exposiciones y comisariado



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 En este CD encontrará el metodo que utilizo para las 
lecturas de las exposiciones y de los comisariados.

 "instalar...lo real" De la imagen... a la acción,
Realizar...la acción, Instalar...lo real

Alberto Caballero
Barcelona, 2007
* en CD
 
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después de la performance
Mujeres...saber sostener el amor al arte.

El verano, pasaron exposiciones de...mujeres....de artistas mujeres, solo me interesa lo singular de cada mujer y de cada obra, lo particular de las instalaciones que se han realizado ultimamente, y están aqui por ir 'mas allá de la performance', de la acción, del cuerpo, utilizando distintos registros: la imagen (fotografia, video) las entrevistas, los catálogos, y por consiguiente 'la instalción' en cada caso también singular, el cambio de lugar implica un cambio de instalación, de un lugar a otro. Son meras notas, donde recomiendo el visionado por lo apasionante de cada una, como mujer y como artista: saber sostener el amor al arte.

mujeres....más allá de la performance
ellas artistas...ellas comisarias...ellas críticas

Si la mujer es...una por una...la artista (o el artista) también es una por una ¿qué sucede cuando la comisaria (también una por una) intenta hacer serie, o cuando las críticas (también una por una) dicen o escriben sobre 'el arte de las mujeres' o 'el arte hecho por las mujeres'? En estas cortas notas hago referencia a una serie de exposiciones de artistas mujeres (una por una) que en el transcurso del año, me llamaron la atención, no conocía su obra, o me resultaron muy interesantes. Como hemos pasado de 'registrar' el cuerpo, la acción con el cuerpo, en el caso de Fombin y Almeida, a la acción con el objeto, el objeto ocupa el lugar del cuerpo, como una regresión a un estado infantil donde la niña juega con su propio cuerpo y juega con objetos que remplazan su cuerpo, jugar con su propio cuerpo jugar con el cuerpo del otro.

CAROLINA BONFIM
90 movimientos sobre TECHNOGYM G6508D
PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto
Ciclo de exposiciones comisariado por Chus Martínez Domínguez
20 enero – 2 abril 2017
MARCO
Museo de Arte Contemporáneo de Vigo
Coincidiendo con la jornada inaugural, el viernes 20 de enero a las 19.30 tendrá lugar en el salón de actos un encuentro-coloquio abierto al público entre Carolina Bonfim y la comisaria del proyecto, Chus Martínez Domínguez. A continuación, a partir de las 20.00 la artista llevará a cabo una performance, como activación de la pieza, en el propio espacio expositivo.
 
 
Helena Almeida
CORPUS
IVAM Institut Valenciá d'art modern
febrero-junio 2017
Comisario / a
João Ribas y Marta Almeida
La exposición Corpus presenta un total de 52 obras, entre pinturas,fotografías, vídeos y dibujos, realizados por la artista portuguesa Helena Almeida desde los años 60 hasta la actualidad. En estas obras el cuerpo de la artista registra, ocupa y define el espacio y juega un papel central.
 
 

Liliana Porter. Diálogos y desobediencias
Artium, Vitoria
coproducción CGAC Centro Gallegp de arte contemporáneo
comisariado Estrella de Diego
07 Abril 2017 -27 Agosto 2017

http://www.artium.org/images/Exposiciones/2017/Liliana_Porter_folleto_liburuxka.PDF
 
La artista argentina Liliana Porter es una de las creadoras más lúcidas y originales del panorama actual, representada en los grandes museos internacionales e invitada a la presente Bienal de Venecia. Jugando con las subversiones espaciales, los diálogos inesperados y los trastocamientos de las proporciones, desde los años 70 del XX ha ido creando un universo propio y unas sólidas y fascinantes propuestas de revisión de lo establecido.


 
  
Me complace agregar a esta serie la obra de Mireya Baglieto...más allá de la experiencia misma, el espacio.

"Viaje al espíritu del tiempo", un obra uterina.
Museo de la Cárcova del 29 de junio al 17 de septiembre.

"El espacio núbico es una creación original de la artista Mireya Baglietto, quien a partir de la intervención del espacio con gasas, films sintéticos, telas y tiras de diversas texturas invita al espectador a una participación activa, que consiste en recorrerlo individualmente observando el espacio a través de un espejo colocado horizontalmente a la altura de los ojos y enfocando hacia arriba. De este modo se produce la magia en cada espectador provocando una especie de ingravidez virtual, una nueva percepción del espacio que cuestiona las tres dimensiones euclidianas. "

Tambien es efímero, como lo es la acción, se instala cada vez, y cada vez es singular, también es efímera la imagen que tiene el visitante, ya no espectador, al recorrer el desierto de imagenes, el espacio por si mismo, la imagen la pone visitante el recorrer el espacio, cada vez diferente. Se trata de lo imposible reconstruir el desierto, recorrer el desierto, el desierto de imagenes y de palabras.

alberto caballero, barcelona verano del 2017
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pas de deux
Cabello/Carceller
exposición
BORRADOR PARA UNA EXPOSICIÓN SIN TÍTULO (CAP. I -II).
CABELLO/CARCELLER
Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo /
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid
COMISARIO MANUEL SEGADE
 
1-La pareja en el arte , las parejas que han tenido el arte como objeto (anticipo: Dali/Gala, David Bestué y Marc Vives, etc ¿Cómo el arte hace de objeto en la pareja?
desde:
DALI-GALA (nombre en espejo)
GALA-DALI
a
cabello-carceller (nombre compuesto)
2 -Exponer la performance
Cuerpo & Política
Exponer, no solo quiere decir exhibir, sino también exponer las ideas, poner las ideas como palabra pero también como texto, y en este caso ex-hibir + ex.poner = catalogo: donde las imagenes van acompañadas de textos. Generalmente las imagenes son del artista que ex.hibe, pero está in.hibido de hablar de la obra que ex-hibe, aquí en el caso de esta pareja de artistas, ex.hibir y ex.poner también son una pareja, van a la par, muestran sus obras pero también dicen con la palabra y con la escritura, hacen de todo ello su 'marca de origen'. Esto lleva al concepto de 'exposiciones': por un lado realizar una exposición/exhibición, de las obras, por otra tomar posición, van tomando posiciones no solo en el ambito de las exhibiciones sino de los debates, de las publicaciones, etc.
 
 

Exponer/Estar de moda
Debido al acontecimiento de 'la retrospectiva' dedicada a la pareja de artistas, primero en Marco de Vigo y luego en CA2M de Mostoles, Madrid, me llevó a informarme de las razones de dicha retrosptectiva, una de ellas, muy valiosa, es la impresionante cantidad de exposiciones individuales y colectivas en las que han participado, además de los carteles y los catálogos de dichas exposiciones. Surgen las preguntas: ¿Qué se expone? Obra, o/y se exponen la pareja de artistas, o/y se exponen las ideas, o es una manera de mantenerse 'de moda', estar de actualidad en 'discurso'. Esto nos lleva a : 'Del discurso a la exhibición', II Seminario Internacional Historia del arte y feminismo, octubre 2013, Chile.
Exponer.se también se refiere a estar o no muy expuesto, mostrar o no demasiado, exponer todo o ir sacando cartas poco a poco. Si antes parecía que se trataba de una actitud política, ahora se trata de un modo de estrategia, no solo de los artitias cono obra individual sino de las parejas de artistas.
 
3-mirar-ser mirado
mujeres mirando mujeres
mujeres mirando-se a si mismas
 
 

En el primer par de imagenes se verifica mujeres mirando mujeres, las artistas miran a mujeres, están detrás de la camara, en el segundo par de imagenes las artistas o están en posición ser-mirado, o se miran a si mismas. Con el logo MMM, mujeres que miran mujeres, se intenta señalar que entre una (mujer) que mira y la otra (M) que mira está el objeto (mujer) mirado. La mujer ocupa ambos lugares.
 
4 -escribir-hablar
 
 

Al par hacerse-ver se agrega el hacerse-escuchar y el hacerse-leer, incluso en entrevistas, hacerse-ver que luego se pueden leer en prensa general y especializada, les preguntan que leen, que ven, que escuchan. El como lo hacen (el objeto) el saber-hacer ha pasado de moda, el oficio de artista, el adquirir oficio (que venía de las artes plasticas y luego aplicadas) ya no funciona, ahora se llama 'artificio'. No se trata de hacer (de producir) el objeto, se trata de hacer 'con' el objeto como fetiche, el objeto ya está producido ahora el oficio es hacer con él, en su valor agregado, se le agrega lo ficticio.
Entonces, si esto es así, la palabra, en tanto oral, y la letra en tanto escrita, adquiere valor de 'artificio', no es tanto lo que se dice, sino como se lo dice, donde se lo dice, a quienes se lo dice, para qué se lo dice, el artificio de hablar en público, que luego se llevará a youtube, el artificio de escribir en las redes sociales, que luego se llevará a prensa...es el artificio 'del mercado'. Como ser un artificio para el mercado, por un lado reprimir, ocultar, y por otro hacerse-ver. En cuanto mas se oculta mas se hace ver, en tanto más quiero estar fuera del mercado, más estoy en él.
 
Ya hemos encontrado 'la marca': pas de deux y a su vez el anudamiento con otra pareja celebre en la historia del arte, que han dejado una marca -indeleble'- no se puede borrar. En particular ha significado una marca de salida en mi recorrido 1997-2017 de articulos sobre instalar...lo real, más adelante instalar...la acción, para cerrar con: la acción...a la letra, la marca de llegada, marcas que he ideo dejando en el camino 'de la escritura' y que me han dejado marcas, marcas que solo deja la escritura.
 
En ballet, un pas de deux (en español paso a dos) es un dúo en el que los pasos de ballet son ejecutados conjuntamente por dos personas. Usualmente consiste en una entrée (entrada de la pareja), adagio, dos variaciones (una para cada bailarín), y una coda. También es conocido como Grand pas de deux o Gran paso a dos.
 
5 -El último par: El objeto fetiche/la mujer fetiche
Algunas notas del texto de:
Hijas fetiche, mujeres fetichistas
Genevieve Morel
Girona 5 de mayo 2007
 
 

"El fetiche es aquí a la vez cualquier objeto elegido en su preciso momento de un modo contingente por su proximidad al cuerpo y al sezo femeninos, pero que se convierte, en su singularidad, en la condición absoluta del deseo" "...el fetiche...está separado de la que lo lleva...pero la mujer también puede ser el soporte de la que lo lleva." "La pareja natural/artificial también reina aquí, pero lo natural se obtiene en el colmo del artificio, de lo fabricado, de lo artificial...facticiues, la palabra latina de donde viene 'fetiche'.."
 
De lo artificial del objeto fetiche....al cuerpo de la mujer como fetiche.
"El exhibicionismo femenino que respondería al voyerismo masculino, reprimido gracias a la ropa que será fetichizada, el fetichismo se acompaña siempre de una fuerte idealización y a veces a la sublimación."
 
 

darse a ver: el travestismo, todo uso de la vestimenta participa de la función del travestimos:por un lado vela y por otro espera a ver. La mujer se da a ver. O sea por un lado se da a ver, por otro oculta, reprime gracias a la vestimenta fetichizada, o sea garantiza la feminidad. De allí que la mujer es singular, cuanto mas pierda la singularidad de lo que es como mujer, al mismo tiempos se alejara de la feminidad que era objeto de su busqueda. a lo que agrega: La feminidad siempre es singular y en escencia, fuera de la ley o de la norma...las mujeres una por una, cada una en su singularidad."
Si 'las mujeres una por una, cada una en su singularidad', que sucede con la pareja, con el par de: se trata del doble, del otro como yo, del dos que se hace uno, o de la imposibilidad del dos...por consiguiente la busqueda del tres, del objeto externo, del fetiche, que cubra esa imposibilidad.
 
 
pareja/aparejo/aparato

D' être le seul... s'appareiller, ante la caida del padre simbólico, surge la mujer, aquí no es así surge l'apareille, el aparato imaginario: el otro y lo mismo. En el mito no sería Narciso sino Eco, ya que Narciso s'apareiller con su propia imagen, y Eco es la pareja de la voz del otro. De aquí en más seria una 'recerca', una busqueda, una investigación que aquí no tiene lugar.

Alberto Caballero, Barcelona marzo 2017


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politicas del arte....
el artista como el propio comisario

primera parte: la instalación/las instalaciones

Boltanski
DÉPART - ARRIVÉE
IVAM institut valenciá d'art modern
5 de julio/ 6 noviembre
valencia/españa
COMISARIOS Christian Boltanski y José Miguel G. Cortés

“Cuanta más edad tenemos, mayor es la impresión de caminar sobre un campo de minas. Los amigos saltan por los aires a nuestro alrededor y mañana, quizá, sea nuestro turno”. Esta frase de Christian Boltanski (Paris, 1944) remite con claridad los grandes temas que transitan por sus obras e instalaciones y que marcan toda su trayectoria artística. La memoria, la pérdida y la muerte son conceptos principales, casi obsesiones, en la obra de Boltanski. Así como sus reversos en el olvido, la desmemoria, el azar y el rastro apenas inexistente que deja cualquier vida tras desaparecer. Aquello que en otras etapas de su trayectoria evocaba la desaparición de la infancia, el deceso de sus padres o la muerte colectiva, se centra ahora en su propio fin. Todos estos aspectos quedan reflejados y analizados en la exposición Christian Boltanski, realizada con motivo de la concesión del Premio Internacional Julio González 2014, que cuenta con 7 grandes instalaciones distribuidas por la galería 1 del IVAM."

