs como si se tratase de los críticos internacionales más reconocidos, la calle y los medios son los nuevos recursos...el arte de la acción...el arte de la calle, o mejor dicho la acción con el arte en la calle.
Dos extraordinarias películas, más allá de los técnicos, de los realizadores, de los productores, permitirnos ver...ver...ver...apreciar y analizar que sin darnos cuenta de pronto en la calle tenemos arte. Al arte de los artistas.

2010-10-14T12:39:00.000+02:00

Este último verano ha sido muy productivo en exposiciones, retrospectivas, instalaciones de artistas de interés para nuestra investigación, primero haré una lista de las mismas y luego presentaré cada uno de los trabajos propuestos, comenzaremos con:

Juan Hidalgo / Desde Ayacata

Sala Norte - ARTIUM

27 de marzo hasta 29 de agosto de 2010

http://www.artium.org/

El artista canario presenta su exposición en el Centro-Museo de Arte Contemporáneo ARTIUM, en Vitoria. La muestra recopila la labor realizada en los últimos doce años de uno de los grandes referentes del arte español de las últimas cinco décadas. Juan Hidalgo (Las Palmas de Gran Canaria, 1927) fue durante más de 30 años junto a Walter Marchetti y Esther Ferrer "miembro cardinal" de ZAJ, posiblemente el movimiento vanguardista más controvertido y perturbador de la segunda mitad del siglo XX en España. ZAJ consiguió, en una época de oscurantismo cultural y político, que la poesía, la música, el teatro y el arte plástico difuminaran sus límites y se fundieran en un entramado de acciones. Hidalgo de formación musical también fue el primer compositor de una obra electroacústica, y el primero en estrenar una obra en el mítico Festival de Darmstadt (Alemania). Cabe destacar uno de sus hallazgos conceptuales más importantes los etcéteras, que el definió como "documento público, como dirían los chinos (gong an) no los japoneses (koo an)" y que vertebran gran parte de su obra.

Desde Ayacata se recorre cerca de 70 obras realizadas entre 1997 y 2009, acciones fotográficas, objetos y ambientes en los que están presentes la ironía, el humor, el sexo y el riesgo. La exposición comisariada por Carlos Astiárraga, es una producción conjunta de ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), TEA (Tenerife) y CAAM (Las Palmas de Gran Canaria).

Àngels Margarit-Cía. Mudances

Solo para habitación de hotel

Hotel Meridian Barcelona #712

25, 26, 28 y 29 de agosto de 2010

http://www.margarit-mudances.com/

Creado en el año 1989 Sitges Teatro Internacional (STI) este solo se convirtió en una pieza itinerante. Ha mantenido su idea inicial y estructura, pero ha ido evolucionando y actualizándose. Danza nómada que se instala en las habitaciones de hotel; de estructura circular de 20 minutos de duración en la que el final enlaza con el principio y se repite ininterrumpidamente 6, 8 ó 10 veces. "Es un solo para ver a solas", el espectador asiste como un voyeur accidental a una escena que sucede en el interior de una habitación de hotel, descubriendo la intimidad de un personaje que no actúa para el público, alguien que está atrapado en el silencio de sus pensamientos, de su espera, de su soledad. El objeto de la pieza es colocar al espectador en el lugar de la intérprete, como si vivieran un rodaje, una secuencia cinematográfica. Margarit lo expresa en sus propias palabras "lo que más me interesaba de la pieza era situar a la intérprete y al público en contextos diferentes de los normales, para cambiar la percepción y sacudir los roles establecidos del ritual escénico, comprometiendo así a la intérprete y también al espectador a participar en la intimidad de la escena sin el refugio habitual de la oscuridad y la distancia en que se sumerge normalmente".

La Compañía inicia su recorrido en 1985 y toma su nombre del primer espectáculo Mudances y se dedica a la creación contemporánea en diferentes formatos escénicos. Los ejes de interés son la danza y el espacio, así como la investigación de lenguaje y poética propios. Desde el inicio su trabajo incluye la búsqueda y la interrelación a otras disciplinas artísticas como la música, la fotografía, el vídeo, etc.

Eulália Valldosera / Dependencia Mutua

Galería Joan Prats

18 de mayo al 26 de junio de 2010

http://www.galeriajoanprats.com/

De vuelta en Barcelona, en pleno verano, la Galería Joan Prats, nos ofrece las obras de Eulália Valldosera reunidas bajo el nombre Dependencia mutua, su obra compuesta de colillas, humo, espejos, cuadernos y fotografías de pequeño y gran formato, videos, de pequeño y gran formato, y una instalación/aparato en la sala central, que ironizan sobre las relaciones de poder en el espacio privado. La artista, conocida y estudiada por nosotros después de su primera gran retrospectiva en la Fundació Antoni Tapies, en Barcelona, y su aterrizaje en CNARS en Madrid, se dedica nuevamente a un trabajo de rastreo, ella está detrás de la acción, con el ojo puesto en la cámara para retratar su visión antropológica y critica de las dependencias humanas.

A petición de la artista, una mujer de la limpieza de origen

ucraniano se dispone a limpiar una estatua del emperador

romano Claudio. A media que ella toca y limpia la figura

masculina en postura de dominio, la mujer desafía las

dimensiones intangibles y oscuras de símbolos de poder.

Bill Viola / Obras Figurativas

Museo Picasso Málaga

28 de junio al 12 de septiembre 2010

www.museopicassomalaga.org

De allí viajamos a Málaga, Museo Picasso, para ver la instalación de videoarte de Bill Viola, sala pequeña tres pantallas con tres videoinstalaciones, el cuerpo y el agua como leive motiv principal, y una larga entrevista que le realiza el periodista americano...como va perfilando hace mucho tiempo un encuentro con el discurso, entre la mística y el arte. Tal y como explica el propio artista, "transfiguraciones" hace referencia al extraño proceso por el que la sustancia y la esencia de un ser cambian de forma, en una transformación que suirge del interior a partir de una revelación o de una abrumadora sensación de claridad. The Arragement (2007), Encarnación (2008) y Tres mujeres (2008) muestran una y otra vez a personas anónimas aproximándose desde la oscuridad, cruzando hacia la luz, a través de una cortina de agua, son dos elementos de gran carga simbólica, para volver luego a las sombras ubicadas en un más allá incierto y lejano.

Para la realización de estos videos el artista dio a los actores indicaciones mínimas y las reacciones al cruzar la cortina de agua fueron libres: para unos fue una pantalla personal, para otros un exorcismo un renacimiento, la pérdida de la inocencia, simplemente el deseo de volver atrás.

Para terminar nos vamos a Berna, Suiza para ver dos estupendas instalaciones de Dora García, artista castellana que seguimos sus pasos desde el 2001 cuando nos visitó en el Macba de Barcelona.

Dora Garcia / I am a Judge

Kunsthalle Bern

21 de agosto al 10 de octubre 2010

www.kunsthalle-bern.ch

El motivo principal del trabajo de Dora García es el análisis de los paradigmas y convenciones tomadas de la cultura popular, donde la ética y la moral están siendo desafiadas. En su obra escrita sobre la pared I am a Judge (Yo soy un juez) 1997, describe un escenario con un juez que ya no puede separar el bien del mal. Tal ambivalencia sigue a lo largo de toda la exposición para difundir los motivos de lo que conocemos como moral y jurídicamente aceptable. En su escultura Roba este libro (2009), un libro de una edición de 250 ejemplares, los visitantes se enfrentan a un dilema a nivel individual: Por una parte llevarse el libro puede ser visto como un delito mientras que no hacerlo es omitir de participar de este juego que nos propone Dora.

Para concluir fue una gran sorpresa el descubrimiento de Chantal Michel, video artista de Berna, que con su video instalación toma la sala del museo, se apropia del espacio propio del espectador, y deja las paredes vacías, el espectador pasea, se adentra en este espacio de pantallas, a través de su sombra dialoga con la obra, como si fuera un juego de cartas, o de dominó, o de dados...la obra y el espectador se convierten en una sola cosa, un espacio de arte.

Chantal Michel / Miel, lait et premières violettes

Installation vidéo, couleur, son

Kunst Museum Bern

1h 30min en boucle

Desde 7 mayo al 5 septiembre 2010

Curator: Kathleen Bühler

http://www.kunstmuseumbern.ch/

Esta instalación de Chantal Michel está compuesta de seis instalaciones de video, cada una constituida por una serie de 40 secuencias de video las que, si bien sólo tienen una duración de minutos, recorren todo el ciclo de la vida desde el nacimiento, el matrimonio hasta la muerte.

En ellas figuran diversas ocupaciones de la existencia humana como: la educación (el libro), el arte (la mano con la pluma) y la vida cotidiana (el pan, la leche, los huevos, el azúcar y los animales), así como el mundo de los espíritus y los juegos (las cartas, los dados y las pompas de jabón).

La duración total de las secuencias es de una hora y media, y es lo que dura la totalidad del montaje en serie, sin embargo cada proyección tiene un montaje diferente, de suerte que desde un punto de vista espacial nos da la impresión de estar en la instalación como si se tratara de una cabina de observación o como ser invitados a introducirnos en un espacio de video de difusión continua que nos hace partícipes de la encarnación de una grandeza real de meditación plástica.

Con una cierta distancia
el recorrido ha sido fructífero...

Si empezamos con los orígenes de la performance (Juan Hidalgo) y todo el contexto que significaba, con el tiempo nos encontramos con la performance en la realidad ordinaria bajo la mirada de Eùlalia Valdosera una señora limpia una escultura romana con ello el espacio se hace perfomático. Descubrimos que la performance nos abre a un espacio nuevo, construye un espacio nuevo.

Àngels Margarit nos presenta el espacio en tanto "ordinario", la habitación de un hotel como pretexto nos lleva a la sublimación de esos movimientos "ordinarios". Al abrir una ventana nos va mostrar las tres pantallas de lo virtual: la pantalla de la habitación, la pantalla de la televisión y la pantalla de la calle. De América Bill Viola nos muestra la performance de "lo mínimo", a travezar la pantalla, el cuerpo se ha hecho virtual: la videoperformance.

Seguir la obra de Dora García significa confirmar los pilares de su producción: el vacio, la transparencia, el texto perfomático, las entrevistas inexistentes y el libro... para robar. La sorpresa en esa visita a Berna ha sido Chantal Michel, la artista no ocupa las paredes para poresentar sus video (Bill Viola, Dora García) sino el video ocupa el espacio haciéndolo virtual no estamos en presencia de un relato sino que estamos dentro del "relato".