 
Del Goce del Otro, al plus de goce

La muerte como archivo: los cementerios/ los nichos/ los relicarios/el arte funerario/ exposicion de....sobre los relicarios / la muerte y el exterminio/el padre muerto y la muerte del Otro. Los archivos como restos de la muerte del otro/las iglesias como restos de Dios y de la monarquia/ los coleccionistas para la monarquia/las colecciones de museos como cementerios del Otro, las colecciones de las fundaciones privadas/ el archivo como herencia, los restos del Otro. Las subastas como mercantilizacion del archivo, los coleccionistas de libros, de cine, de arte,el arte como subasta para los coleccionistas, como inversiones en bolsa. El archivo como valor agregado/el archivo como plus de goce: Bolstanky. ¿Monumentos funerarios? Frente al monumento exterior , lo publico (los egipcios, Julio Cesar, Napoleon....etc) el archivo, interior, fragil, recuerdos particulares se hacen publicos, mas cerca de los monumentos funerarios en cementerios, lo particular se hace publico.
 
 

tercera parte, algunas anotaciones

En esta serie sobre visitas a 'exposiciones/instalaciones' no es mi intención sacar conclusiones, ni de ninguna manera cerrar mi punto de vista sobre la obra o sobre el artista en cuestion, es solo tratar de presentar la exposición/instalación y señalar algunas referencias que me ha sugerido la visita: otras instalaciones del artista, el contexto en que se presenta, entrevistas al artista, algunos antecedentes fundamentales, en este caso Piranesi y el mito de Orfeo, algunas referencias teóricas como es el texto de Wajcman: entre el objeto y la negación, se podría decir entre el objeto y el espacio, que según él han determinado las dos grandes líneas del arte del siglo XX.

Dicho esto, vamos a la obra de Bolstanski, según sus criticos y/biografos, inseparable de la 'narración de su vida': su vida marcada por determinados acontecimientos fundamentales determina el desarrollo de toda su obra, se lee claramente en el libro de entrevistas que entre muchas otras le hace Catherine Grenier. O sea dos vertientes fundamentales, desde esa marca primera, una volver a narrar su vida una y otra vez, entrevista tras entrevista, y por otra volver a instalar desde esa marca fundamental una y otra vez. Lo que deja claro que 'no hay palabra última' y no hay instalación última, es cada vez.
 
 
Si el legado hegeliano nos ha dejado la triada: negación, muerte y trabajar con ello, Boltanski es fiel a este aparato, fiel al legado que nos ha dejado el siglo XX después de la segunda guerra mundial, y es más que evidente que él es hijo de este legado, con el que todavía estamos viviendo: refugiados, desplazados, sin nombre, etc. Tenemos muchos ejemplos en el arte del siglo XX: Picasso y la guerra civil española, Bacon y la colonización britanica, Kandinski y la revolución rusa entre muchos otros. La particularidad de Boltanski, no es que está marca esté implicita en la obra, es que está marca se deja ver siempre en su obra, se instala cada vez, y se borra cada vez, no deja representación, no deja objeto, no deja cuerpo.

Todo lo contrario que Primo Levi se trata de atravesar el espacio de la muerte, negandolo, haciendo con la marca, sin caer en cada intento. Atravesar el vacio, donde a veces si, a veces no, se dejan entreveer algunas huellas, huellas de la muerte no solo en el sujeto, del siglo XX, no solo en el objeto, el archivo, sino en el espacio mismo, que ha quedado vacio de toda representación, por un lado, pero tambien de todo cuerpo por otro. Más allá de todo resto, de toda ruina, de allí señalo como referencia a Piranesi que toma las ruinas del mundo clasico como su paisaje habitual, y por otro a la Shoah, donde las ruinas de los campos de concentración nos sirven como referencia a la caida no solo de la modernidad, sino del humanismo. Nos hemos quedado sin referentes, es lo que nos señala Boltanki con su otras, que se instalan una y otra vez, con sus entrevistas que se dicen una y otra vez.
 
 

Antes de terminar, no puede dejar de mencionar el mito de Orfeo y Euridice: el amor a la muerte. Así como Apolo representa el amor a la belleza, y Dionisio el amor al teatro y del extasis, Orfeo representa el amor a lo perdido, el amor más allá de la muerte, línea que seguirá Shakespeare con Romeo y Julieta, y el Dante con Beatriz...más adelante el romanticismo, y más aún Kafka y Pessoa retoman esta línea desde angulos singulares. Boltanski no toma al sujeto del amor, no toma al objeto del amor, sino al espacio del amor perdido, ese atravesamiento que hace Orfeo intentando sacar a Euridice del mundo de los muertos, en tanto imposible. Boltanski nos hace ver ese imposible, intentar sacar a la humanidad de esa destrucción reiterada, atravesa Hades -la casa/dominiode Hades’, de nuestros muertos, de las muertes que cada uno arrastra, de la muerte de la humanidad misma. Así como Miguel Angel representa la caida del mundo antiguo, y el surgimiento del renacimiento, Bolstanski no-representa, ya que es en tanto vacio la caida del mundo moderno y el surgimiento de una contemporaneidad en construcción.

Alberto Caballero, Barcelona diciembre 2017

leer el artículo completo en PDF


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El hombre del animal al cyborg
del sexo al destello
Estamos viendo en estas notas como el cuerpo del hombre es usado en el arte por un lado como cyborg-robótica....pero por otro como....carne. Después del lenguaje, las nuevas tecnologías, antes del lenguaje, el cuerpo animal, no atravesado por el lenguaje. Es evidente que lo que estamos cuestionando es el humanismo, que introduce la lógica del cuerpo humano, o sea se trata de la caida del humanismo, queda atrapado entre un lado y el otro. Estos son algunos ejemplos singulares de esta lectura.
Si nos extendemos un poco más ha side pasar del hombre-animal, con taparrabos, del hombre animista, a la prohibición del desnudo (judeo cristiano) hasta la actualidad, todavía en los medios como facebook, youtube, etc no se puede exhibir el cuerpo desnudo. Las dos grandes prohibiciones de la civilización occidental son el incesto y el desnudo. Prohibiciones que determinan el cuerpo y el lenguaje, ambas como faltas que van a resignificar la socialización del sujeto, pertenecer a un grupo social determinado, determinación que tiene su origen en el mito griego. Mito que ha sido adoptado por las religiones occidentales.
¿Cómo esta prohibición es interpretada por el arte? La mujer como objeto, como objeto de la imagen y luego con su cuerpo como objeto se salta la ley, va más allá de la ley, como le es propio la mujer va más allá de la ley, y hace con eso, cientos de ejemplos. Ahora el cine, la publicidad, el video arte, incluso la robotica siguen esta linea. En el caso del hombre este se sostiene a rajatabla, el sexo del hombre sigue prohibido: de allí el escandalo que provoca una gran exposición en Viena, que tiene este nombre: El hombre desnudo.
En el recorrido de estas notas, llegamos a la conclusión que del hombre animal que exhibía su sexo en tanto poder fálico frente al animal idealizado, con la llegada del hombre cybor desaparece el sexo, no se trata de una práctica u otra, si se trata de la robotización o el avatar del cuerpo del hombre, este se queda sin sexo, lo vemos en Robocop, solo cerebro, o en la obra de Tony Ousler, el hoombre se ha convertido en mero destello.
 
1. antecedente
John Coplans
"Esas fotografías nos remiten a las políticas del cuerpo, al constituir la vejez un tabú en la sociedad americana, que tiende a la adoración de la belleza y la juventud. Como consecuencia de ello, el envejecimiento de los cuerpos ancianos se hurta a la vista al ser imperfectos, con frecuencia enfermos y estar condenados a una pronta muerte"
 
2. ENCUENTR.03 EXPERIENCIAS DE LA CARNE
santiago cao
https://www.facebook.com/cao.santiago
Max Provenzano
https://www.youtube.com/user/desarmarlamakina
marc montijano
http://www.marcmontijano.com/
"La obra que lleva por título Tempus fugit. Metamorfosis XIV, ha tenido lugar a las doce del mediodía. En ella el artista ha dispuesto cuatro modelos, dos masculinos y dos femeninos, dentro de un círculo de cuerdas atravesado por una cruz, con la estética que caracteriza sus creaciones (desnudos, con el rostro cubierto por un saco y rodeados de cuerdas). Un gran reloj en el medio de la plaza, a modo de memento mori, recordándonos a todos que el tiempo se escapa (Tempus fugit) y que deberíamos alejarnos de lo que nos desorienta y extravía. Con esta obra vuelve a los orígenes de la serie Metamorfosis con un tinte más urbano y provocador. " Marc Montijano
 
3. La imagen del cuerpo....a la robotica
En estas -cortas- notas intento ir definiendo la diferencia entre imagen cyborg i(a) (avatar ) y el cuerpo tecnológico, como bien dice la palabra pertenecen a dos lógicas diferentes, la primera la logica de la imagen, siempre imagen de otro, construir una imagen otro, y la lógica de la tecno....una herramienta de la ciencia. Ambas fuera. ¿Dónde ha quedado la imagen interior? La imagen se construye en tanto exterior, ya sea como Yo, ya sea como otro, como otro objeto del yo. En el caso de la performance el artista pone su cuerpo como imagen externa del yo, no como yo, como pretenden dar a entender ciertas teorias américanas del yo, sino como objeto. En cuanto a la robotica, Sterlac Antúnez, se trata de una suplencia del cuerpo, suplencia mecánica de lo organico, son dos modos de lo real, si sostenemos lo real como lo imposible, siempre será una suplencia, o a la imagen o a la mecánica del cuerpo.
> Stelarc
> Orlan
> Marcel.lí Antúnez
> Lucy McRae
Robotizar ...lo imaginario: la imagenhttp://revista.escaner.cl/node/219
 
Reflexionar sobre los cambios producidos por las nuevas tecnologías y los desarrollos en las ciencias respecto a la condición del sujeto, su visión de mundo, los vínculos de los individuos con el entorno (naturaleza y cultura) y con las máquinas(técnica), así como investigar las nuevas relaciones que se pueden dar entre la obra y el público, son los propósitos de Epifanía.
 
4.La imagen del cuerpo....al cyborg

Cuerpo, espacio y tiempo en Bruce Nauman
CASO DE ESTUDIO
IVAM Institut Valencia d'Art Moderno
febrero a junio 2015
Valencia, España
comisario: Mª Jesús Folch
https://www.ivam.es/noticias/el-director-del-ivam-presenta-la-exposicion-caso-de-estudio-cuerpo-espacio-y-tiempo-en-bruce-nauman/
                                                                 
Ed Atkins tra tecnologia e iperrealtà
y Atkin
curada por Carolyn Christov-Bakargiev e Irene Calderon
27 sept 2016 a 29 en 2017
Torino, Italia
http://www.castellodirivoli.org/mostra/ed-atkins/         
A*gR_3. Tony Oursler.
Del 15 de septiembre al 12 de noviembre de 2016.
Galería Moisés Pérez de Albéniz
http://www.galeriampa.com/?page_id=698
para leer la nota completa pdf
                                                                       Alberto Caballero Barcelona, noviembre del 2016
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El arte de la política, las políticas del arte

serie: cuerpo del otro, el cuerpo del hombre como cuerpo del otro
las políticas del cuerpo, el cuerpo en la política

bienales, museos, fundaciones, galerias

Según se dice, tradicionalmente, el hombre era el artista y el cuerpo de la modelo su obejo (Renoir...), el primer giro lo hace la mujer al colocarse en el lugar del/de la artista y su propio cuerpo como objeto (la performance), o sea cambia de objeto a sujeto, ocupando los dos lugares. Ahora del lado del hombre esto también ha cambiado, de ser sujeto, artista, de su propia obra donde el modelo a representar es el otro, ahora también ocupa el lugar del objeto, por un lado sujeto/artista y del otro lado modelo/objeto. La primera cuestion es clara la mujer puede ocupar el lugar del sujeto y el lugar del objeto, la pregunta es si el hombre puede ocupar los dos lugares: sujeto/objeto, o los artistasa que intentamos pensar, tomar a otro/otros hombre/s como modelos. El caso de Miguel Angel (el David) o el caso de Rodin, son casos singulares y excepcionales a la vez, si el cuerpo está del lado femenino, femenina es la posición de su representación, es algo de una trasgreción radical. De allí que la modernidad introduce la abstracción, como un lugar neutro en esta cuestión. Un caso singular y extraodinario es Bacon, don no solo el artista sino el objeto representado, forman parte del mismo proceso: la disolución de la representación, la de.formación. Se trata de la caida de la forma.


El segundo punto: las políticas del cuerpo, el cuerpo en la política, atañe a este movimiento, los artistas son hombres, y el objeto a tratar tambien son hombres. No se trata solo de una trasgresión en la forma-desforma, ya que la representación ha caido, sino en la posición política de los artistas. No se trata de un discurso donde se altera las relaciones del artista con el cuerpo (del otro) sino en el campo del discurso politico, donde tanto el sujeto como el cuerpo del otro son meros sintomas, o sea productos del discurso mismo. El cuerpo en el discurso de la religion, la edad media, el cuerpo en el renacimiento, el cuerpo de la ciencia, el cuerpo en la modernidad, la fragmentación, y el cuerpo en el discurso capitalista, objeto de mercado: según S Sierra, modos distintos de esclavitud, siendo mas precisos modos diferentes de relación entre el amo y el esclavo (Hegel). Recordemos Miguel Angel y el Papa Julio II y a Bacon con Inocencio X, la relación no es la misma, y desarrollar esta cuestion ya es un trabajo en si mismo. Si lo resumimos podriamos decir entre la imagen del Uno (Otro) y la imagen del otro, aquí el artista es el otro, y representa la imagen del Gran Otro: papas, reyes, emperadores, etc. Ahora los artistas se rebelan ante el poder del Otro, poniendo su saber al servicio del Otro, a beneficio del Otro.