Instalar lo real

2010-07-28T15:35:00.001+02:00

La función del comisario

Fundació Antoni Tàpie

Alma Matrix

Bracha L. Ettinger

14 de mayo- 1 de agosto de 2010

Comissària: Catherine de Zegher

www.fundaciotapies.org

martes a domingo de 10 a 20

Como artista y psicoanalista, Ettinger (Israel/Francia) integra en su trabajo ambas prácticas y desarrolla un enfoque innovador del psicoanálisis aplicado, un enfoque a medio camino entre la práctica artística y la terapéutica, que altera la percepción de lo que el arte y el análisis pueden ser. En su obra sobre papel, imprime trazos vinculados a la memoria y al trauma, la migración y la historia, mientras que reflexiona sobre la representación, la mirada y la impronta. El intercambio de experiencias y la intención de manifestar un inconsciente común y compartido, se ponen de relieve en sus dibujos y pinturas por la ausencia de fijación y la tendencia a la ambigüedad, la permutación, lo compuesto, lo flexible y lo efímero. A través de una sucesión casi sin fin de documentos manipulados, como fotos de familia, documentos del holocausto, entre otros, y velados por el mismo proceso mecánico del fotocopiado –cuyos vestigios residuales de tinta se fusionan con trazos nuevos– Ettinger crea sus series de dibujos y pinturas como Matrix-Family Album, 1988-1989, Woman-Other-Thing, 1990-1993, o Eurydice series, 1994-2009. Asimismo, Ettinger recoge sus experiencias como psicoanalista y artista en un conjunto de libros de notas, que utiliza como espacio de reflexión, durante sus sesiones de trabajo terapéutico, y en cuyas páginas escribe, y realiza trazos espontáneos sola o con sus pacientes

En relación a esta exposición se ha realizado el seminario:

EL ARTE PROCESUAL Y EL OBJETO:

LA REPETICIÓN, LO EFÍMERO

25 y 26 de mayo de 2010

La Fundació Antoni Tàpies, junto con la Cátedra de Arte y Cultura Contemporánea de la Universidad de Girona, han organizado un seminario en torno al papel que desempeñan en la historia del arte los espacios generados en la producción artística por los trabajos procesuales, relacionales o en transformación. Es una visión de la historia del arte en la que se incluyen temas como la relación, la ausencia, lo efímero, el duelo, la huella o el proceso, y que va más allá de una concepción centrada en el objeto artístico.
Algunas conferencias:

"Finished and Unfinished, from Studio Work to Art Criticism" (Acabadas e inacabadas: de las obras de estudio a la crítica de arte), conferencia a cargo de Elisabeth Lebovici.
"L'éphèmere et le nouveau statut de l'art" (Lo efímero y el nuevo estatuto del arte), conferencia a cargo de Christine Buci-Glucksmann.
"Coser con un hilo invisible. Correspondencias de/entre Bracha Ettinger, Eva Hesse y Ria Verhaeghe con algunas artistas españolas", conferencia a cargo de Patricia Mayayo.
"La imatge ferida" (La imagen herida), conferencia a cargo de Maria-Josep Balsach.

Conocíamos a Bracha L. Ettinger por su artículo para 'La Colección Prinzhorn' exposición realizada por el Macba en el 2001, 'Alguna-Cosa, Algún-Suceso y Algún-Encuentro entre el Sinthome y el Síntoma' y ahora la reencontramos como artista en esta su exposición en la Fundació Tapies.
Por otro lado, nos encontramos nuevamente con la comisaria de aquella primera exposición Catherine de Zegher, también comisaria de ésta. A todo esto, más que afirmaciones nos produce interrogaciones. ¿Hay obra en esta instalación de B L E?
O, se trata de mediante la instalación que surja una obra. La instalación es la obra. Está claro que se trata de fragmentos, todo deviene de la fragmentación. Lo más interesante es lo que por un lado BLE y por otro CZ como comisaria hacen de esta instalación, una obra en si. Si nos anticipamos al texto de Ettinger la pregunta que nos surge es: ¿Esta obra se ha producido como consecuencia del anudamiento del sinthome o esta es determinante en ele anudamiento del sinthome? Abrimos el debate.
Habíamos recomendado en nuestro comunicado nº 09 la retrospectiva de:

Juan Hidalgo

Desde Ayacata Juan Hidalgo 1997-2009

Acciones fotográficas, objetos y ambientes

comisario: Carlos Astiàrriaga Artium, Vitoria

marzo-agosto 2010-06-04

www.artium.org

Juan Hidalgo jamás dio un paso por acercarse al museo como institución, ni educativa ni difusora ni, mucho menos, legitimadora de nada que para él fuera importante. Hasta el punto que Hidalgo puede aceptar que lo que él hace ni siquiera es arte, sino meras propuestas dirigidas a la mente y los sentidos, y resueltas como música, como poesía, como gestos, como objetos e incluso como fotografías, que no son sino la consecuencia (secundaria) de una «acción fotográfica» (principal).
Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos.
Podríamos extraer otros textos, todos de interés, referente a su personalidad y su obra, pero luego de visitar detalladamente la retrospectiva de Artium, nos vuelve a surgir nuevos interrogantes. ¿Hay obra en el arte de la acción? ¿El arte de acción es un productor de objetos, de imágenes, de formas...etc?
Y ya sea por el tipo de obra, o por la extraordinaria calidad del comisario, esto se aclara casi de inmediato. No hay obra propia, no se trata de cernir un objeto, sino encontrar una solución mucho más compleja: las modalidades del objeto. El modo real, el sexo; el modo imaginario la imagen, y el modo simbólico, la instalación misma, que permite el anudamiento de algo que en si, suelto y fragmentado pierdo todo valor. Si el arte de acción ha pretendido perder el valor agregado, el plus, que con enorme esfuerzo se recupera en la modernidad desde los impresionistas, aquí lo adquiere solo en su anudamiento, cuando cada objeto, imagen, o acción perfomática remite a la siguiente. Es por la instalación que adquiere valor plus...y por lo tanto plus de goce, el objeto es la instalación.

Para concluir:

De manera muy distinta, completamente distinta, en el primer caso aprovechando `la fragmentación del objeto' la comisaria Catherine de Zegher, nos ofrece una verdadera joya expositiva, se trata del despliegue de la marca en sus distintas dimensiones y por otro de su anudamiento, sino en caso contrario se perdería en los mil vericuetos de lo imaginario. Es el anudamiento borromeo (lo simbólico) que impide la deriva al infinito de lo imaginario. En el segundo caso cada cosa, cada imagen, cada letra, es un objeto en si, pero un objeto más, no importaría un objeto más o un objeto menos, solo a través de la función del comisario, en este caso de Carlos Astiàrriaga, que la obra se abrocha cada vez, se anuda cada vez, va y vuelve, hace banda una y obra vez, incluso el cambio de registro... de una realidad ordinaria, en tanto secuencia de objetos, a una realidad virtual... nos muestra el aparato como obra... están en su justo momento, en su justo lugar.

El espacio expositivo es el objeto final, gracias a los distintos anudamientos el espacio es el producto resultante, espacio por espacio, y el espacio en su totalidad. Por supuesto que agradezco a los artistas por el proceso realizado, por el esfuerzo realizado, pero agradezco aún más a los comisarios por tan extraordinarios trabajos...que nos dejan entrever que tanto la fragmentación (como arte de la letra) como la perfomance (como arte de la acción) tendrán como objeto al espacio.

La performance hoy

2010-06-07T15:45:00.001+02:00

como retrospectiva I

Reseña de Marina Abramovic

The artists is present

MOMA de Nueva York

marzo-mayo 2010-06-04

The Artist is Present es el título de la exposición de Marina Abramovic en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de New York.La muestra de la artista serbia está compuesta por 50 obras que dan cuenta de 40 años de trayectoria en el arte, en donde se destacan las piezas sonoras, vídeos, instalaciones, performances y fotografías.Una particularidad de la exposición será una performance que se realizará todos los días en el museo hasta el 31 de mayo. La pieza está compuesta por personas desnudas dispuestas en los marcos de las salas, además de personas semivestidas distribuidas entre las obras de Abramovic. El objetivo de la artista contemporánea es poner en la superficie la relación que se establece entre el artista, la obra y el público.

Marina Abramovic. Portrait with Flowers, 2009

Descargar programa de eventos

como retrospectiva II

Juan Hidalgo
Desde ayacata

Juan Hidalgo 1997-2009

Acciones fotográficas, objetos y ambientes

Artium, Vitoria
Marzo-agosto 2010-06-04

http://www.artium.org/

Hidalgo jamás dio un paso por acercarse al museo como institución, ni educativa ni difusora ni, mucho menos, legitimadora de nada que para él fuera importante. Hasta el punto que Hidalgo puede aceptar que lo que él hace ni siquiera es arte, sino meras propuestas dirigidas a la mente y los sentidos, y resueltas como música, como poesía, como gestos, como objetos e incluso como fotografías, que no son sino la consecuencia (secundaria) de una «acción fotográfica» (principal). Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos.

como feria de arte

ARCOMADRID2010-06-04

Performing ARCOMira Bernabeu, Santiago Sierra, Fabien Giraud-Raphaël Siboni, SUSO33, Carlos Llavata

"Simulacro" Carlos Llavata

PERFORMING ARCO / PABELLÓN 6ARCOmadrid_ 2010 continúa con su sección dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales que propongan obras en vivo (performances). PERFORMING ARCO se dirige a todas aquellas galerías interesadas en explorar las posibilidades de la performance como práctica de las artes visuales y les brinda la oportunidad de presentar, en el contexto de una feria de arte contemporáneo, aquellas obras de sus artistas cuya expresión última sea la representación en vivo. El programa ha sido supervisado por Javier Duero, comisario independiente.

como festival

Interakcje

Piotrków

Polonia 2010

Curadores: Malgorzata Butterwick, Ángel Pastor
Tema: Art as a sinthome

John Cage Del signo (musical) a la letra

Jacques Lacan con John Cage

Los participantes del encuentro leen el texto parágrafo por parágrafo cada uno en su idioma (polaco, castellano, francés, inglés, catalán) en modalidades diferentes: lectura teatralización, canto, poesía sonora, la voz del ordenador, etc. Así el texto de mano en mano, de voz en voz, adquiere un valor perfomático. Privados del efecto de la mirada ya que están sentados uno a espalda del otro, la presentación se convierte en una performance sonora. No se trata de la comprensión del texto, sino de su escucha.