O sea es tan esclavo el artista como el modelo, esclavos del discurso del Amo, pero ahora el discurso dominante es el discurso del capital, el discurso financiero, y todo el aparato opera alrededor de él, sean bienales, ferias, fundaciones o galerias, etc.etc. Son los mismos artistas, que con su 'protesta' participan de la serie. Un ejemplo relevante es 'Escombros' han estado en la cabeza de las protestas contra los gobiernos militares en buenos aires, y ahora su producción ha sido adquirida por la fundación que preside José María Lafuente, la misma que adquirió gran parte de los restos del moviemto Dadá, en el origen de todas estas cuestiones. Lo importante no es la serie, sino el giro que dan las series, van a parar al mismo sitio: el capital. Tanto el artista, mediante su producción, como de su objeto: el cuerpo del otro, mediante intervenciones sobre 'el discurso del capital, se encuentran: se empieza por las galerias, que antes vendian Monet o Picasso (por un lado el Guernica y por otro las altas cotizaciones en las subastas internacionales); se sigue por los Museos y la Fundaciones, que compran de manera publica o privada dichas producciones, ya lo hacia Velazquez o Goya bajo el discurso del Amo monarquico, y ahora (Sierra, Wei Wei...) exponen en galerias y las obras son adquiridas y expuestas por fundaciones de alto poder adquisitivo.

El cambio radical no solo esta en la posición (política siempre) del artista, ni en el objeto que usan para su producción (incluso su propio cuerpo) sino en el modelo discursivo (el Prado, el Louvre, etc en el modelo monarquico) a las fundaciones actuales, bajo el modelo capitalista. El que organiza y administra el proceso es el discurso, tanto en la politica como en el arte. Siempre hay que preguntarse qué ha pasado con el sujeto, que ha pasado con el objeto. A pensar.

Recomendamos leer newsletter exit-express.com: http://exit-express.com/desechables/

leer información + artículo completo en pdf

Alberto caballero, barcelona octubre 2016



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Joan Jonas: caudal o río/ vuelo o ruta
Fundación Botín / sala de exposiciones
16 de junio 26 de octubre 2016
Santander, España
 
 
 

primera parte

Nota de prensa + referencias: folleto de mano en pdf
 
"La artista estadounidense Joan Jonas (Nueva York, 1936), pionera en la práctica de la performance, el cine experimental y la vídeo-instalación, es la protagonista de la exposición Joan Jonas: caudal o río, vuelo o ruta, que acoge la sala de exposiciones de la Fundación Botín en Santander del 25 de junio al 16 de octubre de 2016. La muestra ha sido comisariada por Benjamin Weil, Director artístico del Centro Botín.

La creadora estadounidense presenta una nueva instalación multimedia, concebida específicamente para su exhibición en la Fundación Botín, que lleva a cabo en colaboración con quince jóvenes artistas internacionales, seleccionados por la propia Joan Jonas para participar en el Taller de Artes Plásticas de Villa Iris, que tiene lugar del 6 al 24 de junio de 2016.Un trabajo en el que la artista profundiza en su investigación sobre la compleja relación del ser humano con la naturaleza y el medio ambiente, un tema que ha sido una preocupación constante a lo largo de su trayectoria.

La nueva pieza se mostrará junto a una selección de videos que documentan cinco de las más relevantes performances que la artista ha ejecutado en los últimos quince años: Lines in the Sand (2002); The Shape, The Scent, The Feel of Things (2004-2006); Reading Dante (2007-2010); Reanimation (2012); y They Come to Us without a Word (2015). Este conjunto de obras brindará al visitante una perspectiva única del universo creativo de esta figura fundamental de la vanguardia neoyorquina de finales de los años sesenta y comienzo de los setenta. "

Alberto Caballero, Barcelona julio 2016
 

segunda parte
Nos invaden los americanos
Sobre el discurso, y de que discurso se trata
Joan Jonas: "Espero que la performance no se convierta en puro entretenimiento"

Escuchando, leyendo las entrevista, conversando con tal critico o tal otro artista, podemos ir sospechando en las palabras de JJ que el proceso de su obra, en general, tiene que ver con la naturaleza. Así como para Louise Bourgoise tiene que ver con la cosa-objeto como resto del Otro, para JJ tiene que ver con las imagenes de una naturaleza perdida, con los restos que nos deja nuestra visión de la naturaleza. No de una naturaleza salvaje, terrible, destructiva, amenazante, sino una naturaleza a contemplar a contemplar desde afuera, mas allá de la imagen. Mejor dicho utiliza la naturaleza como imagen a contemplar. No conozco profundamente el arte américano, solo algunos de los grandes artistas, que han producido rupturas fundamentales con respecto a la modernidad europea, como Pollock, Cage y más adelante Lynch, que nos muestran no solo la caida de la tranquila representación de las vanguardias, sino el horror de lo que esta velado.
...
Si quisieramos entrar algo más en esta linea, tenemos por un lado la america de las guerras, de las guerras militares, pero también de la guerra de los sexos -con los hippies, el punk, el rock, etc- las guerras comerciales, financieras; pero por otro las lineas de pensamiento que vienen de Palo Alto, David Tudor y John Cage, por consiguiente de Japon....de Yoko Ono...de aqui a Merce Cunningam....etc. Lo contemplativo, el vacio, la naturaleza, la serenidad ante todo, y aquí nos encontramos con Mark Rothko, incluso con el canadiense Bill Viola, y porque no el americano Robert Wilson. El horror se ha transformado en mistica, en una mistica del espíritu laico. Se trata de un retorno a la naturaleza para encontrarnos con un espiritu laico, lo oriental en occidente. Por que no nombrar a Frank Lloyd Wright, el gran conciliador de la modernidad que venía de Europa (sobre todo Le Corbusier (que plantea la ruptura total con la historia y la ciudad neoclasica del momento) y la arquitectura que se importaba desde Japon, el dialogo con la naturaleza, los espacios continuos dentro y fuera, etc etc. En la película Luna en Brasil, sobre la vida de Elizabeth Bishop se muestra claramente ese tipo de arquitectura en dialogo con la naturaleza, no imponerse, dejar pasar. Una frase propia de Bishop famosa en la epoca: No se trata de vivir el arte sino del arte de vivir. 

Alberto Caballero, Barcelona últimos días de agosto del 2016
 

tercera parte

Despues de la visita a la instalación

Fundación Botín/Santander

Septiembre 2016



 


La instalación de la obra en las salas de la fundación Botín. ...

La obra son instalaciones/gravaciones realizadas en entidades como bienales (de Nueva York, de Estocolmo, de Venezia, etc.etc.), en grandes museos como La Tate, el MOMa, etc o como en este caso patrocinadas por fundaciones privadas. La realización de la obra, su destino y el patrocinio van a la par, al contrario de la obra de Louise Bourgois donde se realiza en el taller de la artista durante casi 50 años para luego ser expuesta en galerias y museos. En el caso de LB la difusión de la obra es estricatamente restringida, hacia adentro, se privilegia la obra, en el caso de JJ la difusión de la obra se realiza hacia afuera, por un lado la instalación de la obra y su realización final en video, como conferencias, wekshops, sesiones de dibujo, archivo, gravaciones, siempre en público, donde todas estas cuestiones forman parte de la obra misma: ella dando conferenicas, debates, dibujando, manipulando materiales, gravando, moviendose, interactuando con otros personajes, etc. Esto nos lleva a la primera cuestión: ¿Cuál es el objeto de esta obra en grandes dimensiones?
La obra de la artista, los grandes videos.
Cuando me refiero a grandes dimensiones, quiero señalar que la obra de LB empieza por las pequeñas dimensiones: objetos, esculturas, instrumentos, dibujos, etc, que luego pueden ser una obra en si mismo, o formar parte de una obra (celdas) en grandes dimensiones, lo que cambia es la escala de la obra, no hay un cambio de pantalla, las pequeñas dimensiones se pueden transformar en grandes y las grandes se podrian reducir en pequeñas. El caso de JJ, es radicalmente diferente, el objeto cosa es totalmente secundario, permite pero no es determinante, el objeto se ha transformado en 'pantalla' . Si en el esquema de construcción del objeto Jacques Lacan dice que el objeto se re-construye mediante pantallas, que son una serie de pantallas que nos permiten (a nivel perceptivo) instalar el objeto (con sus dificultades o fallos), aqui lo interesnate es que el objeto de obra de JJ son las pantallas mismas, las multiples pantallas permiten ver, velar, desplazar, dibujar, o mover, según la artista realiza la instalación. Incluso la instalación se realiza cada vez, no hay una realización en video totalmente realizada, se realiza cada vez que la artista la instala en un museo, una bienal, etc.
Intentare dar cuenta de la sucesión de pantallas, no digo serie porque una constituyen una serie fija, es aleatorio, ahora una ahora otra, según el caso, de allí sucesión. En todos los casos, al fondo de la sala donde se realiza la actuación, hay una pantalla la llamaré de fondo donde se proyecta un video (primero) con imagenes también sucesivas, quiero decir no construyen un relato escrito fijo, puede ser una u otra. En un segundo momento la artista instalada en un lado de la sala, delante de una mesa con objetos, dibujos, instrumento los está gravando por webcam, también de manera aleatoreia o sucesiva, uno detras de otro, proyectandolos a la 'pantalla de fondo' ahora dibuja, ahora mancha, ahora pinta, ahora corta, etc. En una otra pantalla lateral, en dirección contraria, podemos tener un musico, un percusionista, un pianista, etc que interpreta piezas musicales con el mismo caracter sucesivo, no intenta ilustrar lo que sucede en la sala, ni siquiera complementarlo, el sistema no se cierra, se abre siempre. Luego se abre una nueva pantalla, donde la artista u otros participantes, se mueven manipulas elementos, lo gritan, chillan o sencillamente se desplazan. Todo esto se esta gravando y proyectando en 'la pantalla de fondo', a todo esto pueden aparacer superpuestos en esta pantalla otras imagenes, antiguas actuaciones, dibujos, o actuaciones laterales del escenario: las pantallas se superponen, pero nunca con el sentido de cerrar 'la pantalla de fondo' como obra en video. A esto se agrega que la artista lee determinados textos, o se la voz de la artista, o de otros lectores, textos que aparecen editados en 'la pantalla de fondo', y por último aparecen los textos subtitulados en castellano, o sea la palabra, la voz, y el texto escrito también son pantallas que forman parte de la obra.
La obra en si, es una sucesión de pantallas, que suceden contantemente, sin principio ni fin predeterminados, lo que se cierra es una gravación XX de la obra para ser proyectada posteriormente en salas de proyecciones de museos, festivales o por supuesto en internet, youtube, congresos, entrevistas, etc. O sea es una obra que se proyecta al infinito. Lo que para mi, por ahora, no me queda claro es que si se proyecta la obra o la artista misma, o si la artista forma parte de la obra en si.
El desarrollo de la obra, en el tiempo: en las primeras obras, que he podido visionar por youtube, las acciones son muy simples, por ejemplo una mujer desnuda se observa con un pequeño espejo, JJ lee un texto, o da una conferencia de prensa, etc, con publico o sin publico. Insisto no son performance, ya que no tienen los caracteres determinados en el arte de acción (la presencia, lo efimero, etc) , son actuaciones, son preparaciones para actuaciones mucho mas complejas, que vienen del teatro Noh de Jaón, o de la danza contemporánea americana (Merce Cunningham y otros ver nota en http://www.geifco.org/actionart/actionart02/nmAU/nmau.htm). Así en el desarrollo de las obras, de las salas de la fundación, se confirma esto, las primeras ya complejas, mantienen todavía la idea de la sucesión de panatallas de la arquitectura japonesa, de los abanicos del Noh, pero ya en Forma, olor, sensación de las cosas 2005/2006 se trata de la construcción de un espectaculo en grandes dimensiones: las pantallas, los personales, las coregrafías patiulares, la no-relación de una pantalla con otra, quiero decir que los personajes también actuan de pantallas, la gran pantalla de fondo, para que todo esto, sucesivo, sea filmado desde el punto de vista de un realizador/pantalla, también el realizador de la obra/video es una pantalla. ¿Para qué? Para que el espectador también se transforme en una pantalla. 
Luego de la visita, lo más detenidamente posible, que me permitió mi cuerpo, sostengo que no se trata de ningún discurso: ni de la naturaleza, ni de la mujer, ni de la obra de arte, es solo una metonimia de imagenes sucesivas, y de pronto se produce un corte, y aparecen en la pantalla de la sala los titulos de la obra: lugar de realización, artista, nombre de la obra, fecha y demas. Y de una obra a otra me pregunto donde está la metafora, no puede darse por que en el aparato del lenguaje la metofora implica obligatoriamente no solo una falta, un cambio de registro, sino además un cierre, aquí ni siquiera el nombre de la obra: lineas de arena, forma, color snsación de las cosas, implican un nombre, son una manera de denominar. La denominación ocupa el lugar del nombre, donde la sucesión de cosas, de pantallas, ha ocupado el lugar de La Cosa. Así como en la obra de Louise Bourgois La Cosa, la cosa fantasmática, se instala mediante las celdas, las celdas con escenas de un fantasma de tejer/destejer, de textura, aquí en la obra de Jane Jones, el fantasma se ha hecho realidad, realidad de las cosas, de cosas banales: canicas, cortar y pegar, manchas, bastones para saltar, etc etc. La Cosa se ha fragmentado, se ha hecho 'cosita', el texto se ha transformado en palabras de cortar y pegar.
 
Referentes:
Kazuo Ohno
Tadashi Endo
Yong Gushin www.yonggushin.com
Robert Wilson

leer
De la Acción en la Performance a la Escena como Acción
leer articulo completo en pdf

Alberto Caballero, Barcelona septiembre del 2016

 

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LOUISE BOURGEOIS.
ESTRUCTURAS DE LA EXISTENCIA: LAS CELDAS
18 de marzo, 2016 – 4 de septiembre, 2016
Museo Guggenheim   Bilbao
http://bourgeois.guggenheim-bilbao.es/exposicion

tercera parte
Notas a la obra de LB
de la pasion por el cuerpo al cuerpo de la pulsión

August Rodin
Camille Claudel

La pasión va des.figurando la imagen del cuerpo, que viene del renacimiento y termina en el neoclasicismo (Aristide Maillol)


De la mujer a la performance
de Camille Claudel a Chantal Akerman
Alberto Caballero
Barcelona. 2013

 
De la escultura de la figuración, el cuerpo en tanto ideal
Henry Moore
Alberto Giacometti
Constantin Brancusi
 
 
 

En cuanto a los restos (de la figuración y de la narrativa)
Armand (frances tambien se nacionalizo americano)
Vostell
+ adelante
Chistian Bolstanski
 

 
 
 
No solo es construir espacios, lugares, como Richard Sierra, no solo es instalar restos, como hace Armand, sino lugares para instalar sus restos. No solo es hacer un lugar para la escultura (el monumento, el museo: Moore) sino la escultura como lugar, para narrar con los restos, podríamos decir es una narración a fragmentos.
 
 

Es una narración a fragmentos mediante objetos . ¿Lo que está fragmentado es el objeto? No, lo que está fragmentado es la narración. Si en la serie de pequeñas esculturas, de pequeñas instalaciones, los fragmentos se disponen segun el comisario, la narración la instala el comisario. Aquí encontramos un punto importante para el debate, la política del comisario es la interpretación, la interpretación que le da a los fragmentos, incluso podría decir a los fragmentos de 'una historia' que se presenta siempre inacabada. No son una serie de cuentos (Borges, Murakami) son fragmentos/cosa/imagen: casa, mujercasa, botella/campana, etc. Sino una sucesión de narrativas/imagenes que no llegan a construir una novela (Vila-Matas, Lobo Antunez, etc, Haneke).
 
 

 
 
 

Dichos fragmentos se refieren a una materia blanda, hasta ese momento (Moore, Brancusi, etc) se trataba de reproducir el cuerpo en materiales duros (bronce, hierro) que permanecieran con el tiempo, LB como si de tejidos se tratara, nos muestra no solo la fragmentacion del cuerpo, sino su fragilidad, su caracter blando. Lo vemos en otra serie, mas bien recuerda a la arcilla, y mas aun a excrementos, a tierra, etc.

 

Cómo se cierra toda esta suceción de fragmentos, que mantien su caracter propio, diferenciado, sin una narrativa que lleve al 'the end' de la novela, los instala en 'Celdas'. La celda tiene el caracter de envolvente, pero también de prisión, ya no es el sujeto que está en la prisión del lenguaje, sino son los objetos desprendidos del Otro que son envueltos, instalados, en dichas celdas. Una manera de anudar la serie de objetos (a1 a2 a3 a4 an ) en sugconjuntos: botellas, manos, trajes, bolas de cristal, mesas, etc. Sin perder su singularidad.




El valor fantasmático del objeto esta demostrado en cientos de estudios, no viene al caso retomarlo, ahora bien el valor fantasmático de las celdas, es indiscutible, pero creo sería cuestión de una investigación y un tiempo que las notas no me lo permiten.
Solo queda puntualizar el titulo de la exposición ESTRUCTURAS DE LA EXISTENCIA: LAS CELDAS , las celdas como estrutura o anudamiento de los objetos, ok, ahora que signifique la extructura de la exsitencia, da que pensar. Si entendemos la ex.sistencia como lo contrario de la in.sistencia, o sea lo que se extiende fuera, lo que ex, aqui parece que el sentido que le da LB es de encerrar, limitar, dar contención a una exsistencia que se desborda...se fragmenta, que se hace fragil. De pronto adquieren con.sistencia.

LAS MUJERES A LA PERFORMANCE X: DEL CUERPO Y EL LUGAR, DE LA EXTRACCIÓN A LA INSTALACIÓN: LOUISE BOURGEOIS

Escáner Cultural N° 170 | Junio - 2014


Alberto Caballero, Barcelona agosto 2016
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El cuerpo político, las políticas del cuerpo

Siguiendo con estas notas sobre 'el arte de la política, las politicas del arte' aprovechamos la visita al Centre Pompidou en Málaga, no solo para visitar las instalaciones del museo, entre un cubo de luz que sale de las entrañas a un paisaje que se refleja en su interior, es una nueva marca en el paisaje de Málaga.

Centre Pompidou Málaga

presentación 2015- 2017

http://centrepompidou-malaga.eu/coleccion/el-cuerpo-politico

Ofrece un recorrido por el arte de los siglos XX y XXI con casi 90 obras selectas de la incomparable colección del Centre Pompidou, una de las dos más importantes del mundo moderno y contemporáneo. Este recorrido por la historia del arte de nuestra época, renovado cada cinco semestres, se nutre cada año, también, de dos a tres exposiciones temporales.



 

sí, el Cubo que acoge el Centre Pompidou Málaga se convierte en una instalación viva, participativa, en la que los talleres, actividades formativas y de difusión generan un fuerte sentido de comunidad creativa. Este equipamiento reafirma, entre sus misiones y prioridades, constituir una plataforma de intercambios entre la sociedad y la creación contemporánea.
La colección
EL CUERPO POLÍTICO

Las mujeres, ausentes durante mucho tiempo del paisaje artístico, imponen su visión del mundo, alternativa y rebelde contra el orden patriarcal, a través de la imagen escenificada de su propio cuerpo. Orlan ridiculiza el estereotipo de la mujer objeto (Le baiser de l’artiste. Le distributeur automatique ou presque nº 2 [El beso del artista. Distribuidor automático o casi nº 2], 1977/2009) cuyo cuerpo, exhibido y lustrado, se vende como un coche (Peter Klasen, 1967). Sus parodias del cuerpo - máquina tragaperras evocan a un Eros contemporáneo con una función de objeto de consumo corriente.

Annette Messager, cercana a la corriente de las “mitologías individuales”, utiliza un dispositivo violento ficticio (catorce vitrinas de pájaros disecados con pañales como bebés o muñecas) para plantear las pulsiones mórbidas de la infancia. Otras mujeres artistas, comprometidas con movimientos activistas feministas, utilizan la fuerza política del cuerpo en representaciones filmadas. Los happenings catárticos de Carolee Schneemann, inscritos en el body art (Body Collage [Collage del cuerpo], 1967) o de Ana Mendieta (Untitled. BloodSign 2 Body Tracks [Sin título. Marca de sangre nº 2/ Huellas del cuerpo], 1974) amplían los límites del cuerpo por medio de danzas ceremoniales profanas. Barbed Hula (Hula Hoop de púas) de Sigalit Landau, cuyo cuerpo desnudo, cercado por una alambrada de espino, se arremolina en una playa de Tel Aviv, al ritmo hula hoop sacrificial, es la imagen misma de una frontera magullada por la guerra, ensangrentada por la historia.
 
 
 

Barcelona, alberto caballero, 8 junio 2016fotos de juan argüello
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museo picasso de malagaMural. Jackson Pollock
La energía hecha visible

21 Abr. 2016 - 11 Sep. 2016

 
 


"En torno a Mural, la exposición reúne una selección de 41 obras, entre las que se encuentra una selección de pinturas de Pollock, así como obra de otros creadores como Adolph Gottlieb, Lee Krasner, Roberto Matta, Robert Motherwell, David Reed, Antonio Saura, Charles Seliger, David Smith, Frederick Sommer, Juan Uslé y Andy Warhol. Entre las obras expuestas se muestra una selección de fotografías de autores como Herbert Matter, Barbara Morgan, Aaron Siskind and Gjon Mili, que indagan en la relación entre la obra de Pollock y la denominada fotografía de acción."


"De esta forma, el Museo Picasso de Málaga vuelve a abordar las variables en clave de antagonismos o efectos que la obra de Pablo Picasso manifiesta en artistas de generaciones posteriores, desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad. Continúa así con la línea expositiva iniciada con las exposiciones como las de Bill Viola (2010), Martin Kippenberger (2011), Richard Prince (2012) o Louise Bourgeois el año pasado, reseñada por los críticos como una de las mejores exposiciones en España de 2015
  Quisiera agregar algunas notas de mi articulo, antes de la visita a la exposicion de Pollock en Malaga, como apuntes previos.
Del accionismo en la pintura a la acción con el cuerpo.
Los Accionistas Vieneses,Yves Klein y Jackson Pollock
Alberto Caballero
"Él no puede asesinar al Otro, dice “no podré contigo”. El Otro es Picasso. Pero, si produce un cambio radical, hasta Picasso, el arte estaba sostenido por la palabra, la representación; la palabra sostenía la imagen, palabra e imagen era lo mismo, la palabra sostenía el discurso del artista. El artista está sostenido por un discurso del que forma parte: primero, el de la religión; luego, el de la ciencia, etc. Pollock se da cuenta de que lo que él dice no se sostiene… quema la casa, quema el taller, está presionado a pintar, a exponer, a dar entrevistas de prensa, pero él no puede sostener todo esto. Ya la imagen no está sostenida por el significante. Lo que cae en Pollock es la cadena significante: se rompe la cadena simbólica y, entonces, se produce un delire (un delirio), algo dado a leer, un delirio persecutorio, paranoico.
La imagen ya no está para ser vista. Toda la teoría de la mirada cae; entonces, se introduce una obra para ser leída: la operación no es mirar, sino leer. ¿Cómo es una obra para ser leída? ¿Qué se lee? Lo escrito. Pollock salta de la pintura de la representación para ser vista a la pintura para ser leída, como una escritura. La letra, está escrito - no está escrito, será ahora un arte de la escritura; el operador nuevo será la escritura, el aparato de la letra va a ocupar el aparato de la imagen.
 
Lo que me queda cada vez mas claro que los tres grandes exponentes del arte americanos han sido Jackson Pollock, John Cage y David Lynch. Por el valor de ruptura, no solo con el sistema, sino con el sistema del arte, sino con el valor de un aporte absolutamente singular: de la pulsión a la letra. Por ir directamente a la pulsión, con el riesgo que ello significa para el sujeto y por una realización a la letra, mostrandonos la angustia, la soledad y las marcas en directo, de una sociedad desbarrada y de un sujeto desbarrado.

Después de la visita: del accionismo a la instalación (el comisariado)
 

 
Aclaraciones previas. El después: Cada vez queda más claro que por un lado está la obra del artista, en este caso obra pictórica, luego pueden surgir algunas lecturas o realizaciones paralelas, como fotografías, videos o películas (como en este caso), luego se agregan entrevistas, escritos propios del artista, etc, y así lecturas de los críticos, teóricos, historiadores, e incluso filosofos, sociologos, incluso lecturas políticas, psiconalíticas, no solo de la obra del artista, sino del artista mismo. El artista se convierte en producto. Es el caso de esta artista americano. De pronto la obra y el artista se convierten en americano, europeo o ruso, etc. El antes. En este caso singular y en otros (no muchos) surge la incognita del antes de la obra, el proceso singular del artista se convierte en algo igual o más importante que la obra (producto) o que el artista mismo. Los ejemplos son muy contados, señalaré los que para mi hacen a América, a lo americano: Jackson Pollock, John Cage y David Lynch, esta triada no señala solo el producto de cada uno, no señala la singularidad del artista, sino la deconstrucción que realizan, o mejor dicho la destrucción de la modernidad para entrar en una etapa nueva: la fragmentación a la letra.
 
Aquí en particular lo que interesa siguiendo con esta serie de cuestiones relacionadas con 'El arte de la política y las políticas del arte', es el proceso posterior a la obra-producto. En el caso de Pollock es muy claro: primero pasar de pintar a exponer: la galeria, las colectivas, las individuales. A esto se suma el critico del momento, el articulo de prensa, el publico, los comentarios, etc. Ya se pone en marcha las politicas del arte, no solo la politica del artista con su obra, sino de la politica-mercado del momento con la obra del artista: la obra se convierte en producto de mercado. 'Compre esta obra por 1.500$ que la venderá a 100.000 $' palabras del propio Pollock a un espectador de su obra. El valor de la obra en tanto valor de mercado. Aquí nos volvemos a encontrar con el valor agregado: la obra ya no tiene valor en tanto valor estético sino tiene valor en tanto valor de mercado y su significación como obra AMERICANA. Esta es la coyuntura Pollock. Y alli su encuentro con Peggy Googemheim* y otras galerista de la NY del momento. Las galeristas, los coleccionistas ya determinan el valor de la obra. ¿Pero sucede los mismo con el valor del artista? No. Hay obra que se vende sustancialmente, o sea dan cuatiosos veneficios y no significan mucho para el aparato del arte por si mismo. Al contrario hay otras como el caso de Erik Satie y por que no el de John Cage, para la música, no hay tenido demasiado exito mediatico o de mercado y nos han deja una herida importante para el proceso de la humanidad: el silencio.