Descargar textos de los curadores en pdf

como encuentro

Epipiderme7

Encontros à volta de performance

Lisboa, Portugal

mayo 2010
Performance: Marcos Vinícius, Aisa Boaa, Adina Bar-On, Gilberto Gaspar

Videoperformance: Lezli Rubin-Kunda (Video)

Workshop de performance: Con Adina Bar-On Personality in real time and space.

como taller

Workshop-Clínica de performance

Pensar para deixar de pensar e agir

Oficina epipiderme

Rocío Boliver, La congelada de uva

Marzo 2010, Lisboa Portugal

La clínica consta de cuatro sesiones de cuatro horas. Cada alumno debe reconocer la performance como un instrumento para influír en la realidad, expandiendo su sensorialidad, ensanchando su consciencia y trabajando su autoconocimiento.El alumno irá apreciando la realidad cotidiana por su contemplación, suspendiendo el juicio, para alcanzar una visión performática que lo lleve a crear su obra a partir de sus necesidades de expresión. Y como resultado del proceso como epifenómeno.
El nombre del workshop de performance “pensar para dejar de pensar y hacer” expone la intención primera del objetivo a alcanzar: interligar conceptos filosóficos en el plano racional, para “abandonarlos” para quedarse en un plano irracional e inconsciente.Más que pretender crear piezas de performance el principal objetivo es trabajar sobre la mente del alumno, para examinar realidades diarias como un desafío constante, de manera de alcanzar una visión performática, recreando una vida cotidiana en cualquier situación.
El objetivo es que el alumno desenvuelva una consciencia performática para observar las cosas, ideas, metáforas, expresiones, sentimientos de modo conceptual, y como se integra de manera natural en su pensamiento.

La performance en los medios

Eurovisión Festival de la canción 2010

Daniel Diges con la canción 'Algo pequeñito'

representa a España. Oslo,

29 de mayo de 2010

En el momento de la actuación del representante español, interviene de improviso el activista Jimmy Jump . Leemos la nota que el Periódico de Catalunya ha publicado el domingo 30 de mayo:” En octubre del 2007 por primera vez Jimmy Jump se coló en la entrega de la Copa del Mundo de Rugbi en París; en junio del 2008 paseó su barretina en un encuentro de la Eurocopa de fútbol, en Basilea; en junio de 2009 interrumpió un partido de Federer en Roland Garros, en París, y ayer por la noche, el veterano y desgraciadamente popular espontáneo Jimmy Jump reventó la actuación de Daniel Diges en el Festival de Eurovisión en Oslo. Jimmy Jump, pseudónimo profesional de Jaume Marquet Cuna, logró superar los controles de seguridad y apareció –con una camiseta con su nombre y su barretina– en el plató cuando el representante de TVE y sus bailarines actuaban. “http://www.elperiodico.es/es/noticias/tele/20100530/jimmy-jump-monta-show-eurovision-revienta-tve/284176.shtml

Este comunicado está editado en el blog de Alberto Caballero espero encontrar vuestras opiniones y abrir un debate sobre la dirección de la performance hoy.

Con los medios > en los medios

PROGRAMA DE PERFORMANCES PATROCINADO POR MANGO EN PABELLÓN 6
Sección Oficial"Panorama (new economy) Série Mise en Scène XIII" de Mira Bernabeu.
Presentado por Trayecto, Vitoria.
"NO, Global Tour" de Santiago Sierra.
Presentado por Helga de Alvear / Prometeogallery di Ida Pisani, Madrid / Milán.
Pabellón 10. Portón 10H. Enfrente de SPO9 Helga de Alvear / Prometeogallery di Ida Pisani.

"The Straight Edge" de Fabien Giraud / Raphaël Siboni.
Presentado por DNA Galerie, Berlín.

"Yo soy pintura" de SUSO33.
Presentado por Adora Calvo, Salamanca.
"Simulacro" de Carlos Llavata.
Presentado por Mirta Demare, Rotterdam.
Panorama: Los Ángeles" Post-Living Ante-Action Theater (PoLAAT)", de My Barbarian.
Presentado por Steve Turner Contemporary, Los Ángeles.

John Cage: del sujeto a la estructura a la estructura

2010-05-03T18:02:00.000+02:00

dossier John Cage
castellano polish française english

Conferencia 14 de mayo

La obra literaria de James Joyce lleva a Lacan a su última formulación sobre la estructura, la estructura a cuatro, del sinthome como estructura. Podríamos agregar que Lacan define la obra literaria de Joyce como su sinthome, como ese cuarto nudo reparador de su estructura. En el caso de John Cage quiero demostrar que no se trata de un nudo reparador, sino que ese cuarto nudo, ese sinthome es su obra de arte, esta construido como una obra de arte. Los pasos por el objeto, el discurso y el síntoma, llevarán a construir un sinthome como una obra de arte, que le permite adquirir su propia nominación simbólica.

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14 may 2010
12th International Art FestivalINTERACKJE

XII Festival Internaciona de Arte INTERAKCJE (Interacciones)201010 - 14 de Mayo - Piotrków Trybunalski (Polonia)Osrodek Dzialan Artystycznych (Centro de Prácticas Artísticas)curadores/organizadores: Piotr Gajda, Gordian Piec

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curadores invitados de la edición de 2010:Malgorzata Butterwick & Angel Pastor (Polonia/España)

Queremos proponer un nuevo (o quizás hasta ahora descuidado?) punto de vista en arte (específicamente en Arte de Performance!) como una función en la vida humana - sin imponer ningún "tema" o discurso tópico. ¿Es posible ampliar la perspectiva teórica con cuestiones complejas y, de hecho, desbloquear una manera más honesta y cercana al artista de enfrentar el proceso creativo? ¡Sí!

Para más información del festival, artistas invitados y proyecto ver www.interakcje.org , www.galeriaoff.pl

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John Cage

2010-05-03T17:15:00.005+02:00

parte II

John Cage:

del sujeto a la estructura a la estructura

dossier John Cage castellano polish française english

Conferencia 14 de mayo

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14 may 2010
12th International Art Festival INTERACKJE

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curadores invitados de la edición de 2010:Malgorzata Butterwick & Angel Pastor (Polonia/España)

Para más información del festival, artistas invitados y proyecto ver www.interakcje.org , www.galeriaoff.pl

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John Cage I

Del signo a la letra: el silencio:

John Cage en el MACBA

encuentros con el arte contemporáneo

EAC, Encuentros con el Arte Contemporáneo, comenzó su trayectoria en el MACBA, con la exposición 'Arte y Acción: entre la performance y el objeto", en enero de 1999. Largo ha sido el recorrido hasta llegar a 'El Reino' de Dora García, en este mismo museo, y a la última convocatoria en el MNCARS con la retrospectiva de Eulàlia Valldosera... Con estas visitas que proponemos ahora conmemoraremos los diez años de este camino.

La anarquía del silencioJohn Cage y el arte experimental

MACBA, Museu d'Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, España,
Del 23 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010.

John Cage definió una práctica tan radical de la composición musical que cambió el curso de la música moderna en el siglo pasado, y configuró un nuevo horizonte conceptual para el arte de posguerra. Con el fin de plasmar la relevante contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor exposición que se dedica a este artista en el ámbito internacional desde su muerte. La muestra trazará un recorrido por la trayectoria del artista, desde sus primeras obras de la década de 1930, las piezas que ampliaron los parámetros de la música de percusión incorporando los instrumentos menos convencionales, pasando por su «piano preparado», hasta su famosa teoría sobre el «silencio» (y la composición 4'33") y su despliegue rompedor del azar y luego la indeterminación, y culminará con su innovadora obra multimedia, que empezó en la década de 1960 y prosiguió hasta la de 1980. Una de las secciones principales de la exposición mostrará la red de repercusiones a medida que la radical transformación conceptual de la «composición» por parte de Cage introducía las estrategias del arte avanzado.

encuentro en el MACBA

sábado 12 de diciembre de 2009, de 16 a 19h
16h: Visita guiada a la exposición, Marcela Jardón y Guillermo Mitchel 18h: Encuentro de todos los participantes y charla-debate con intervenciones de Miguel A. Peidró, Guillermo Mitchel, Carlos Bermejo, Conxa Sessé, y Alberto Caballero.

Dossier del encuentro realizado

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Serie de notas en escáner cultural
nº 125 abril de 2010

EL SILENCIO COMO MODO DE ACCIÓN

http://revista.escaner.cl/node/1837

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del signo a la letra

2009-12-28T12:11:00.000+01:00

conferencias

2009-08-05T14:11:00.004+02:00

parte II

John Cage: del sujeto a la estructura

dossier John Cage castellano polish française english

Conferencia 14 de mayo

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14 may 2010
12th International Art Festival INTERACKJE

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curadores invitados de la edición de 2010:Malgorzata Butterwick & Angel Pastor (Polonia/España)

Para más información del festival, artistas invitados y proyecto ver www.interakcje.org , www.galeriaoff.pl

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John Cage I

Del signo a la letra: el silencio
John Cage en el MACBA

encuentros con el arte contemporáneo

La anarquía del silencio John Cage y el arte experimental

MACBA, Museu d'Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, España,
Del 23 de octubre de 2009 al 10 de enero de 2010.

encuentro en el MACBA

Dossier del encuentro realizado

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Serie de notas en escáner cultural
nº 125 abril de 2010

EL SILENCIO COMO MODO DE ACCIÓN

http://revista.escaner.cl/node/1837

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Conferencias en Buenos Aires

RO/RV de la imagen a la letra / de la letra a lo visual

programa de conferencias 2009
Buenos Aires, Quilmes, La Plata

de la imagen...

La realidad ordinaria y el cine de Michael Haneke
Es el cine de Michael Haneke lo que me ha permitido elaborar el concepto de Realidad Ordinaria, concretamente su ciclo de la gelidificación emocional: en él las palabras han dado paso a los objetos por su presencia; ellos se presentan por sí mismos, desprendidos de toda narración, los personajes o la imagen de un antiguo sujeto también aparece confinada; son fragmentos-cosas, fragmentos-acciones, que nada narran, que no se amarran entre sí para nada-decir, sino que se presentan-en-sí, para acabar de una manera u otra en una detonación.
más información:
http://www.geifco.org/_webAlberto/webAlbertopubli.html
abrir ciencia / psicoanálisis / arte

Dentro del ciclo sobre la violencia organizado por la AIAP,
Asociacion de Interacción Arte y Psicoanálisis

Miércoles 12 de agosto,
Casa de la CulturaSeminario sobre la violencia,
expositor Horacio Zabala

Miércoles 19 de agosto, 16 hs.
Arte en palabras, Radio FM Palermo.
'La realidad ordinaria y la violencia'Conducido por Mónica Rizzi

Jueves 20 de agosto, 15-19.30 hs.
Jornada 'La realidad ordinaria y la violencia'Arte x Arte. Fundación Alfonso y Luz Castillo

Presentación de la Jornada a cargo de Claudia Chiappino por La Usina Cultural,
de los representantes de AIAP, de la Embajada de Austria y de la Fundación Alfonso y Luz Castillo.
'La realidad ordinaria y el cine de Michael Haneke'Alberto Caballero, integrante de AIAP

Mesa redonda: "Cuando la violencia se hace ordinaria"
Jorge Moquedze Mazalán, Mirta Vázquez e Irene Accarini, coordinada por Mónica Rizzi
Conclusiones: Alberto Caballero
Organizan: La Usina Cultura y AIAP.
Coordinación general: Claudia Chiappino
Contacto: lausinacultural@gmail.com

a la letra...

La mujer a la letra

El espacio, la letra y la escritura en las obras de Dora García, Annette Messager y Dominique Gonzalez-Foerster

Este escrito sobre 'El Espacio, la letra y la escritura', dedicado a tres artistas visuales, mujeres, una española y dos francesas, fue presentado por primera vez en ‘El Congreso Internacional de poesía experimental', entre el 28 y el 30 de agosto del 2008 organizado por Plataforma Centro MEC Montevideo Uruguay, con la curaduría de Clemente Padín. Ahora, en esta segunda presentación, he elaborado la relación entre los conceptos teóricos y las obras de las artistas: la necesidad de introducir el espacio, la letra y la escritura, en su modalidad perfomática, para dar cuenta de cómo la mujer se escribe a la letra. Estos elementos son los diferentes pasos que nos llevan de la realidad ordinaria, representada por la sucesión, la caída del sentido y la fragmentación, a la realidad virtual, representada por el aparato: de la imagen a lo visual.

artículos publicados en Escáner Cultural nº 117, 118, 119Columna de Alberto Caballerohttp://www.escaner.cl/

martes 18 de agosto, 19-21 hs.
La obra de Dora García, el espacio dit.mensionado a la letra
EMBA, Escuela Municipal de Bellas Artes, de Quilmes
Sarmiento 625 - 2º piso auditorio. Quilmes
Coordina: Prof. Gabriela Alonso

martes 25 de agosto, 14 hs-16 hs.
La obra de Annette Messager: la pérdida del objeto cosa y el paso al objeto letraAuditorio de la sede de la Facultad de Bellas Artes
Diagonal 78 nº 680, La Plata
Magister en Estética y Teoría de las Artes, Facultad de Bellas Artes
Universidad Nacional de la Plata
Directora: María de los Angeles de Rueda
Auspicio de la Cátedra de Historia de los Medios y del
Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano

martes 01 de septiembre, 19-21 hs.
La obra de Dominique Gonzalez-Foerster, las modalidades de la escrituraIUNA – Departamento de Artes Visuales, Prilidiano Pueyrredón
Posgrado en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica
Coordinadora: Prof. Nelda Ramos

a lo visual

la performance y sus límites II. la realidad se hace performática

2009-08-05T13:51:00.000+02:00

la perfomance y su registro fotográfico...

Retomando el comunicado anterior sobre los límites de la perfomance... he recibido la siguiente invitación:

JEAN LOUIS BLONDEAU
Del 2 de junio al 30 de junio de 2009
Galería de Arte LA AURORA
Murcia, España
www.galerialaaurora.com

La galería La Aurora, dentro del festival Punto y Aparte, inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de 40 años... 18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título "Bendita locura".

Esto me lleva a reflexionar sobre la manera en que se recoge la perfomance y qué limites tiene: como dice Ángel Pastor, 'los límites de la perfomance, la perfomance y sus límites'.

la performance como retrospectiva

Por ello, rescato de archivo 'una retrospectiva' sobre los Accionistas Vieneses: cada vez más recurre la idea de que son 'los padres del accionismo'..., lo que significa la construcción de un límite histórico del accionismo.

ACCIONISMO VIENÉS
BRUS, MUEH, NITSCH, SCHWARZKOGLER
Del 13 de marzo al 25 de mayo de 2008
CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presentó una extensa exposición sobre Gunter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, los cuatro artistas que crearon el grupo Accionismo Vienés que agitó la conservadora escena cultural y artística austriaca de los años sesenta del pasado siglo con propuestas performativas provocadoras y catárticas en las que el cuerpo se utilizaba como campo y materia de acción y manipulación. El objetivo de estos artistas era acercarse a través de diversas prácticas performativas a los impulsos reprimidos, los tabúes sexuales y los miedos ancestrales de la sociedad burguesa, recurriendo a una parafernalia escenográfica que aún sigue resultando molesta (más aun en un momento dominado por la ética y la estética de lo políticamente correcto). Esta muestra también incluye una selección de obras de otros autores -desde Marcel Duchamp hasta Franz West- procedentes de la Colección Hummel de Viena.

la perfomance y la publicidad...

¿Hasta donde, de aquí en adelante, es posible el lugar de la perfomance? El proyecto de Chus Burés para África Sostenible se presenta con una perfomance, 'Acqua Avis'. De la política y la historia/ a la tecnología de la imagen/ a la empresa y un mundo sostenible.

CHUS BURÉS H2O FOR AFRICA
25 de mayo, con motivo del Día mundial de África
Ivorypress Art + Books
Madrid, España

Coincidiendo con el Día Mundial de África, el diseñador Chus Burés presenta su proyecto solidario "Chus Burés h2o for Africa": el diseño y la creatividad trabajando a favor de la solidaridad.
Presentación del proyecto: conferencia de prensa + PERFORMANCE DE ACQUA AVIS

"El solo de danza "Acqua Avis" alude a una presencia paradigmática, esencial, representada por el bailarín alado que trae el agua como mensaje..." (Roger Salas)

la perfomance y su trasmisión

Los talleres: si la perfomance ha salido de la academia (los accionistas vieneses), ¿cómo retoma su trasmisión? Sería una cuestion a pensar... la proliferación de talleres impartidos por los propios artistas o teóricos.

TALLER DE PERFORMANCE CON LOS TORREZNOS
JaimeVallaure - Rafael Lamata
Del 22 al 26 de junio de 2009
CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo
Madrid, España

En este taller se pretende explorar el territorio expresivo de la acción, de la performance, ligado fundamentalmente al cuerpo y su presencia; esta exploración se realizará desde los criterios principales que se manejan en los trabajos torreznos: Insistencia. Energía. Repetición. Presencia física. Humor. Sencillez de recursos. Constricción y Reto. Estos elementos servirán para investigar y entrenar de manera práctica los recursos expresivos de las personas participantes. En todo caso, se trata de una experiencia para ponerse en juego y desarrollar las posibilidades de uso de la propia presencia como herramienta de reflexión y de comunicación con el mundo. No se requiere ningún tipo de formación artística ni performativa.

MEDIO 09
3 de julio de 2009
Área de Arte y Diseño de la
Universidad Europea de Madrid
Ateneo de Madrid

Desde la Universidad Europea de Madrid con el objetivo de visibilizar proyectos de artistas en proceso de profesionalización se realiza por tercer año consecutivo la edición de MEDIO. Como en su edición anterior los proyectos artísticos están realizados en colaboración entre cuatro poetas invitados y alumnos de Escultura del 2º ciclo de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid.
Leticia Navascués. Sandra Santana: Tiempos Líquidos. Vídeo proyección, 10 min.
Partiendo de conceptos desarrollados por Sandra Santana en su trabajo poético, Leticia Navascués elige trabajar sobre la anulación de la voluntad, la unidireccionalidad y el tiempo. La artista presenta grabaciones de una secuencia en la que sumerge la cabeza de la poeta en ocho recipientes, contenedores de líquidos cargados de simbolismo, dispuestos a modo de organismo. Al mismo tiempo, lee aleatoriamente fragmentos de un texto de San Agustín, extendido sobre la mesa, que la poeta repite, inmersa en los fluidos.

la performance como acontecimiento

Todo pequeño o gran evento que se precie ¿debe contar con una performance...?

Instalación/ Performance de Pistoletto
en la 53º Bienal de Venecia, Fare Mondi
junio-noviembre de 2009

En la 53º edición de la Bienal de Venecia, Fare Mondi, Michelangelo Pistoletto, en Seventeen Less One presenta una instalación/performance con 17 grandes espejos dispuestos en círculos, símbolos que exceden todo lo terrenal humano.

Performance en la exposición de Ugo Rondinone
a cargo de John Giorno
11 de julio de 2009
MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
www.musac.es

En el XIII Período expositivo que se inaugura el sábado 11 de julio, se retoma el concepto performativo dentro de la exposición de Ugo Rondinone La Noche de Plomo.
El célebre poeta americano John Giorno desarrollará una lectura poética acorde con el concepto curatorial de la muestra en la sala 5 de MUSAC, en la que se instalará la obra de Ugo Rondinone titulada John's fire place, la reproducción de la chimenea del hogar del poeta.

Inn Motion. Grec2009
CCCB, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Del 1 al 4 de julio de 2009
Barcelona, España

En esta Bienal Internacional de Performance y Artes Visuales aplicadas se ha querido mostrar un marcado sesgo reflexivo y crítico. Así, encontramos ideas para reducir el efecto de la plusvalía en la relación trabajador-empresa y juegos electrónicos para conocer la naturaleza de anteriores crisis económicas en España. Asimismo, se presentan propuestas para orientar a los espectadores sobre cómo sobrevivir a las multinacionales. El espectáculo central del día era una performance sobre la crisis creativa de los artistas.

la institución patrocina la performance

Ahora es la institución la que llama a los artistas, a los curadores, a la performance como modo de mostrarnos una nueva realidad. ¿Se tratará de una realidad performática o es sencillamente que la conjunción performance y nuevas tecnologías ha hecho virtual la realidad?

el Arte es Acción
II Encuentro Internacional
Del 2 al 4 de julio de 2009
Ministerio de Cultura
Teatro Valle-Inclán. Centro Dramático Nacional
Madrid, España
Comisario: Marcel·lí Antúnez Roca

Tras el interés que despertó el I Encuentro Internacional celebrado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2008, el Ministerio de Cultura ha querido continuar esta iniciativa cuyo objetivo es fomentar el desarrollo de las nuevas disciplinas artísticas

En esta segunda edición se puede ver el trabajo de siete performers del panorama internacional, que desarrollaron su arte a lo largo de los años noventa causando polémica y debate, y que se mantienen todos ellos en plena actividad creativa. Además de sus acciones en el escenario, o fuera de él, se han programado encuentros en los que el público podrá debatir abiertamente con los artistas, y proyecciones de los mejores trabajos de los performers invitados.

Jean Louis Blondeau

2009-06-05T16:59:00.000+02:00

Jean Louis Blondeau
"Man on Wire"
El 7 de agosto de 1.974 pudo verse en Nueva York un espectáculo memorable. Un joven francés llamado Philippe Petit, ayudado por sus más próximos colaboradores y amigos, había tendido un cable entre las Torres Gemelas para, a más de 400 m. de altura, cruzarlo haciendo ejercicios de funambulismo.