El caso de J Pollock es singular, también tiene un antes y un despues, muy semenjante a lo que significa James Joyce para la literatura universal, son dueños de un proceso singular, no solo de una obra singular: de pronto se produce una catástrofe, un desprendimiento, y por consiguiente una producción en cascada, una lluvia, un chorreo. Luego del desprendimiento de los valores en uso hasta el momento, se produce un salto sin antecedentes.

alberto caballero, barcelona 17 de junio de 2016
fotos de Juan Arguello
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EXPOSICIÓN

ANDREA FRASER. L’1%, C'EST MOI

MACBA Museo de Arte Contemporáneo Barcelona
22 abr. al 04 sep. 2016

Bienvenido Mr. Marshall "Americanos"
Alberto Caballero

 
primera parte
"el arte de la política, las políticas del arte"
"Adorno y Horkheimer consideraban que la racionalidad de la industria cultural era la racionalidad del dominio mismo. En la eterna repetición de la vida cotidiana cae triturada la imaginación de pensar y pensarse en un lugar distinto que no sea la lógica del mercado." Andrea Trotta
Me lleva a reflexionar no solo sobre cómo hemos pasado de 'la cuitura' a la industria cultural, como dice el termino algo que se produce industrialmente, o sea la revolución industrial. Ahora estaríamos en la revolución tecnológica. ¿Qué ha pasado con el arte? Repito hemos saltado de la representación a la acción y ahora en la era tecnológica de la acción a su registro, a su registro digital. Si lo que nos atañe es el arte: lo que nos deja el artista como producto, y no la cultura como sintoma de una determinada sociedad: egipto, roma, la edad media, el renacimiento, etc.etc. Lo que nos tiene perplejo es como el artista ha dejado como fundamental para su hacer a la acción y está preocupado por el registro, claro es que la acción es efimera, no entra en el mercado, y sobretodo no se vende, el registro si.
Por otro lado en esta caida de la representación ha caido la crítica, la critica frente al surrealismo, al dadaismo, al expresionismo aleman, caida con un fracaso estrepitoso, no ha hecho ningun aporte nuevo con respecto al arte. Pollock y su enfrentamiento a la critica del momento, Bacon y sus criticos, periodistas especializados y demás. Como en el caso de 'la mujer' el arte sigue siendo un misterio.
Ahora con la caida de 'la acción' han surgido 'los curadores', que intentan reagrupar obras, artistas, organizar retrospectivas, usan lo que ya se denomina 'restos' para poder instalar en museos y demas, y por consiguiente poder entrar en el mercado del arte: galerias, bienales, etc. Estamos en el dominio de 'los curadores', los curadores del arte, no solo como instalan, sino como leen, como escriben, como publican, como dirigen las instituciones, como orientan el mercado.
Pero por qué el arte se ha transformado en arte de la critica, en arte de la comunicación, en arte de las intituciones mismas, en arte de las bienales, es como haber pasado del arte del sujeto (artista) al arte del Otro (del Gran Otro), no solo que la institución se apodere del arte, sino es la que produce arte. Y los artistas son los curadores, los gestores, los directores, etc.etc.
Esto me pasa con Andrea Fraser, es comunicadora, es guia de museo, es critica, habla en público, da conferencias, hace entrevistas, etc. ah es americana, no olvidemos los antecedentes sajones: John Cage, Alf Foster, y toda la camarilla del momento, anglos como Iris Murdock, y sobre todo Margaret Tacher, el poder de la comunicación, no es lo que se dice sino como lo dice. Esto es arte? Tengo que vivirlo y pensarlo. Lo importante es como las intituciones, en espejo, buscan este tipo de reflejo sobre si mismas. ¿y el arte donde ha ido a parar? A la papelera, hacer con los restos.

En cuanto Andrea Fraser artista, no olvidemos a Marina Abramovic en el MOMA, a Orlan, a Gina Pane, a Lygia Clark... y ultimamente a Sophie Calle...también la he visto en la cama, y en público. Pornografia nada, y pornografia como arte nada. Les prometo una segunda nota, ya que todavía estoy contrariado y no me recupero de la sorpresa.


La critica a (en) la institucion

Angela molina: Fraser_ “El cuerpo está siempre en juego” _ Babelia _ EL PAÍS.html
http://cultura.elpais.com/cultura/2016/04/27/babelia/1461772482_373675.html

El video porno del macba...Roberta Bosco
el pais sabado 23 de abril de 2016 pagina
http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/04/22/catalunya/1461356412_565660.html

"La critica institucional a la institución de la critica"


Andrea Fraser



Editorial XXI
Colección: Serie Zona Crítica

Notas sobre la crítica institucional
Traducción de Marcelo Expósito, revisada por Joaquín Barriendos
Simon Sheikh

http://eipcp.net/transversal/0106/sheikh/es

Critica ymetacomentario 5/27/2013
Resumen de una conferencia sobre la crítica institucional en la era neoliberal

http://peioaguirre.blogspot.com.es/2013_05_01_archive.html

El pasado 6 de mayo ofrecí una conferencia en el Museo Macba de Barcelona. En un post en este mismo blog había recuperado un texto del año 2000 que ofrecía algunas claves para entender el contexto artístico y económico de los años 90. Ahora añado el resumen de dicha conferencia realizado por Rosa Lleo Ortin, quien también ha realizado una bibliografía temática sobre estas cuestiones que se puede encontrar aquí.

Momentos culminantes en el museo: de la crítica institucional a la contextualización de la producción

"La línea de producción de la crítica"

Autor/a: Peio Aguirre

Editorial consonni, 2014

¿Cuáles son las condiciones de producción de la actividad de la crítica? ¿Cuál su función en un tiempo que privilegia la comunicabilidad y la accesibilidad por encima incluso del contenido? ¿De qué modo escribir crítica de arte cuando ya no existe la distancia crítica? Éstas y otras preguntas subyacen en este ensayo que expone a la crítica dentro de la cadena de montaje del mercado, la industria cultural/editorial, la academia y los medios de comunicación. La crítica sobrevive hoy bajo al mandato de la rentabilidad y la publicidad olvidando sus antaño elevados objetivos transformadores. Un recorrido por su historia y la observación de sus mutaciones puede ofrecernos una radiografía del capitalismo tardío y sus consecuencias más recientes, para a continuación reactivar todo su potencial.

Ignacio Echeverria

Monólogo dramático

El Mundo/El cultural 1-04-2016 pag 25

El premio de la crítica

El Mundo/El cultural 6-05-2016

Fraser y la responsabilidad

El Mundo/El Cultural 20-05-2016



Conversaciones con futuro | Benjamin h. d. Buchloh

La crítica de arte ha perdido totalmente su función”

El historiador del arte reflexiona sobre la pintura en la era digital y la dictadura del mercado




no olvidar como referencia:

Susang Sontag

Contra la interpretacion y otros ensayos

Estilos radicales
Al mismo tiempo: ensayos y conferencias
segunda parte: "pensar el arte, el arte de pensar." a Santiago Cao
tercera parte: "De la performance a la pornografia"
seguir leyendo en pdf y en Escaner Cultural


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Alberto Caballero, Barcelona mayo 2016

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museo picasso de malaga
Mural. Jackson Pollock
La energía hecha visible
21 Abr. 2016 - 11 Sep. 2016
De más de dos metros de alto por seis de largo (242,9 x 603,9 cm) Mural fue la respuesta de Jackson Pollock a un encargo de la galerista y coleccionista Peggy Guggenheim, quien deseaba una obra para su residencia que, a la vez, subrayara su apoyo a los jóvenes artistas americanos que había comenzado a mostrar en su galería. El encargo se formalizó en julio de 1943 y el resultado es una obra clave en el desarrollo del arte moderno norteamericano por una combinación única entre la energía de su pincelada, la libertad de los trazos, el tamaño del lienzo y una singular abstracción en la que deja espacio para una sugerencia abierta de formas. A propósito del tema, Pollock indicaría años más tarde: “Es una estampida... […] Cada animal en el oeste americano, vacas y caballos y antílopes y búfalos, todos a la carga a través de la maldita superficie”.
Si tenéis interés seguir leyendo en la pagina del museo, por lo demás no estamos de acuerdo: primero lo de 'la energia' , se trata de la pulsión, la pulsión de pintar, el goteo. Segundo intentar buscar representaciones 'a lo americano' donde no la puede haber. Es todo lo opuesto a Picasso, del que se trata de la des estructuración de la representación, y en el caso de Pollock es directamente el goteo, lo real en directo. Picasso es el último de los clásicos del siglo XX, Pollock es el primero de los modernos, donde lo real actúa directamente sin estar mediado por la representación, imaginaria. Lo real en tanto goteo, lo real en tanto color, lo real en tanto sin.sentido, lo real en tanto falta de significación. Cuidado con los críticos, están hambrientos de sentido, de razón histórica y no aceptan los cortes fundamentales que se han realizado en el siglo XX y ahora en el XXI. En tanto al o los museo Picasso, el valor ético de ponerlo como punto que cierra y que abre a los nuevos horizontes, por un lado Pollock y por otro Jean-Michel Basquiat, pero esto sería asunto de otra nota.
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LOUISE BOURGEOIS. ESTRUCTURAS DE LA EXISTENCIA: LAS CELDAS
Museo  Guggenheim- Bilbao
18 de marzo, 2016 – 4 de septiembre, 2016

“El espacio no existe; es solo una metáfora de la estructura de nuestra existencia”. Louise Bourgeois
"Louise Bourgeois (1911–2010) es una de las artistas más influyentes del siglo xx. Trabajando con una amplia gama de materiales y formas, creó un corpus de obras que abarca más de siete décadas. A lo largo de su dilatada carrera como artista, Bourgeois desarrolló conceptos e innovaciones formales que posteriormente se convertirían en cuestiones fundamentales del arte contemporáneo, como el uso de instalaciones ambientales y formatos teatrales, así como su aproximación al psicoanálisis y al feminismo. Sus singulares formas escultóricas, sus magníficos dibujos y su obra gráfica son únicos. Entre las creaciones escultóricas más originales y sofisticadas de su extensa obra se encuentran las Celdas, una serie de espacios arquitectónicos que abordan un amplio espectro de emociones. Las Celdas, creadas a lo largo de dos décadas, presentan microcosmos individuales: cada Celda constituye un recinto que separa el mundo interno del exterior. En estos singulares espacios, mediante la disposición de objetos encontrados, prendas de vestir, muebles y esculturas, la artista configuró escenografías que poseen una fuerte carga emocional. Incluyendo las cinco piezas precursoras de la serie, que se inició en 1986 con Guarida articulada (Articulated Lair), Bourgeois creó aproximadamente 60 Celdas a lo largo de toda su trayectoria. Esta exposición constituye la presentación más amplia realizada hasta la fecha de este conjunto de obras."
leer mas en: http://www.geifco.org/Ediciones_PRO/libros.htm
De la mujer a la performance
de Camille Claudel a Chantal Akerman
Alberto Caballero
Barcelona. 2013
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Cos-Mon

METANOEO                                                                            

NÁSTIO MOSQUITO

EACC Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón

24-04-2016

 


Cos-Mon en catalán quiere decir cuerpo mundo, la resonancia lleva de uno al otro, y del otro al uno. Con esto quiero decir que el cos puede ser el mundo y el mon puede ser el cuerpo, el cuerpo donde vivo y el mundo donde habito. Por un lado quiero subrayar que el yo, el yo donde vivo, no es el cuerpo, el yo es algo externo al cuerpo, por ejemplo cuando digo yo pinto o yo bailo. El yo es un otro que baila, un otro que pinta. De allí que este yo en tanto externo habita un cuerpo y habita un mundo.Aquí surge la pregunta que si el yo es una imagen, y en tanto una imagen es externa, el cos también es una imagen, y el mundo es una imagen que cada uno construye, por lo tanto no definitiva. O sea el mundo no-existe ya que cambia permanente, lo construyo permanentemente, si el yo fuera fijo y el mundo también estariamos o congelados o petrificados. De allí el gran invento de la historia (desde Hegel) o de la narración (dicen que desde Cervantes), invento en tanto no existio desde el principio de los tiempo, y ha muerto no hace mucho, estamos en el fin de la historia y en el fin de la narración. No se trata de un relato continuo, nunca más, nos han quedado fragmentos, fragmentos del Cos, fragmentos del Mon.
El mon (mundo) como pantalla


Por otro lado estan los aparatos, los grandes aparatos del arte, el aparato de la perspectiva, el aparado de la imagen, el aparato sonoro y no hace mucho el aparato de la acción, cae uno y va surgiendo otro, como en las matemáticas, la física o la biología, la lógica sigue su proceso, no perder esto de vista, es la lógica que nos guía y no nostros a la lógica. Ahora estamos en la lógica de la acción, no solo en el arte, en la política, en la música, en la educación, incluso en lo social es una sociedad abocada a la acción. Nuestra visión del Cos y del Mon está referida a esta lógica de la acción, no se trata de un viaje, de una secuencia en el mundo, no se trata de una secuencia de imagenes del cuerpo, sino acciones sucesivas, la pantalla ha quedado reducida a un orden determinado donde se ha incorporado la letra, el digito, un Gran Otro que es la net....internet.
Aquí podemos pensar en otra logica, antes deciamos interior.exterior, el mundo interior el mundo exterior, ahora podemos decir la internet la externet, esta operación la descubrí disfrutando de la instalación METANOEO de NÁSTIO MOSQUITO en EACC Espacio de Arte Contemporáneo de Castellon. En una gran sala dividida por una balconada superior nos encontramos por un lado con el Mon, a la entrada misma de la instalación y del otro lado visionando desde la balconada el Cos, una sucesión de seis pantallas, orientables para dar profundidad 'a la cosa', nos muestra el desplazamiento del Cos en el espacio.

                                                                           El cos (cuerpo) se hace pantalla.

 


              

Pero realmente se trata del Mon que se hace Cos, no...sería facil, lo genial del artista es que nos muestra la sombra de lo que ha quedado del mundo y del cuerpo, sombras que son las sobras de un cos y de un mundo pérdido. No olvidemos que e Nastio Mosquito procede de Angola, las sobras de la colonización, las sobras de la música original, y las sombras del cuerpo en moviento. Lo original se ha transformado en digital. El CosMon ha quedado bajo la lógica de lo digital, o sea de la letra. Lo que vengo proponiendo hace mucho tiempo, la imagen ha quedado reducida a la letra, al digito. Un digito puede tener cos y puede tener mon, puede tener letra, imagen, silencio, intervalo, para el digital es lo mismo. El enorme salto que ha representado el digito en la imagen que tenemos del mundo africano, del arte tradicional africano con NM se ha transformado en universal, así la representación que nos recibe al entrar a la sala, el universo, un uni.verso al cos un uni.verso al mon.
  

                                                                


Del otro lado de la sala, el cos se ha transformado en información, in-forma de net, lo que él denomina el interior, es un inter.net, es un archivo de información por internet. ¿Cómo el mundo de la selva, del río, de la música, del baile, se ha transformado en información? ¿Qué ha pasado con lo Real, lo imposible de representar del cos y del mon? Se ha transformado en infor-mación, de la formación de la imagen a la formación del dato. El cos y el mon se han transformado en datos.








Alberto Caballero: notas a la exposición

Juan Argüello: reportaje fotográfico
24 de abril de 2016
 
 
 

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                                                                                 NM1
                                                                        24 de abril visita a: 
                                                                   NÁSTIO MOSQUITO
                                                                       METANOEO
                                     EACC Espacio de Arte Contemporáneo de Castellon
                                                 29 de enero-15 de mayo 2016"
                                            http://www.eacc.es/es/nastio-mosquito/
Nástio Mosquito es un artista multimedia, cuya actividad artística se ha desarrollado en el campo de la performance y la instalación, enfrentando en su trabajo a distintos estereotipos culturales y situándose él mismo en una posición central para problematizar tanto su identidad personal como la de su público. Protagonista de sus piezas audiovisuales, utiliza la confusión identitaria para plantearnos el modo como la «locura humana» se manifiesta en la vida moderna."
Nos preguntamos sobre el arte de acción en Africa, sobre la videoinstalación, sobre la producción de los artistas en su propio territorio. Tenemos noticias que en general las bienales africanas, como Marrakech, Cairo, Dakar, invitan artistas africanos que han nacido y/o viven en Europa o EEUU?????? No hay producción artística dentro del territorio? No hay eventos dedicados a la producción dentro del territorio? No hay galerias que se dedican a la producción? abrimos estas y otras preguntas
bienal de dakar: del 3 al 10 de mayo 2016
http://dakart.net/
bienal de marrakech 22 de abril 7 de mayo 2016
http://www.marrakechbiennale.org/
hasta aquí abrimos debate saludos alberto caballero

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parte XII

DG/LC/SCINSTALAR LO ESCRITO
(DE QUE ANUDAMIENTO SE TRATA)
 

La serie: 2014-2015 un año que he podido disfrutar de tres grandes exposiciones, tres grandes mujeres artistas, Dora Garcia en Venezia, Lygia Clark en Nueva York y ahora Sofhie Calle en Barcelona, de las dos primeras pueden encontrar link a losartículos que he podido escribir al respecto, modos diferentes de anudamiento, del tercero estoy recien en el momento de encuentro y de reencuentro con la obra, singular y cuantiosa, de un otro modo de anudamiento, entre la imagen y la escritura, entre el objeto y la letra, aqui van las referencias:

1. Dora Garcia: The Joycean Society, AQUÍ VIENE TODO EL MUNDO, Continuarración

>Reportaje de Alberto Caballero>De la escritura entre el arte y el psicoanálisis del síntoma al sinthome
intervención de Alberto Caballero. psicoanalista
EPFCL –Forum Psicoanalític de Barcelona Barcelona 6 de junio de 2014


2. Lygia Clark, en MOMA de Nueva York, se edita en escaner cultural nº174, en la serie 'las mujeres a la perfomance', en octubre de 2014. revista.escaner.cl/node/6969 luego en formato libro en: 'La protesis del deseo' Alberto Caballero, Barcelona 2014

3.Sofhie Calle, Modus Vivendi, Palau de la Virreina, Barcelona marzo-junio 2015www.bcn.cat/lavirreina
Sofhie Calle...siempre me la encuentro...
Sofhie Calle...siempre me la encuentro...
primera notas a un texto en construcción


Sophie Calle: relatos
Autor:Fundación La Caixa
Editorial:Fundación La Caixa
Año de Publicación: 1996

Aquí me doy cuenta que exposición, instalación implica libro/catalogo, como dos modos de escritura, en la pared (en el espacio) y en el papel, la letra impresa.

M'as-tu vue?,Sophie CalleRetrospective.Centre Georges Pompidou,
París, France. 2002

Aquí si me encuentro con 'todo' Sofhie Calle, una restrospectiva completa de su obra hasta el momento, con videos, fotografias, instalaciones, y sobre todo un catalogo completo.

Me encuentro con ella, algunos años después en un capítulo del libro de:

Enrique Vila-Matas
Exploradores del abismo
Anagrama 2007

Años más tarde recibo un correo electrónico que dice:

"En el espacio “Las tardes del Gatopardo” presentamos al autor de Exploradores del abismo, Enrique Vila-Matas, en conversación con el escritor Iván Humanes.

Fecha: miércoles 15 de enero de 2014
Hora: 19h30
Lugar: Laboratorio de Escritura

Enrique Vila-Matas conversará sobre el proceso de escritura de su cuento “Porque ella no lo pidió”, basado en su colaboración con la artista francesa Sophie Calle, incluido en su libro Exploradores del abismo. Al final se abrirá un diálogo con el público."

En esas busquedas por paginas de internet me encuentro con:

Sophie CALLE llega visita a la Argentina para el estreno de “Dolor exquisito”, un proyecto de Emilio García Wehbi y Maricel Álvarez, que se presenta en Beckett Teatro, a partir de sábado 17 de mayo.

Tambien dara una conferencia en El MALBA (Museo de Arte Latino americano de Buenos Aires) el martes 13 de mayo a las 19:00, para una conferencia-debate, abierta al público. Las entradas estarán disponibles a partir del jueves 8 de mayo en la recepción del museo, de 12:00 a 19:30. Se entregarán dos por persona, hasta completar la capacidad de la sala. Sophie CALLE es una artista plástica, fotógrafa, escritora y realizadora francesa. Nació en París el 9 de octubre de 1953. Desde hace treinta años, su trabajo consiste en hacer de su vida su obra, en particular los momentos los mas íntimos, utilizando todos los materiales posibles (libros, fotos, videos, films, performances, etc). Mayo 2008.



 

Nota de prensa: Acerca de Sophie Calle

Sophie Calle (París, 1953) utiliza la fotografía y el lenguaje para presentar historias y situaciones que recrean la vida cotidiana en el mundo de hoy. Su obra se centra en una interrogación constante sobre verdad y mentira, ficción y realidad, experiencia e invención, y entre lo privado y lo público, que constituye una de las claves centrales del pensamiento occidental.

Sophie Calle comenzó a exponer su intimidad al tiempo que se introducía en la de los demás fotografiando a gente de la calle (Filatures parisiennes, 1978/1979) o durmiendo en su cama, como el actor Fabrice Luchini (Les Dormeurs, 1979). Después se hizo seguir por un detective, comparando luego su informe con su propio diario (La Filature, 1981). Desde entonces no ha dejado de llevar a escena y de mostrar su vida y la de los demás, convocando al azar según reglas fijadas por ella misma, en una obra prolífica y multiforme, entre fotonovela, diario, confesión y diarios de viaje.

Cuando el escritor estadounidense Paul Auster se inspiró en ella para el personaje de María en Leviatán (1993) se fue a vivir a Nueva York como María, y después se plegó a las "instrucciones personales para Sophie Calle para mejorar la vida en Nueva York", redactadas por Auster a petición suya (Gotham Handbok, 1994), con la intención de fundir la ficción y la realidad.

En 2002, durante la primera Noche blanca parisiense, recibió acostada en su cama, en el último piso de la Torre Eiffel, a visitantes anónimos, quienes debían mantenerla despierta contándole historias (Chambre avec vue). En 2006, en el trayecto del nuevo tranvía parisiense, su obra consistió en llamar de vez en cuando a una cabina telefónica (Le Téléphone, obra del arquitecto estadounidense Franck Gehry, una escultura en forma de flor instalada en el puente de Garigliano) y hablar con quien descolgara.

La retrospectiva que le dedicó el centro Pompidou en 2003 y 2004 en París M’as-tu vue (Sin punto de interrogación) reveló su constancia en la búsqueda de la ausencia y de una catarsis a través del arte. La película No Sex Last Night(1992) y el libro Douleur exquise ya se basaban en el relato de rupturas o de amores decepcionados. En 2007, representó a Francia en la Bienal de Venecia con su trabajo Prenez soin de vous (Cuídate). En esta ocasión, convocó a 107 mujeres anónimas y célebres a interpretar una carta de ruptura amorosa según su profesión." de la nota de prensa

Por un correo recibo la noticia que está en Mexico:

Cuídese Mucho de Sophi Calle,
un proyecto creado para el Pabellón francés de la Bienal de Venecia 2007.

MARCO Monterrey y el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico
octubre 2014, Febrero 2015



 

"El Museo Tamayo Arte Contemporáneo presenta la instalación Cuídese mucho (Prenez soin de vous), de la artista conceptual Sophie Calle, obra aclamada por la crítica internacional y realizada para el pabellón francés de la Bienal de Venecia en 2007. Para esta instalación, la artista de origen francés se inspiró en un correo electrónico que le fue enviado por su entonces pareja, en el cual él daba por terminada su relación amorosa y finalizaba con la frase que da título a su obra. Sophie Calle decide invitar a mujeres de distintas profesiones para que realizaran un análisis de la carta, cada una desde el punto de vista de su disciplina. En total se reunieron las interpretaciones de 107 mujeres dedicadas al periodismo, corrección de estilo, actuación, canto, danza, filosofía, psicoanálisis, entre muchas otras áreas. El resultado de este ejercicio es la radiografía de una ruptura que meticulosamente disecciona cada significado posible a las frases de un mensaje de despedida, a través de un compendio de retratos fotográficos, estudios por escrito y actuaciones en video que examinan las posibilidades de las emociones humanas y expresan ideas sobre el amor, el dolor, el sexo, el trabajo, la intimidad y la identidad."

 
 



 
Dice la nota de prensa: "Calle había pasado muchos años viajando por el mundo y al regresar a Francia no sentía ninguna conexión con su país, fue cuando comenzó a seguir a desconocidos en la calle para observarlos detenidamente y saber lo que hacen en su vida diaria. Pero Calle no se conformó con solo seguirlos, ella llevaría la labor de observador o espía hasta las últimas consecuencias, tomando nota de lo que hacían estos individuos y después ilustrando esas notas con fotografías que terminarían expuestas en galerías y centros de arte.

Su primer trabajo “Les Durmeurs” o los durmientes documentaba a desconocidos durmiendo en su propia cama.

Pedí a algunas personas que me proporcionaran algunas horas de sueño. Venir a dormir a mi lecho. Dejarse fotografiar. Responder a algunas preguntas. Propuse a cada uno una estancia de unas ocho horas, la de un sueño normal. Contacté por teléfono con 45 personas: desconocidos cuyos nombres me habían sido sugeridos por conocidos comunes, amigos y habitantes del barrio llamados para dormir de día, (…) Mi habitación tenía que constituir un espacio constantemente ocupado durante 8 días, sucediéndose los durmientes a intervalos regulares. (…) La ocupación de la cama comenzó el 1 de abril de 1979 a las 17 y finalizó el lunes 9 de abril de 1979 a las 10, 28 durmientes se sucedieron. Algunos se cruzaron (…) Un juego de cama limpio estaba a su disposición (…) no se trataba de saber, de encuestar, sino de establecer un contacto neutro y distante. Yo tomaba fotos todas las horas. Observaba a mis invitados durmiendo.

El principal interés en la obra de Sophie Calle es la intimidad, incluyendo la propia: alguna vez planeó que la siguiera un detective a todas partes. Los reportes elaborados por el detective también se convirtieron en arte.

“A petición mía, durante el mes de abril de 1981, mi madre se acerca a la agencia . Pide que me sigan y reclama una relación escrita de mi empleo del tiempo y una serie de fotografías prueba de mi existencia.”

Durante más de 30 años la obra de Calle se ha basado en escenas de su vida personal. La artista no esconde su vulnerabilidad humana, por el contrario, la expone utilizando todos los medios a su alcance para hacerlo con la mayor fidelidad posible. El video, la fotografía, las grabaciones y las publicaciones editoriales son parte de los recursos que ha explotado para acercarnos a sus mas profundos deseos y motivaciones, así como al rechazo y el abandono que ha experimentado."

Es ahora en el 2015 que recibo la noticia de una exposición dedicada a Sohie Calle en Barcelona, Modus Vivendus, con obras conocidas y otras no...de allí no paro de encontrarme con ella.

Sofhie Calle, Modus Vivendi,

Palau de la Virreina,
Barcelona marzo-junio 2015
www.bcn.cat/lavirreina

 

Con una primera visita vuelvo a plantearme la pregunta si es una exposición de imagenes, que lo es, o es una exposicion de libros, que lo es, o es una exposición de fotografias/escrituras, que lo es.
 

 
En una reciente visita al CGPompidou, en una galeria dedicada a exposiciones permanentes del fondo de colección, entre las distintas líneas que se han seleccionado como lectura del arte contemporaneo, me encuentro con una pequeña sala dedicada a 'exponer la intimidad' con obras de sofhie calle. O sea se considera una líne propia, como lo es el conceptualismo, el minimalismo, el archivismo, la fotografía documental, el arte/objeto, el arte/diseño, etc.etc. Oh¡¡¡ Exponer lo intimo, hacer de lo intimo una exposición, me sugiere todo lo contrario que salir a ver el exterior, como han hecho los impresionistas, dejar la oscuridad de los salones, las escenas intimas, los personajes en su intimidad, para abrir las ventanas, salir al campo, meterse en el paisaje, descubrie el afuera. Aquí la propuesta es todo lo contrario, volver a la intimidad, dejar ver el adentro, exponerlo, pero de otra manera, con otro formato. No se trata ya del sujeto en tanto expectador de lo que lo rodea, sino como ve, como siente, como se dispone el sujeto frente a lo que le sucede.

La última noticia sofhie calle en buenos aires:

Primera edición de la Bienal de Performance 2015

Marina Abramovic, Marta Minujin, Laurie Anderson, Sophie Calle, Tania Bruguera, Nicola Costantino, Jorge Macchi, Amalia Pica y muchos artistas más protagonizarán la Bienal de Performance, un evento de nivel internacional que tendrá lugar este otoño en diferentes espacios de la ciudad, la provincia de Buenos Aires, Neuquén y San Juan. Entre el 27 de abril y el 7 de junio de 2015 tendrá lugar BP.15, la primera edición de la Bienal de Performance de la Argentina.