Este acto, calificado como el crimen artístico del siglo XX, dio la vuelta al mundo. Pero ¿qué motivó a Petit y a sus colaboradores a realizar esta aparente locura? La respuesta a esta pregunta tiene que ver más con la actitud ante la vida de cada uno. Ese día de 1.974, al levantar la vista en la ciudad más importante del mundo, se pudo contemplar en su cielo la respuesta a todos los sueños.

Para algunos fue una locura, un riesgo, un sin sentido. Para otros fue una obra de arte, una llamada de atención, un acto salvaje, chocante, fuera de lugar y terriblemente sentimental. Para sus autores, fue la culminación de un sueño. Uno por el que merecía la pena vivir y luchar y tal vez, si hubiera sido necesario, morir. Para Petit, aún hoy apasionado con su experiencia, la vida no tiene sentido si no se vive para alcanzar los sueños. O mejor aún, el único sentido de la vida es alcanzarlos.

La película Man on Wire, dirigida por James Marsh, y ganadora de un Oscar al mejor largometraje, narra la historia de Petit y sus colaboradores, pero no va sólo de un hombre que camina por un cable. Man on Wire, aunque suene exagerado, habla del sentido de la vida. De intentar dejar una huella no ya tanto en los demás, sino en uno mismo. De alcanzar una plenitud personal aunque sea arriesgándolo todo. Y como dice Petit, de vivir cada día como un desafío. De vivir cada día en la cuerda floja y saber que el riesgo merece la pena.
La galería La Aurora, dentro del festival Punto y Aparte, inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de 40 años...

18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título "Bendita locura".

Desgraciadamente, durante la producción de la película y la promoción de la misma, la relación entre Philippe Petit y Jean Louis Blondeau se rompió para siempre, el cable, de acero, que sustentaba su relación y complicidad, y que fue testigo de un encuentro memorable, se quebró lanzando su amistad al abismo.

Imagen: Jean Louis Blondeau. Steel Cradle. Catedral de Notre Dame de París, 26 de junio de 1971

JEAN LOUIS BLONDEAU

Del 2 de junio al 30 de junio de 2009
Inauguración: 2 de junio a las 21 horas

Galería de Arte LA AURORA
Plaza de la Aurora nº 7
30001 Murcia

968 23 48 65
968 24 41 52
www.galerialaaurora.com
josefermin@galerialaaurora.com

exposiciones y comisariado

2009-05-21T11:57:00.005+02:00

parte V

La performance hoy: exposiciones

Este último verano ha sido muy productivo en exposiciones, retrospectivas, instalaciones de artistas de interés para nuestra investigación, primero haré una lista de las mismas y luego presentaré cada uno de los trabajos propuestos, comenzaremos con:

Juan Hidalgo / Desde Ayacata

Sala Norte - ARTIUM

27 de marzo hasta 29 de agosto de 2010

http://www.artium.org/

Àngels Margarit-Cía. Mudances

Solo para habitación de hotel

Hotel Meridian Barcelona #712

25, 26, 28 y 29 de agosto de 2010

http://www.margarit-mudances.com/

Eulália Valldosera / Dependencia Mutua

Galería Joan Prats

18 de mayo al 26 de junio de 2010

http://www.galeriajoanprats.com/

A petición de la artista, una mujer de la limpieza de origen

ucraniano se dispone a limpiar una estatua del emperador

romano Claudio. A media que ella toca y limpia la figura

masculina en postura de dominio, la mujer desafía las

dimensiones intangibles y oscuras de símbolos de poder.

Bill Viola / Obras Figurativas

Museo Picasso Málaga

28 de junio al 12 de septiembre 2010

www.museopicassomalaga.org

Dora Garcia / I am a Judge

Kunsthalle Bern

21 de agosto al 10 de octubre 2010

www.kunsthalle-bern.ch

Chantal Michel / Miel, lait et premières violettes

Installation vidéo, couleur, son

Kunst Museum Bern

1h 30min en boucle

Desde 7 mayo al 5 septiembre 2010

Curator: Kathleen Bühler

http://www.kunstmuseumbern.ch/

Con una cierta distancia
el recorrido ha sido fructífero...

Para terminar nos vamos a Berna, Suiza para ver dos estupendas instalaciones de Dora García, artista castellana que seguimos sus pasos desde el 2001 cuando nos visitó en el Macba de Barcelona.

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el arte de acción IV

Instalar lo real: la función del comisario

Fundació Antoni Tàpie

Alma Matrix

Bracha L. Ettinger

14 de mayo- 1 de agosto de 2010

Comissària: Catherine de Zegher

www.fundaciotapies.org

martes a domingo de 10 a 20

En relación a esta exposición se ha realizado el seminario:

EL ARTE PROCESUAL Y EL OBJETO:

LA REPETICIÓN, LO EFÍMERO

25 y 26 de mayo de 2010

"Finished and Unfinished, from Studio Work to Art Criticism" (Acabadas e inacabadas: de las obras de estudio a la crítica de arte), conferencia a cargo de Elisabeth Lebovici.
"L'éphèmere et le nouveau statut de l'art" (Lo efímero y el nuevo estatuto del arte), conferencia a cargo de Christine Buci-Glucksmann.
"Coser con un hilo invisible. Correspondencias de/entre Bracha Ettinger, Eva Hesse y Ria Verhaeghe con algunas artistas españolas", conferencia a cargo de Patricia Mayayo.
"La imatge ferida" (La imagen herida), conferencia a cargo de Maria-Josep Balsach.

Juan Hidalgo

Desde Ayacata Juan Hidalgo 1997-2009

Acciones fotográficas, objetos y ambientes

comisario: Carlos Astiàrriaga Artium, Vitoria

marzo-agosto 2010-06-04

www.artium.org

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el arte de acción III

La performance hoy

como retrospectiva I

Reseña de Marina Abramovic

The artists is present

MOMA de Nueva York

marzo-mayo 2010-06-04

Marina Abramovic. Portrait with Flowers, 2009

Descargar programa de eventos

como retrospectiva II

Juan Hidalgo
Desde ayacata

Juan Hidalgo 1997-2009

Acciones fotográficas, objetos y ambientes

Artium, Vitoria
Marzo-agosto 2010-06-04

http://www.artium.org/

como feria de arte

ARCOMADRID2010-06-04

Performing ARCOMira Bernabeu, Santiago Sierra, Fabien Giraud-Raphaël Siboni, SUSO33, Carlos Llavata

"Simulacro" Carlos Llavata

como festival

Interakcje

Piotrków

Polonia 2010

Curadores: Malgorzata Butterwick, Ángel Pastor
Tema: Art as a sinthome

John Cage Del signo (musical) a la letra

Jacques Lacan con John Cage

Descargar textos de los curadores en pdf

como encuentro

Epipiderme7

Encontros à volta de performance

Lisboa, Portugal

mayo 2010
Performance: Marcos Vinícius, Aisa Boaa, Adina Bar-On, Gilberto Gaspar

Videoperformance: Lezli Rubin-Kunda (Video)

Workshop de performance: Con Adina Bar-On Personality in real time and space.

como taller

Workshop-Clínica de performance

Pensar para deixar de pensar e agir

Oficina epipiderme

Rocío Boliver, La congelada de uva

Marzo 2010, Lisboa Portugal

La performance en los medios

Eurovisión Festival de la canción 2010

Daniel Diges con la canción 'Algo pequeñito'

representa a España. Oslo,

29 de mayo de 2010

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el arte de acción II

la performance y sus límites II: la realidad se hace performática

la perfomance y su registro fotográfico...

Retomando el comunicado anterior sobre los límites de la perfomance... he recibido la siguiente invitación:

JEAN LOUIS BLONDEAU
Del 2 de junio al 30 de junio de 2009
Galería de Arte LA AURORA
Murcia, España
www.galerialaaurora.com

La galería La Aurora, dentro del festival Punto y Aparte, inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de 40 años... 18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título "Bendita locura".

Esto me lleva a reflexionar sobre la manera en que se recoge la perfomance y qué limites tiene: como dice Ángel Pastor, 'los límites de la perfomance, la perfomance y sus límites'.

la performance como retrospectiva

Por ello, rescato de archivo 'una retrospectiva' sobre los Accionistas Vieneses: cada vez más recurre la idea de que son 'los padres del accionismo'..., lo que significa la construcción de un límite histórico del accionismo.

ACCIONISMO VIENÉS
BRUS, MUEH, NITSCH, SCHWARZKOGLER
Del 13 de marzo al 25 de mayo de 2008
CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presentó una extensa exposición sobre Gunter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, los cuatro artistas que crearon el grupo Accionismo Vienés que agitó la conservadora escena cultural y artística austriaca de los años sesenta del pasado siglo con propuestas performativas provocadoras y catárticas en las que el cuerpo se utilizaba como campo y materia de acción y manipulación. El objetivo de estos artistas era acercarse a través de diversas prácticas performativas a los impulsos reprimidos, los tabúes sexuales y los miedos ancestrales de la sociedad burguesa, recurriendo a una parafernalia escenográfica que aún sigue resultando molesta (más aun en un momento dominado por la ética y la estética de lo políticamente correcto). Esta muestra también incluye una selección de obras de otros autores -desde Marcel Duchamp hasta Franz West- procedentes de la Colección Hummel de Viena.

la perfomance y la publicidad...

¿Hasta donde, de aquí en adelante, es posible el lugar de la perfomance? El proyecto de Chus Burés para África Sostenible se presenta con una perfomance, 'Acqua Avis'. De la política y la historia/ a la tecnología de la imagen/ a la empresa y un mundo sostenible.

CHUS BURÉS H2O FOR AFRICA
25 de mayo, con motivo del Día mundial de África
Ivorypress Art + Books
Madrid, España

Coincidiendo con el Día Mundial de África, el diseñador Chus Burés presenta su proyecto solidario "Chus Burés h2o for Africa": el diseño y la creatividad trabajando a favor de la solidaridad.
Presentación del proyecto: conferencia de prensa + PERFORMANCE DE ACQUA AVIS

"El solo de danza "Acqua Avis" alude a una presencia paradigmática, esencial, representada por el bailarín alado que trae el agua como mensaje..." (Roger Salas)

la perfomance y su trasmisión

Los talleres: si la perfomance ha salido de la academia (los accionistas vieneses), ¿cómo retoma su trasmisión? Sería una cuestion a pensar... la proliferación de talleres impartidos por los propios artistas o teóricos.

TALLER DE PERFORMANCE CON LOS TORREZNOS
JaimeVallaure - Rafael Lamata
Del 22 al 26 de junio de 2009
CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo
Madrid, España

En este taller se pretende explorar el territorio expresivo de la acción, de la performance, ligado fundamentalmente al cuerpo y su presencia; esta exploración se realizará desde los criterios principales que se manejan en los trabajos torreznos: Insistencia. Energía. Repetición. Presencia física. Humor. Sencillez de recursos. Constricción y Reto. Estos elementos servirán para investigar y entrenar de manera práctica los recursos expresivos de las personas participantes. En todo caso, se trata de una experiencia para ponerse en juego y desarrollar las posibilidades de uso de la propia presencia como herramienta de reflexión y de comunicación con el mundo. No se requiere ningún tipo de formación artística ni performativa.

MEDIO 09
3 de julio de 2009
Área de Arte y Diseño de la
Universidad Europea de Madrid
Ateneo de Madrid

Desde la Universidad Europea de Madrid con el objetivo de visibilizar proyectos de artistas en proceso de profesionalización se realiza por tercer año consecutivo la edición de MEDIO. Como en su edición anterior los proyectos artísticos están realizados en colaboración entre cuatro poetas invitados y alumnos de Escultura del 2º ciclo de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid.

Leticia Navascués. Sandra Santana: Tiempos Líquidos. Vídeo proyección, 10 min.

Partiendo de conceptos desarrollados por Sandra Santana en su trabajo poético, Leticia Navascués elige trabajar sobre la anulación de la voluntad, la unidireccionalidad y el tiempo. La artista presenta grabaciones de una secuencia en la que sumerge la cabeza de la poeta en ocho recipientes, contenedores de líquidos cargados de simbolismo, dispuestos a modo de organismo. Al mismo tiempo, lee aleatoriamente fragmentos de un texto de San Agustín, extendido sobre la mesa, que la poeta repite, inmersa en los fluidos.

la performance como acontecimiento

Todo pequeño o gran evento que se precie ¿debe contar con una performance...?

Instalación/ Performance de Pistoletto
en la 53º Bienal de Venecia, Fare Mondi
junio-noviembre de 2009

En la 53º edición de la Bienal de Venecia, Fare Mondi, Michelangelo Pistoletto, en Seventeen Less One presenta una instalación/performance con 17 grandes espejos dispuestos en círculos, símbolos que exceden todo lo terrenal humano.

Performance en la exposición de Ugo Rondinone
a cargo de John Giorno
11 de julio de 2009
MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
www.musac.es

En el XIII Período expositivo que se inaugura el sábado 11 de julio, se retoma el concepto performativo dentro de la exposición de Ugo Rondinone La Noche de Plomo.

El célebre poeta americano John Giorno desarrollará una lectura poética acorde con el concepto curatorial de la muestra en la sala 5 de MUSAC, en la que se instalará la obra de Ugo Rondinone titulada John's fire place, la reproducción de la chimenea del hogar del poeta.

Inn Motion. Grec2009
CCCB, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Del 1 al 4 de julio de 2009
Barcelona, España

En esta Bienal Internacional de Performance y Artes Visuales aplicadas se ha querido mostrar un marcado sesgo reflexivo y crítico. Así, encontramos ideas para reducir el efecto de la plusvalía en la relación trabajador-empresa y juegos electrónicos para conocer la naturaleza de anteriores crisis económicas en España. Asimismo, se presentan propuestas para orientar a los espectadores sobre cómo sobrevivir a las multinacionales. El espectáculo central del día era una performance sobre la crisis creativa de los artistas.

la institución patrocina la performance

Ahora es la institución la que llama a los artistas, a los curadores, a la performance como modo de mostrarnos una nueva realidad. ¿Se tratará de una realidad performática o es sencillamente que la conjunción performance y nuevas tecnologías ha hecho virtual la realidad?

el Arte es Acción
II Encuentro Internacional
Del 2 al 4 de julio de 2009
Ministerio de Cultura
Teatro Valle-Inclán. Centro Dramático Nacional
Madrid, España
Comisario: Marcel·lí Antúnez Roca

Tras el interés que despertó el I Encuentro Internacional celebrado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2008, el Ministerio de Cultura ha querido continuar esta iniciativa cuyo objetivo es fomentar el desarrollo de las nuevas disciplinas artísticas

En esta segunda edición se puede ver el trabajo de siete performers del panorama internacional, que desarrollaron su arte a lo largo de los años noventa causando polémica y debate, y que se mantienen todos ellos en plena actividad creativa. Además de sus acciones en el escenario, o fuera de él, se han programado encuentros en los que el público podrá debatir abiertamente con los artistas, y proyecciones de los mejores trabajos de los performers invitados.

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el arte de acción I

Los límites de la perfomance

Pasodoble, performance de Miquel Barceló y Joseph Nadj
8 de mayo, Teatre Lliure, Barcelona

En el escenario del Lliure "(...) aparecen Barceló y Najd, trajeados, con aspecto de personajes becketianos o enterradores. Poco a poco se van manchando de lo lindo, primero los zapatos, luego, al arrodillarse o presionar contra el muro, todo el traje. A los 20 minutos ya están hechos unos zorros. Toman azadas y mazos y golpean la pasta ocre produciendo un golpeteo húmedo, como de palmetazo en las nalgas. Barceló salta contra la pared, dibuja líneas. Trepa, crea figuras; lanza bolas, desmocha, perfora. Trabaja más ensimismado que Nadj. El espectáculo, la ceremonia, va in crescendo. Barceló y Najd se encasquetan vasijas de cerámica fresca en las cabezas y las moldean hasta componer máscaras asombrosas, un embarrado bestiario. El estupor va deviniendo angustia y cuando Barceló convierte a Nadj en escultura viva, minotauro picassiano, y lo incrusta en el muro con maneras de sacrificador -le clava dos espátulas como banderillas-, en medio de una música ominosa, la escena se hace sobrecogedora. Un acto de destrucción y creación, que Barceló remata asperjando pintura blanca con una manguera. Él y Najd acaban dejándose tragar por el muro con un ruido de succión. En menos de una hora hemos viajado al otro lado de la realidad, el mundo de los sueños y las cosmogonías." Jacinto Antón, El País, 9/05/09

La action painting fue inventada por Jackson Pollock en los años sesenta, y retomada por algunos de los expresionistas americanos para poner la 'materia en acción'. No es la primacía de la materia, el caso de Tàpies, sino el artista puesto en acción por la materia, cosa que ya habían hecho los Accionistas Vieneses en los años cincuenta.

cine & performance

2009-04-29T14:54:00.027+02:00

IV Parte

De la inversión de la pantalla
Peter Greenaway, de la imagen al cálculo

Toda la teoría de la representación se trata de una proyección, proyectar una imagen propia del artista sobre la materia del papel, de la tela, de la madera, de la piedra, etc. Como el objeto/cosa mira al artista, como la mirada/objeto se construye bajo la mirada del sujeto/artista, que la proyecta sobre la materia y la hace imagen, la imagen es una construcción entre el objeto/cosa y la mirada/objeto. Es el cine de Peter Greenaway que me ha llevado a revisar esta cuestión fundamental: como la imagen se hace escritura, nos lleva a recordar que se trataba de la escritura de una imagen. Tres obras (dos películas y una instalación) son centrales en el repertorio de Greenaway: The Draughtsman's Contract, Pilow Book, y The Stairs, Munich Projection. Con estas obras veremos la maestría de PG en la manipulación de ‘la pantalla’, no solo como dibujante, como regista, sino como instalador de ‘la luz’.

1. La pantalla como aparato. La teoría de la representación, la imagen es el objeto, la mirada del Otro, Durero. The Draughtsman's Contract de Peter Greenaway

No solo se trata de inventar nuevas leyes, como la de la perspectiva, sino de un nuevo concepto teórico, ‘la representación’, no se trata solo de dimensionar el espacio sino también el cuerpo. El espacio y el cuerpo van juntos en esta nueva construcción, ya no se trata de su naturaleza, de su relación con la naturaleza, se trata de todo un nuevo aparato geométrico para su representación. En el renacimiento esto cambia, la medida es el hombre, el hombre dará medida al cuerpo y al espacio, le dará medida geométrica, le dará medida técnica, la naturaleza cae definitivamente bajo el dominio de la técnica. Tanto la naturaleza del cuerpo humano como la del espacio, se representan, el nuevo aparato ideológico es el humanismo, como medida de todas las cosas. Y para ello se inventa ‘una pantalla’ geométrica para medirlo todo: las distancias, la luz, el color, el tratamiento de la materia, todo se realizará a través de dicha pantalla.

De aquí en adelante tenemos dos posiciones fundamentales, en este aparato constructor, por un lado el artista, el artista es el que mira, se coloca del lado de la mirada, y el/la modelo se coloca como objeto que es mirado. El humanismo ha permitido colocarse en los dos lugares, de mirar y de ser mirado, de sujeto que representa y de objeto que es representado. Por otro lado, en la medida que el aparato de representación adquiere valor simbólico, porque se dimensiona, se puede medir, se puede representar, antes de su realización matérica, es la primera vez que consta el nombre del artista y del modelo representado. Leonardo de Vinci y La Gioconda, lo humano abarca al sujeto y al objeto, y es la pantalla que determina su posición, el lugar que ocupan frente a la pantalla. La pantalla no solo es un aparato técnico, imaginario, sino es un aparato nominativo, simbólico.

Lutero, Gutemberg, Durero.

Así como Lutero significo un cambio fundamental en la representación, en tanto representante, el hombre ya no es representación de lo divino, a su imagen y semejanza, sino se representa a si mismo, es un lector de dicha imagen, la lee para decirla a otros, han caído los representantes de la iglesia, todos pueden leer, todos pueden ser representantes, todos pueden representar, la representación se ha humanizado. Con Gutemberg esto se multiplica, ya no se trata de las escrituras que se rescribían, bajo el control de la iglesia, que había hecho lo mismo con la imagen, sino con la reproducción mecánica pueden llegar a las manos de muchos. No se trata de un mural, de un suelo, de una bóveda, de un tapiz, de una representación una, única, sino de una reproducción en papel de cantidades determinadas por el artista o por el mercado. La obra de arte ya no se realiza por encargo del señor al artista, sino es un encargo del artista a la imprenta para su venta en el mercado, nace el mercado del arte, las copian serán firmadas y numeradas, aparecen las falsificaciones. Ahora la firma del artista se transforma en una marca, la marca del artista. Así como el nombre del artista era un agujero en la representación, la marca será un agujero en la reproducción, lo imaginario tiene un agujero simbólico, no toda reproducción tiene valor simbólico y por lo tanto el mismo valor en el mercado.