 
 

Fotografia, narración, teatro, imagen, instalación, ediciones, ahora performance...la escritura da mucho de si, mucho que pensar...hasta la proxima barcelona abril 2015

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parte XI

retrospectiva IV
Ramón Guillen-Balmes
escritura-escultura: entre el cuerpo y la prótesis

Hago extensiva esta invitación:




LiaisonsRamon Guillen-Balmes
Del 22/10/14 al 23/01/15
Espai La NauU de l'Escola Llotja
Seu Sant Andreu
C/ Pare Manyanet, 40
Barcelona
> catálogo en pdf

"Reunir en un mismo espacio y por primera vez , más de 30 obras de Guillen- Balmes en un formato que permite incorporar los apuntes y los dibujos, una magnífica muestra de lo que fue el carácter relacional y cercano del artista; da sentido y cumple todos nuestros objetivos : exponer obra de un ex alumno de la escuela , que se convirtió en extraordinario artista y que además, compaginó su labor creativa con la docencia en la vecina escuela Massana con coherencia y generosidad. Pero lo que ahora es importante, es que el tiempo reafirma una vez más la vigencia de su obra , cargada de un espíritu transformador , que se mantendrá en el tiempo en sus arqueologías de artista"

Recordemos que nuestro primer contacto con el artista RGB fue debido a una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona:

Introversions
Aspectes de la col.lecció
Febrero- agosto de 1997
MACBA
Museu d'Art Contemporani
de Barcelona

http://www.macba.cat

Debido a esto GEIFC organizó un encuentro que denominamos: "Intro/versiones del objeto"

Intro/versiones del objeto
MACBA, Barcelona, 1997
GEIFC
Grupo de Estudio e Investigación
de los Fenómenos Contemporáneos

http://www.geifco.org
Invitados por Mecad e.journal colaboramos en la redacción del nº8 dedicado al artista:

MECAD Electronic
e-journal8
Intro-versiones
Prótesis y otras extensiones

http://www.mecad.org

Con artículos de:
Núria Clusellas
Annalisa Sassano
Diego Rodríguez Pietro
Claudia Giannetti
Alberto Caballero
Zulema Moret
Para concluir tuve el honor de realizarle una entrevista:
Arqueología de Artista
Entrevista con Ramón Guillén-Balmes por Alberto Caballero

Alberto Caballero: ¿Qué significó para ti “Arqueología de Artista” y el MACBA en aquel momento?
Ramón Guillén-Balmes: “Arqueología de artista” era fruto de una vertiente del trabajo en que el proceso era mucho más libre y fluido. Durante años he necesitado esto: el juego directo; trabajar de una manera más directa con el inconsciente, con la intuición. Cuando el dibujo o el pequeño objeto en tres dimensiones surge en tanto que “objectum”, yo soy el primero que descubre.

“Arqueología de artista” quería ser eso: un trabajo donde el autor es el primer observador, el primero en comprender aquella forma nueva, validándola y asumiéndola. Posteriormente, y sin ningún ánimo de clasificar, los objetos eran expuestos de una forma más o menos ordenada en la pared. Lo que se dio en el MACBA fue una colección de piezas de diferentes años, unos noventa objetos que se ofrecían para una lectura libre. “Arqueología de artista” me sirve para comprobar si la forma va cambiando de dirección.
 
                                                                                                                               
Alberto Caballero. Barcelona, octubre 2014




parte X
La performance hoy
retrospectiva III (segunda parte)
Lygia Clark
arte & investigación: el arte de hacer banda

1.
Lygia Clark
octubre diciembre 1997
Fundació Tapies, Barcelona, España
“ La obra de Lygia Clark (Belo Horizonte, 1920 - Río de Janeiro, 1988) propone un cambio profundo, un salto conceptual con implicaciones a largo alcance para el arte, la cultura y la vida en general. La actividad de Clark, especialmente desde 1963, busca el desplazamiento y la deconstrucción de los conceptos de artista, obra y espectador, conceptos que transforma de manera individual y en sus interrelaciones. Manuel J. Borja-Villel, Nuria Enguita Mayo Luciano Figueiredo (comisarios)”












2.
Lygia Clark: una retrospectiva
septiembre noviembre2012
En Itaú Cultural, Sao Paulo, Brasil
www.artishock.cl/2012


 
 
3.
Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988
mayo agosto del 2014
Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)
By Cornelia Butler and Luis Perez-Oramas
www.moma.org
 La retrospectiva en el MoMa está dividida en tres grandes partes:

1 de la primera abstracción hasta 'los módulos' (el espacio)
2 de los módulos hasta 'los bichos' (los objetos)
3 de los objetos relacionales a los objetos transicionales (el cuerpo)

El eje transversal de la obra de Lygia Clark es sacar al cuerpo (la figura) del espacio de la representación (Mondrian), el conflicto fondo/figura y llevar el espacio por un lado (la abstracción) y el cuerpo por otro (la performance). Se trata de un proceso operativo y simbólico singular. El espacio se ha quedado sin cuerpo (figura) que representar, y el cuerpo se ha quedado sin espacio donde ser representado. De un real que estaba mediado por lo imaginario (la imagen) y por lo simbólico (la perspectiva), surge un real (irrepresentable, no imaginarizado). El espacio se queda sin operador simbólico (la tercera dimensión, la geometría descriptiva, la perspectiva), ahora se trata desde la superficie, se aplana, vuelve a la segunda dimensión, y el cuerpo se queda por un lado sin imagen que lo represente, se presenta, se encarna, y sin espacio para representarse, ahora tiene que ocupar un espacio/tiempo, un espacio que se modifica con el tiempo, desde donde el cuerpo se presenta nuevamente encarnado.
Este proceso no solo es operativo simbólico sino se trata de un goce (la Juissance), de operar un modo de goce y la significación que este tiene en la obra de LC. Primer momento de goce, dejar fuera toda representación y trabajar solo con la pintura, el material mismo, el color como lo real, para aplicarlo al estudio de la superficie y de la construcción del espacio en la superficie. De entrada ya nos encontramos con las dos variables fundamentales ‘el arte’ y ‘la investigación’ que permanentemente hará banda en toda la obra de LC, ahora primero es arte, ahora primero es investigación. Es una obra singular donde el sujeto (artista) y el objeto (la obra) también hacen banda (Banda de Moebius): la extracción del objeto y la juissance (goce) de objeto. Lo que coloca a la artista entre la identificación y la angustia, ahora se identifica como artista, ahora rechaza tal identificación, ahora se identifica como investigadora, ahora lo rechaza, se coloca del lado del arte, este borde, como el borde de la banda, hace de la obra de LC un ejemplo extraordinario en la historia no solo del arte sino del hacer de la modernidad, ella habla de los neo.concretos, de la Bauhaus, del racionalismo, de la abstracción. Singular desde una posición femenina, ahora se incluye, ahora los rechaza y produce el paso siguiente, otra vuelta del sujeto otra vuelta de la banda.
No pinta, estudia la superficie con la pintura, no corta/pega sino hace un arte de cortar y pegar, no presenta el cuerpo (como en la performance) sino investiga las relaciones, los objetos, las dependencias y las separaciones, entre los cuerpos, entre los sujetos espectadores.
Sostengo estas tres etapas fundamentales en la obra de LC donde no se puede entender una sin la siguiente y la siguiente sin la anterior, una manera de pasar nuevamente por la banda, una manera de entrelazar estas tres bandas: la superficie, el corte y el cuerpo. Siempre por una banda, la banda del sujeto: extraer el objeto de la superficie (la modernidad), extraer el objeto del corte de la banda, la investigación, extraer el objeto del cuerpo (la performance). Y todo esto a través de una análisis propio (psicoanálisis), de un análisis de las teorías formales y conceptuales de la época, además del estudio de las teorías sobre el sujeto que dominaban en ese momento.
Desde el primer momento trata de anudarlo bajo el estudio de la superficie y del color, cernir el objeto a través de tres superficies/color.


 

En un segundo momento en la investigación de la superficie, construye la banda y señala los cortes:


 

En un tercer momento, es con el ejercicio del corte, de la articulación y del plegado para construir el cuerpo/el volumen de ‘los bichos’:

 
 
Por último, en un cuarto momento, es el reencuentro con aquel objeto que se ha extraído en el primer momento, de la superficie vaciada de imagen/figura: la máscara.

 



El objeto en la figura de la propia artista, o en el cuerpo del espectador. ¿Cómo ha llegado hasta aquí? Si no se lee todo el recorrido de la obra, esto no se puede captar, no se trata de algo que irrumpe en la obra de LG, no se puede separar de todo su proceso (como hacen la mayoría de las exposiciones, de los críticos, de ciertos teóricos, incluso de lo que se llaman terapias corporales, relacionales, etc.) es un error muy grave. De la misma manera que pinta, que usa la pintura, para investigar, luego hará lo mismo con ‘los cuerpos geométricos’ y por último con su propio cuerpo o el cuerpo de los espectadores. 
 
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parte IX

La performance hoy
retrospectiva III
Lygia Clark:
The Abandonment of Art, 1948–1988

May 10–August 24, 2014
MoMA, Museum of Modern Art New York

http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1462













MoMA, The Museum of Modern Art of New York presenta una gran retrospectiva dedicada al arte de Lygia Clark (Brasil, 1920-1988), la primera exposición completa en EEUU de su trabajo. Lygia Clark: El Abandono de Arte, 1948-1988 comprende cerca de 300 obras, realizadas entre finales de 1940 y su muerte en 1988 procedentes de colecciones públicas y privadas, incluyendo el MoMA, esta exposición se organiza en torno a tres temas clave: abstracción, neo-concretismo, y el ‘abandono del arte’. Cada uno de estos ejes son anclajes, un concepto significativo o una constelación de obras que marcan un paso definitivo en la carrera de Clark. Mientras que el legado de Clark en Brasil es profundo, esta exposición atrae la atención internacional a su trabajo.
Otras en el MoMA:

The artists is present
Marina Abramovic
> Sanja Ivekovic: 
Sweet Violence
> Cindy Sherman
Retrospectiva
> Martha Rosler:
Meta-Monumental Garage Sale
También han estado en MoMA:

> Tangle Alphabets
León Ferrari y Mira Schendel
> El Destructor de objetos: 
Edgardo Antonio Vigo's Marginal Media

El Destructor de objetos: Edgardo Antonio Vigo's Marginal Media
2 abril a 30 junio 2014
MOMA, Museum of Modern Art, New York

www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1481









Esta exposición celebra el mail art, poesía visual, obras performativas y publicaciones del artista argentino Edgardo Antonio Vigo (1928-1997). Desde su tranquila ciudad natal de La Plata, Vigo ha desarrollado una extensa red de contactos en las Américas y Europa, haciendo de la ciudad un centro del arte postal movimiento-una red informal internacional de artistas que intercambian las ideas, el arte y la poesía a través del sistema postal. Desde su posición desafiante locales, Vigo desarrolló un internacionalismo templado por una aguda crítica de la política exterior de los Estados Unidos, de su papel en la guerra de Vietnam a su apoyo de los gobiernos autoritarios de América Latina.

parte VIII

La Perfomance se va al museo III
y se instala
 
Marina Abramovic en el PAC
Xavier Le Roy en la Fundació Tàpies
Emily Roysdon en la Tate Modern
Eulàlia Valldosera en la galería Carroll/Fletcher



 parte VII

La Perfomance se va al museo II

Cindy Sherman, la imagen del poder
al MoMA de Nueva York
Regina José Galindo, el poder de la imagen
al Artium, Vitoria-Gasteiz,
 
 

parte VI

¿La Perfomance se va al museo?


Valie Export al Modern and Contemporary Art Bolzano, 
Esther Ferrer al Artium, Vitoria-Gasteiz, 
Marina Abramovic, al MoMA de Nueva Kork

parte V

La performance hoy: exposiciones

Este último verano ha sido muy productivo en exposiciones, retrospectivas, instalaciones de artistas de interés para nuestra investigación, primero haré una lista de las mismas y luego presentaré cada uno de los trabajos propuestos, comenzaremos con:

Juan Hidalgo / Desde Ayacata
Sala Norte - ARTIUM
27 de marzo hasta 29 de agosto de 2010

El artista canario presenta su exposición en el Centro-Museo de Arte Contemporáneo ARTIUM, en Vitoria. La muestra recopila la labor realizada en los últimos doce años de uno de los grandes referentes del arte español de las últimas cinco décadas. Juan Hidalgo (Las Palmas de Gran Canaria, 1927) fue durante más de 30 años junto a Walter Marchetti y Esther Ferrer "miembro cardinal" de ZAJ, posiblemente el movimiento vanguardista más controvertido y perturbador de la segunda mitad del siglo XX en España. ZAJ consiguió, en una época de oscurantismo cultural y político, que la poesía, la música, el teatro y el arte plástico difuminaran sus límites y se fundieran en un entramado de acciones. Hidalgo de formación musical también fue el primer compositor de una obra electroacústica, y el primero en estrenar una obra en el mítico Festival de Darmstadt (Alemania). Cabe destacar uno de sus hallazgos conceptuales más importantes los etcéteras, que el definió como "documento público, como dirían los chinos (gong an) no los japoneses (koo an)" y que vertebran gran parte de su obra.


Desde Ayacata se recorre cerca de 70 obras realizadas entre 1997 y 2009, acciones fotográficas, objetos y ambientes en los que están presentes la ironía, el humor, el sexo y el riesgo. La exposición comisariada por Carlos Astiárraga, es una producción conjunta de ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), TEA (Tenerife) y CAAM (Las Palmas de Gran Canaria).

Àngels Margarit-Cía. Mudances
Solo para habitación de hotel
Hotel Meridian Barcelona #712
25, 26, 28 y 29 de agosto de 2010

Creado en el año 1989 Sitges Teatro Internacional (STI) este solo se convirtió en una pieza itinerante. Ha mantenido su idea inicial y estructura, pero ha ido evolucionando y actualizándose. Danza nómada que se instala en las habitaciones de hotel; de estructura circular de 20 minutos de duración en la que el final enlaza con el principio y se repite ininterrumpidamente 6, 8 ó 10 veces. "Es un solo para ver a solas", el espectador asiste como un voyeur accidental a una escena que sucede en el interior de una habitación de hotel, descubriendo la intimidad de un personaje que no actúa para el público, alguien que está atrapado en el silencio de sus pensamientos, de su espera, de su soledad. El objeto de la pieza es colocar al espectador en el lugar de la intérprete, como si vivieran un rodaje, una secuencia cinematográfica. Margarit lo expresa en sus propias palabras "lo que más me interesaba de la pieza era situar a la intérprete y al público en contextos diferentes de los normales, para cambiar la percepción y sacudir los roles establecidos del ritual escénico, comprometiendo así a la intérprete y también al espectador a participar en la intimidad de la escena sin el refugio habitual de la oscuridad y la distancia en que se sumerge normalmente".