Durero atraviesa estas tres cuestiones, de manera singular, así como los artistas italianos realizan la gran revolución del humanismo, pero sin despegarse del mundo cristiano, Durero representa ese despegue para el mundo germánico, y más adelante para el mundo protestante, la libertad de leer y de reproducir la imagen del otro, quien sea este, sin estar mediada por los representantes, ni de la monarquías reinantes ni de la iglesia. Además se anticipa de manera premonitoria al surgimiento del mercado del arte, y su control, frente a artistas de la talla de Vermeer, que todavía sostienen siglos más tarde, la obra de arte única por encargo. Por un lado pertenece al mundo antiguo, se forma como aprendiz de orfebre en el taller de su padre, por otro está seriamente preocupado por este nuevo aparato de representación –la perspectiva- que viene de Italia, lo que lo lleva a escribir una serie de libros muy importantes para la trasmisión de la teoría y de la técnica de las que se ocupa.

Peter Greeneway.

Tenemos a un Greenaway que se forma como dibujante, como Durero, es un gran dibujante lo demuestra en cada una de sus intervenciones, que domina la pantalla de la representación, pero, va más allá, la representación no le es suficiente, lo vemos en cada una de sus películas, el renacimiento tardío, el barroco, el manierismo, el neoclacismo, es un estudioso de cada uno de estos momento históricos. Pero ya en el límite de las artes visuales, del video, de la instalación, y del arte de la acción, se va desprendiendo de toda representación, y surge la investigación sobre el aparato mismo de la imagen, desde la perspectiva al dígito, de la imagen a la data, la información. Pasa de la pantalla papel, a la pantalla cine, a la pantalla digital de las computadoras, no importa el material que trate, el paisaje, la escena, el cuerpo, una sala de exposiciones o una ciudad, las manipulará bajo el aparato que crea conveniente, pero ante todo hará los cálculos, las dimensiones, las operaciones necesarias para que esta manipulación adquiera valor de obra de arte. Greenaway es un calculador de la obra de arte, lleva el cálculo al nivel de obra de arte.

The Draughtsman's Contract
Interpretada por David Gant,
Joss Buckley, Mike Carter,

Vivienne Chander, Suzan Crowley

Gran Bretaña. 1982

banda sonora de Michael Nyman
vestuario de Sue Blane.
Fotografía de Curtis Clarck

Más allá del argumento...de la relación entre los personajes y el objetivo final, más allá de la figura fantasmática qur ronda toda la película, se trata de una película sobre la pantalla, sobre ese aparato de medir, de calcular, de proporcinar la imagen. La imagen -paisaje, edificios, personajes, etc- no es tal sino esta controlada por el aparato de la pantalla. La real protagonista es la pantalla. Pero si fuera una película 'clasica' sabemos que la pantalla controla todo (La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock) pero no se ve, está oculta como todo aparato, pero en el cine de Greenway la protagonista es la pantalla, esta en primer plano, es através de la cual podemos observar las escenas, y vemos como las escenas estan controladas por la pantalla: lo que se ve y lo que no se ve, y como se ve.

2. El cuerpo como pantalla, la presentación, la escritura, del objeto a la letra. La letra-imagen para mirar –el goce de la mirada- y para ser leída. Pilow Book de Peter Greenaway.

Pilow Book

Peter Greenaway

Música Brian Eno

Fotografía Sacha Vierny

Reparto Vivian Wu Ewan McGregor

Yoshi Oida Ken Ogata

País(es) Reino Unido, Francia,

Países Bajos, Luxemburgo
Año 1996 , 123 minutos

El libro de la almohada,

de Sei Shonagon, año 990

Adriana Hidalgo Editoria

"Estoy convencida de que hay dos cosas en la vida que son
fundamentales: las delicias de la carne y la delicias de la literatura.
Yo he tenido la suerte de disfrutar de las dos por igual.”

Será un recorrido sobre el goce, el goce sexual y el goce de la escritura. ¿No se trata de las dos caras del mismo goce? Así como en El contrato de un dibujante se trata del goce sexual, cada vez que entrega un dibujo la señora debe acceder a ser goce del artista, ese es el contrato, pero también del goce de objeto, la mirada. Se mira para develar un misterio, pero también se mira para velar lo que se revela, la mirada a través del ideal de la representación vela el misterio, ya que el misterio oculta ‘el horror’, el horror de una verdad que debe ser ocultada. Aquí se trata del goce a la letra ¿Habría un goce particular a la letra? ¿Se trataría particularmente de un goce femenino, de ser gozada y de gozar a la letra? En ‘El contrato…’ se trata de una representación de este goce, como goza la mujer cuando el amo no está, o mejor dicho como goza con este nuevo amo, el objeto de la mirada, cuando es mirada, cuando la mirada revela su goce, su goce otro más allá del poder del amo. En Pilow Book, no es así, no se trata del goce de la representación sino del goce a la letra, ya que hay una relación muy estrecha entre cuerpo y letra, entre pantalla y letra. Nos hemos desprendido de la representación pero también del cuerpo como representación, ambos han caído bajo el dominio de la letra y de la escritura. Que es lo mismo que decir que es la caída del significante y del objeto, ahora la letra es el soporte material del significante y por otro lado contiene la imagen en tanto ausente, vaciada de representación. El significante representa a la imagen, la letra no, ocupa el lugar vacío de la representación.

¿La letra puede gozar del cuerpo? Si, claro, la letra está inscrita en el cuerpo, goza del cuerpo en tanto vaciado de representación y por lo tanto de imagen. Aquí, en Pilow Book, no se trata de usar al cuerpo como representación, como imagen idealizada, sino de usarlo como pantalla para su escritura a la letra, descarnado, desprovisto de su corporeidad, es una superficie para la escritura. Ella, la protagonista, ya no es gozada por el Otro, ya no goza del cuerpo del otro, sin goza de escribir sobre el cuerpo del otro como superficie, para ser transcrita y reescrita, de la superficie del cuerpo a la superficie del papel. Son una serie de operaciones para hacer al cuerpo superficie, para reducirlo en dos dimensiones. Las dimensiones de la pantalla.

3. La pantalla como objeto, el vacío, vaciar de imágenes la pantalla, la pantalla ya no representa, la pantalla recorta, se dibuja en la ciudad. La pantalla informa, el número. La realidad se hace digital. The Stairs, Munich Projection Peter Greenaway.

The Stairs, Munich Projection

Instalación

Munich, Alemania, 1995

por Peter Greenaway,
Elisabeth Schweeger

Editor Merrell Holberton

London, 1995

Proyectar, proyección de la luz, vaciar la pantalla

La pantalla como operador de la representación, como herramienta para construir la representación, ha quedado vacía de dicha representación, se ha transformado en objeto en si misma, ya no es un intermediario entre la mirada de Uno y la mirada del otro, es mirada. Se destaca como tal en ‘El contrato…’, no queda claro si lo importante es el paisaje a representar, o la pantalla que lo construirá, de la misma manera no queda claro si lo importante es que revele el misterio de dicha representación, o la angustia ante la falta de representación. La pantalla vacía de la representación que la representa, deambula por el mundo sin rumbo fijo, sin soporte fijo. Ya no se trata del movimiento que se produzca en la pantalla, sino del desplazamiento de la pantalla misma.

De aquí derivan dos cuestiones importantes, la materialidad de la pantalla y la narrativa que esta produce bajo el efecto de la representación. La pantalla en tanto operador lo que busca es la materialidad de la representación, la consistencia de la imagen (en los work process de Durero esto se ve muy claro), la pantalla ordena dicha representación pero es el artista que le da consistencia a la imagen, acabada o no. Así lo imaginario adquiere poder, el poder de la imagen, frente a la significación simbólica y lo imposible dado por lo real. Lo imaginario hace representable lo real, y virtualiza a lo simbólico, sin lo imaginario lo simbólico sería mera información, que es a donde llegaremos, que la imagen se hace solo información, bajo el poder de lo simbólico.

Greenaway lo que pretende es vaciar la formulación, proporción/desproporción, forma/desforma, que ha ocupado quinientos años de arte y de cultura para Europa, ya no se trata de estudiar la materialidad de la imagen, sino su inmaterialidad, usará la pantalla para vaciar la materialidad de la imagen, e introducir su inmaterialidad, o también podemos decir su materialidad lumínica.

Así como vacía la pantalla de su representación, también la vacía de sus narraciones, la pantalla nada narra, nada amarra. Una es una mera sucesión de la otra, implica un recorrido sucesivo, no hace serie, no hace significación, no dice nada. Es así como este vaciamiento de la imagen, calculada, medida, meditada, le lleva al número, ese último reducto de la letra, de la letra sin significación alguna, solo una sucesión sobre pantallas vacías, pantallas luz. Si el cine es una pantalla luz sobre la que se proyecta una historia, ahora es la pantalla misma, vacía de historias, que nos permite recorrer una ciudad llena de historias. Si el cine es llevar el afuera al adentro, a la pantalla de la sala, donde el espectador mira lo que sucedió afuera, Greenaway transporta la pantalla al afuera, el transeúnte se deja llevar por una sucesión de pantallas, de luz, sin que le cuenten historia alguna. Así como quinientos años de historia de la perspectiva significaron quinientos años de narraciones, ahora se trata del vaciamiento de la narración, el resto, lo que queda como resto, es la pantalla misma.

Alberto Caballero, Barcelona Julio 2011

acaballero@geifco.org

http://a-caballero.blogspot.com

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III Parte

	Man on Wire Dirección: James Marsh. Países: Reino Unido y USA. Año: 2008. Duración: 94 minutos. Género: Documental. "Es una película ganadora del Oscar al mejor documental largo. La película trata sobre el paseo que Philippe Petit realizó en 1974 entre la Torres gemelas de Nueva York y está basada en el libro de Petit, "To Reach the Clouds" La película presenta momentos de la preparación del evento y muestra fotografías del paseo, así como la reconstrucción de los hechos (con el actor Paul McGill en el papel de Petit) y entrevistas actuales a los participantes".
	Exit Through the Gift Shop Director: Bansky. País: EE.UU. / Gran Bretaña. Año: 2009. Duración: 87 minutos. Género: Documental. "Banksy es el nombre de guerra con el que se conoce al más prolífico artista guerrillero de todos los tiempos. Su identidad es posiblemente el secreto mejor guardado del arte británico. Sus aclamadas obras decoran calles desde Nueva Orleans hasta el muro de Cisjordania. Exit Through the Gift Shop es la historia de Thierry Guetta, un excéntrico comerciante francés afincado en Los Ángeles, aficionado a grabar todo lo que ocurre a su alrededor. Un día decide ponerse tras la cámara para realizar una película sobre el arte urbano y algunos de los más célebres artistas del street art, entre los que además de Banksy se encuentran artistas como Space Invader o Shephard Fairey. En medio de la grabación, Banksy decide darle la vuelta a la cámara y grabar a Guetta, quien se adentra en el fascinante mundo del arte urbano con el alias de Mr. Brainwash".
	14 días con Víctor Director: Román Parrado. País: España. Año: 2010. Duración: 85 minutos. Género: Drama. "Año 1995. Víctor es un enigmático joven que lucha por sobrevivir en Londres. Un encuentro casual le lleva hasta Martin y Anna, dos artistas que comparten el mismo estudio y el mismo momento vital. Martín quiere relanzar su carrera y, al mismo tiempo, vive pendiente de su hermano, que fue una estrella del boxeo y quiere regresar a los cuadriláteros. Anna está perdiendo a su padre por culpa de una larga enfermedad, físicamente devastadora. Víctor entra como un soplo de aire fresco en el estudio de estos dos artistas. Las obsesiones de unos y la juventud del otro se mezclarán en un explosivo cóctel de consecuencias imprevisibles y dolorosas".
	El Falso Orgasmo Dirección y Guión: Jo Sol. País: España. Año: 2010. Duración: 81 minutos. Genero: Documental. "Lazlo Pearlman es un artista conceptual, un prestigiador de los clichés, un activista capaz de dinamitar nuestros prejuicios y dogmas sobre sexo e identidad. Lo que en apariencia es una divertida reflexión sobre las mentiras en nuestra vida sexual se convierte en un punzante discurso sobre la teoría de género y la permanente construcción de nuestra identidad. Conceptos como orgasmo, deseo, género e identidad son analizados desde ángulos diferentes a los empleados por la sexología, con el fin de desarrollar teorías transgresoras, avaladas por especialistas de primer orden, como: Judith Buttler, Thomas Laquear, Judith Halberstam, Mantak Chia y Beatriz Preciado".

cine & performance II

Jean Louis Blondeau

"Man on Wire"

Imagen: Jean Louis Blondeau. Steel Cradle.

Catedral de Notre Dame de París, 26 de junio de 1971.

El 7 de agosto de 1.974 pudo verse en Nueva York un espectáculo memorable. Un joven francés llamado Philippe Petit, ayudado por sus más próximos colaboradores y amigos, había tendido un cable entre las Torres Gemelas para, a más de 400 m. de altura, cruzarlo haciendo ejercicios de funambulismo.

Este acto, calificado como el crimen artístico del siglo XX, dio la vuelta al mundo. Pero ¿qué motivó a Petit y a sus colaboradores a realizar esta aparente locura? La respuesta a esta pregunta tiene que ver más con la actitud ante la vida de cada uno. Ese día de 1.974, al levantar la vista en la ciudad más importante del mundo, se pudo contemplar en su cielo la respuesta a todos los sueños.

Para algunos fue una locura, un riesgo, un sin sentido. Para otros fue una obra de arte, una llamada de atención, un acto salvaje, chocante, fuera de lugar y terriblemente sentimental. Para sus autores, fue la culminación de un sueño. Uno por el que merecía la pena vivir y luchar y tal vez, si hubiera sido necesario, morir. Para Petit, aún hoy apasionado con su experiencia, la vida no tiene sentido si no se vive para alcanzar los sueños. O mejor aún, el único sentido de la vida es alcanzarlos.

La película Man on Wire, dirigida por James Marsh, y ganadora de un Oscar al mejor largometraje, narra la historia de Petit y sus colaboradores, pero no va sólo de un hombre que camina por un cable. Man on Wire, aunque suene exagerado, habla del sentido de la vida. De intentar dejar una huella no ya tanto en los demás, sino en uno mismo. De alcanzar una plenitud personal aunque sea arriesgándolo todo. Y como dice Petit, de vivir cada día como un desafío. De vivir cada día en la cuerda floja y saber que el riesgo merece la pena.

La galería La Aurora, dentro del festival Punto y Aparte, inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de 40 años...

18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título "Bendita locura".

Desgraciadamente, durante la producción de la película y la promoción de la misma, la relación entre Philippe Petit y Jean Louis Blondeau se rompió para siempre, el cable, de acero, que sustentaba su relación y complicidad, y que fue testigo de un encuentro memorable, se quebró lanzando su amistad al abismo.

Imagen: Jean Louis Blondeau. Steel Cradle. Catedral de Notre Dame de París, 26 de junio de 1971

JEAN LOUIS BLONDEAU

Del 2 de junio al 30 de junio de 2009
Inauguración: 2 de junio a las 21 horas
Galería de Arte LA AURORA
Plaza de la Aurora nº 7
30001 Murcia
968 23 48 65
968 24 41 52
www.galerialaaurora.com
josefermin@galerialaaurora.com

JEAN LOUIS BLONDEAU

Este rescate es para invitarlos a visionar el documental sobre/de/ dedicado a Bansky.

The Bansky film

Exit-to-the-through the gift shop

2010, 87 min.

http://www.sideoftheblog.com/2010/01/el-documental-sobre-banksy.html

Trailer del video y algunos datos referenciales el ciudadano

http://www.sideoftheblog.com/2010/01/el-documental-sobre-banksy.html
Hay material, imágenes y textos
http://extracine.com/2010/10/exit-through-the-gift-shop-documental-banksy
Algún comentario interesante

Este gran acontecimiento me permite sintetizar algunos puntos, en comunes, y otros no, de los dos grandes artistas:

1. los impresionistas se han esforzado, y lo han logrado históricamente, poner el arte de la ruptura en los grandes museos, luego lo han consegido los Accionistas Vieneses, Ive Klein, no podemos dejar de nombrar a Jackson Pollock, ahora todos en los grandes museos, en las grandes galerías, etc. La ruptura con la academia y el arte establecido quiso decir la ruptura con las instituciones, un ejemplo es:

Pasión por Renoir. La colección del Sterling and Francine Clark Art Institute

19 de octubre - 6 de febrero de 2011

Comisarios: Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX y Richard Rand, Jefe de Conservación del Sterling and Francine Clark Art Institute.

Exposición coorganizada entre el Museo Nacional del Prado y el Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts).

Con el patrocinio de la fundación BBV, España.

Los comisarios de la exposición comentaban en un noticiero en la cadena oficial, que al fin habían logrado que Renoir estuviera en el Museo del Prado...ya que naciendo de 'la tradición clásica' pertenecía a 'la tradición clásica', se había comentado lo mismo con Picasso y su famoso Guernica, sea por comunista o por estar en contra de la guerra sangrienta organizada por Franco, etc. Lo que está fuera de lo establecido, lo que rompe con lo establecido...la institución intentará de manera mas o menos elegante, que esté dentro, que pertenezca a la historia del arte y a los recorridos académicos, le resulta insoportable 'lo que está afuera'.

Si el arte, como paradigma es lo que rompe lo que queda fuera, si es lo que rompe con lo establecido, si es lo que queda fuera del lenguaje....si es lo que va más allá, son los propios artistas o es el sistema que necesita del arte para subsistir, frente a la destrucción del sistema organizado por el sistema mismo, el arte saltando por encima, yendo mas allá, es lo único que nos deja un producto a tener en cuenta.

Tomo a Blondeau y a Banski como ejemplos de saltar fuera, de quedarse fuera, del hacer del afuera el espacio propio del arte, entre un edificio y otro, entre un muro y otro entre un salto y otro, son dos modos de funambulismo, uno entre un edificio y otro, y el otro entre edificios...pero se trata solo de riesgos físicos para el artista, o se trata del hacer con ese riesgo...en un momento en donde la civilización ya ha corrido todos los riesgos (los holocaustos, la bomba atómica, las pandemias, ahora los terremotos y maremotos) los artistas hacen del riesgo su obra de arte. Disponer de la calle como los muros de los museos, disponer de los edificios como los espacios de las grandes salas de exposiciones, disponer de los paseantes de la calle, como las masas de espectadores, disponer de los blogs y las webs como si se tratase de los críticos internacionales más reconocidos, la calle y los medios son los nuevos recursos...el arte de la acción...el arte de la calle, o mejor dicho la acción con el arte en la calle.

Dos extraordinarias películas, más allá de los técnicos, de los realizadores, de los productores, permitirnos ver...ver...ver...apreciar y analizar que sin darnos cuenta de pronto en la calle tenemos arte. Al arte de los artistas.

cine & performance I

Man on Wire

Estreno: 22-04-2009

Año: 2008.

Género: Documentales.

Director: James Marsh.

Música: Michael Nyman.

Fotografía: Igor Martinovic.

Productora: Warner Bros.

Distribuida por: Vértigo Films.

http://www.salir.com/pelicula/man_on_wire

Sinopsis de Man on Wire

El 7 de agosto de 1974, un joven francés llamado Philippe Petit, pisó un cable colgado ilegalmente entre las torres gemelas de Nueva York, entonces los edificios más altos del mundo. Tras una hora caminando por el cable, fue arrestado, examinado psicológicamente y encarcelado antes de ser finalmente liberado.

Tras seis años y medio soñando con las torres, Petit pasó ocho meses en Nueva York planeando la ejecución del "golpe". Ayudado por un equipo de amigos y cómplices, Petit se enfrentó a numerosos y extraordinarios desafíos: tuvo que encontrar la manera de burlar la seguridad del World Trade Center, colar el pesado cable de acero y el equipo necesario. Tender el cable entre los tejados de las dos torres, anclar el cable y tensionarlo para soportar los vientos y el movimiento de vaivén de los edificios. El tendido del cable se hizo de noche, en completo secreto. A las 7:15 AM, Philippe comenzó a pasear por el cable a más de 400 metros de altura por encima de las calles de Manhattan.

El documental de James Marsh da vida a la extraordinaria aventura de Petit a través del testimonio de Philippe y alguno de los conspiradores que le ayudaron a crear un espectáculo magnífico y único que se conoció como el "el crimen artístico del siglo".

En el arte también se trata de un crimen.

Los Accionistas …en Viena

Marcel Duchamp….en París

Ahora Philippe Petit ….en Nueva York

Alberto Caballero

algunos conceptos

las mujeres a la performance

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las mujeres a la performance I

Antecedentes de la performance en el cine

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El cine & performance

II Parte

El funambulismo en el arte

Instalar lo real

La performance hoy

John Cage: del sujeto a la estructura a la estructura

John Cage

del signo a la letra

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la performance y sus límites II. la realidad se hace performática

Jean Louis Blondeau

exposiciones y comisariado

cine & performance

IV Parte

De la inversión de la pantalla Peter Greenaway, de la imagen al cálculo

De la inversión de la pantalla
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