La Compañía inicia su recorrido en 1985 y toma su nombre del primer espectáculo Mudances y se dedica a la creación contemporánea en diferentes formatos escénicos. Los ejes de interés son la danza y el espacio, así como la investigación de lenguaje y poética propios. Desde el inicio su trabajo incluye la búsqueda y la interrelación a otras disciplinas artísticas como la música, la fotografía, el vídeo, etc.

Eulália Valldosera / Dependencia Mutua
Galería Joan Prats
18 de mayo al 26 de junio de 2010

De vuelta en Barcelona, en pleno verano, la Galería Joan Prats, nos ofrece las obras de Eulália Valldosera reunidas bajo el nombre Dependencia mutua, su obra compuesta de colillas, humo, espejos, cuadernos y fotografías de pequeño y gran formato, videos, de pequeño y gran formato, y una instalación/aparato en la sala central, que ironizan sobre las relaciones de poder en el espacio privado. La artista, conocida y estudiada por nosotros después de su primera gran retrospectiva en la Fundació Antoni Tapies, en Barcelona, y su aterrizaje en CNARS en Madrid, se dedica nuevamente a un trabajo de rastreo, ella está detrás de la acción, con el ojo puesto en la cámara para retratar su visión antropológica y critica de las dependencias humanas.


A petición de la artista, una mujer de la limpieza de origen
ucraniano se dispone a limpiar una estatua del emperador 
romano Claudio. A media que ella toca y limpia la figura 
masculina en postura de dominio, la mujer desafía las 
dimensiones intangibles y oscuras de símbolos de poder.

Bill Viola / Obras Figurativas
Museo Picasso Málaga
28 de junio al 12 de septiembre 2010
www.museopicassomalaga.org

De allí viajamos a Málaga, Museo Picasso, para ver la instalación de videoarte de Bill Viola, sala pequeña tres pantallas con tres videoinstalaciones, el cuerpo y el agua como leive motiv principal, y una larga entrevista que le realiza el periodista americano...como va perfilando hace mucho tiempo un encuentro con el discurso, entre la mística y el arte. Tal y como explica el propio artista, "transfiguraciones" hace referencia al extraño proceso por el que la sustancia y la esencia de un ser cambian de forma, en una transformación que suirge del interior a partir de una revelación o de una abrumadora sensación de claridad. The Arragement (2007), Encarnación (2008) y Tres mujeres (2008) muestran una y otra vez a personas anónimas aproximándose desde la oscuridad, cruzando hacia la luz, a través de una cortina de agua, son dos elementos de gran carga simbólica, para volver luego a las sombras ubicadas en un más allá incierto y lejano.
 

Dora Garcia / I am a Judge
Kunsthalle Bern
21 de agosto al 10 de octubre 2010
 

 


 
El motivo principal del trabajo de Dora García es el análisis de los paradigmas y convenciones tomadas de la cultura popular, donde la ética y la moral están siendo desafiadas. En su obra escrita sobre la pared I am a Judge (Yo soy un juez) 1997, describe un escenario con un juez que ya no puede separar el bien del mal. Tal ambivalencia sigue a lo largo de toda la exposición para difundir los motivos de lo que conocemos como moral y jurídicamente aceptable. En su escultura Roba este libro (2009), un libro de una edición de 250 ejemplares, los visitantes se enfrentan a un dilema a nivel individual: Por una parte llevarse el libro puede ser visto como un delito mientras que no hacerlo es omitir de participar de este juego que nos propone Dora.


Chantal Michel / Miel, lait et premières violettes

Installation vidéo, couleur, son

Kunst Museum Bern

1h 30min en boucle

Desde 7 mayo al 5 septiembre 2010

Curator: Kathleen Bühler


Esta instalación de Chantal Michel está compuesta de seis instalaciones de video, cada una constituida por una serie de 40 secuencias de video las que, si bien sólo tienen una duración de minutos, recorren todo el ciclo de la vida desde el nacimiento, el matrimonio hasta la muerte.
En ellas figuran diversas ocupaciones de la existencia humana como: la educación (el libro), el arte (la mano con la pluma) y la vida cotidiana (el pan, la leche, los huevos, el azúcar y los animales), así como el mundo de los espíritus y los juegos (las cartas, los dados y las pompas de jabón).
La duración total de las secuencias es de una hora y media, y es lo que dura la totalidad del montaje en serie, sin embargo cada proyección tiene un montaje diferente, de suerte que desde un punto de vista espacial nos da la impresión de estar en la instalación como si se tratara de una cabina de observación o como ser invitados a introducirnos en un espacio de video de difusión continua que nos hace partícipes de la encarnación de una grandeza real de meditación plástica.

Para concluir fue una gran sorpresa el descubrimiento de Chantal Michel, video artista de Berna, que con su video instalación toma la sala del museo, se apropia del espacio propio del espectador, y deja las paredes vacías, el espectador pasea, se adentra en este espacio de pantallas, a través de su sombra dialoga con la obra, como si fuera un juego de cartas, o de dominó, o de dados...la obra y el espectador se convierten en una sola cosa, un espacio de arte.

 
Con una cierta distancia
el recorrido ha sido fructífero...


Si empezamos con los orígenes de la performance (Juan Hidalgo) y todo el contexto que significaba, con el tiempo nos encontramos con la performance en la realidad ordinaria bajo la mirada de Eùlalia Valdosera una señora limpia una escultura romana con ello el espacio se hace perfomático. Descubrimos que la performance nos abre a un espacio nuevo, construye un espacio nuevo.

Àngels Margarit nos presenta el espacio en tanto "ordinario", la habitación de un hotel como pretexto nos lleva a la sublimación de esos movimientos "ordinarios". Al abrir una ventana nos va mostrar las tres pantallas de lo virtual: la pantalla de la habitación, la pantalla de la televisión y la pantalla de la calle. De América Bill Viola nos muestra la performance de "lo mínimo", a travezar la pantalla, el cuerpo se ha hecho virtual: la videoperformance.

Seguir la obra de Dora García significa confirmar los pilares de su producción: el vacio, la transparencia, el texto perfomático, las entrevistas inexistentes y el libro... para robar. La sorpresa en esa visita a Berna ha sido Chantal Michel, la artista no ocupa las paredes para poresentar sus video (Bill Viola, Dora García) sino el video ocupa el espacio haciéndolo virtual no estamos en presencia de un relato sino que estamos dentro del "relato".

Para la realización de estos videos el artista dio a los actores indicaciones mínimas y las reacciones al cruzar la cortina de agua fueron libres: para unos fue una pantalla personal, para otros un exorcismo un renacimiento, la pérdida de la inocencia, simplemente el deseo de volver atrás.
Para terminar nos vamos a Berna, Suiza para ver dos estupendas instalaciones de Dora García, artista castellana que seguimos sus pasos desde el 2001 cuando nos visitó en el Macba de Barcelona.



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el arte de acción IV

Instalar lo real: la función del comisario 

Fundació Antoni Tàpie
Alma Matrix
Bracha L. Ettinger
14 de mayo- 1 de agosto de 2010
Comissària: Catherine de Zegher
www.fundaciotapies.org
martes a domingo de 10 a 20

Como artista y psicoanalista, Ettinger (Israel/Francia) integra en su trabajo ambas prácticas y desarrolla un enfoque innovador del psicoanálisis aplicado, un enfoque a medio camino entre la práctica artística y la terapéutica, que altera la percepción de lo que el arte y el análisis pueden ser. En su obra sobre papel, imprime trazos vinculados a la memoria y al trauma, la migración y la historia, mientras que reflexiona sobre la representación, la mirada y la impronta. El intercambio de experiencias y la intención de manifestar un inconsciente común y compartido, se ponen de relieve en sus dibujos y pinturas por la ausencia de fijación y la tendencia a la ambigüedad, la permutación, lo compuesto, lo flexible y lo efímero. A través de una sucesión casi sin fin de documentos manipulados, como fotos de familia, documentos del holocausto, entre otros, y velados por el mismo proceso mecánico del fotocopiado –cuyos vestigios residuales de tinta se fusionan con trazos nuevos– Ettinger crea sus series de dibujos y pinturas como Matrix-Family Album, 1988-1989, Woman-Other-Thing, 1990-1993, o Eurydice series, 1994-2009. Asimismo, Ettinger recoge sus experiencias como psicoanalista y artista en un conjunto de libros de notas, que utiliza como espacio de reflexión, durante sus sesiones de trabajo terapéutico, y en cuyas páginas escribe, y realiza trazos espontáneos sola o con sus pacientes
 

En relación a esta exposición se ha realizado el seminario:

EL ARTE PROCESUAL Y EL OBJETO: 
LA REPETICIÓN, LO EFÍMERO
25 y 26 de mayo de 2010

La Fundació Antoni Tàpies, junto con la Cátedra de Arte y Cultura Contemporánea de la Universidad de Girona, han organizado un seminario en torno al papel que desempeñan en la historia del arte los espacios generados en la producción artística por los trabajos procesuales, relacionales o en transformación. Es una visión de la historia del arte en la que se incluyen temas como la relación, la ausencia, lo efímero, el duelo, la huella o el proceso, y que va más allá de una concepción centrada en el objeto artístico.
Algunas conferencias:
  • "Finished and Unfinished, from Studio Work to Art Criticism" (Acabadas e inacabadas: de las obras de estudio a la crítica de arte), conferencia a cargo de Elisabeth Lebovici.
  • "L'éphèmere et le nouveau statut de l'art" (Lo efímero y el nuevo estatuto del arte), conferencia a cargo de Christine Buci-Glucksmann.
  • "Coser con un hilo invisible. Correspondencias de/entre Bracha Ettinger, Eva Hesse y Ria Verhaeghe con algunas artistas españolas", conferencia a cargo de Patricia Mayayo.
  • "La imatge ferida" (La imagen herida), conferencia a cargo de Maria-Josep Balsach.
Conocíamos a Bracha L. Ettinger por su artículo para 'La Colección Prinzhorn' exposición realizada por el Macba en el 2001, 'Alguna-Cosa, Algún-Suceso y Algún-Encuentro entre el Sinthome y el Síntoma' y ahora la reencontramos como artista en esta su exposición en la Fundació Tapies.
Por otro lado, nos encontramos nuevamente con la comisaria de aquella primera exposición Catherine de Zegher, también comisaria de ésta. A todo esto, más que afirmaciones nos produce interrogaciones. ¿Hay obra en esta instalación de B L E?
O, se trata de mediante la instalación que surja una obra. La instalación es la obra. Está claro que se trata de fragmentos, todo deviene de la fragmentación. Lo más interesante es lo que por un lado BLE y por otro CZ como comisaria hacen de esta instalación, una obra en si. Si nos anticipamos al texto de Ettinger la pregunta que nos surge es: ¿Esta obra se ha producido como consecuencia del anudamiento del sinthome o esta es determinante en ele anudamiento del sinthome? Abrimos el debate.
Habíamos recomendado en nuestro comunicado nº 09 la retrospectiva de: 
Juan Hidalgo
Desde Ayacata Juan Hidalgo 1997-2009
Acciones fotográficas, objetos y ambientes
comisario: Carlos Astiàrriaga Artium, Vitoria
marzo-agosto 2010-06-04
www.artium.org

 

 
Juan Hidalgo jamás dio un paso por acercarse al museo como institución, ni educativa ni difusora ni, mucho menos, legitimadora de nada que para él fuera importante. Hasta el punto que Hidalgo puede aceptar que lo que él hace ni siquiera es arte, sino meras propuestas dirigidas a la mente y los sentidos, y resueltas como música, como poesía, como gestos, como objetos e incluso como fotografías, que no son sino la consecuencia (secundaria) de una «acción fotográfica» (principal).
Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos.
Podríamos extraer otros textos, todos de interés, referente a su personalidad y su obra, pero luego de visitar detalladamente la retrospectiva de Artium, nos vuelve a surgir nuevos interrogantes. ¿Hay obra en el arte de la acción? ¿El arte de acción es un productor de objetos, de imágenes, de formas...etc?
Y ya sea por el tipo de obra, o por la extraordinaria calidad del comisario, esto se aclara casi de inmediato. No hay obra propia, no se trata de cernir un objeto, sino encontrar una solución mucho más compleja: las modalidades del objeto. El modo real, el sexo; el modo imaginario la imagen, y el modo simbólico, la instalación misma, que permite el anudamiento de algo que en si, suelto y fragmentado pierdo todo valor. Si el arte de acción ha pretendido perder el valor agregado, el plus, que con enorme esfuerzo se recupera en la modernidad desde los impresionistas, aquí lo adquiere solo en su anudamiento, cuando cada objeto, imagen, o acción perfomática remite a la siguiente. Es por la instalación que adquiere valor plus...y por lo tanto plus de goce, el objeto es la instalación.

Para concluir:

De manera muy distinta, completamente distinta, en el primer caso aprovechando `la fragmentación del objeto' la comisaria Catherine de Zegher, nos ofrece una verdadera joya expositiva, se trata del despliegue de la marca en sus distintas dimensiones y por otro de su anudamiento, sino en caso contrario se perdería en los mil vericuetos de lo imaginario. Es el anudamiento borromeo (lo simbólico) que impide la deriva al infinito de lo imaginario. En el segundo caso cada cosa, cada imagen, cada letra, es un objeto en si, pero un objeto más, no importaría un objeto más o un objeto menos, solo a través de la función del comisario, en este caso de Carlos Astiàrriaga, que la obra se abrocha cada vez, se anuda cada vez, va y vuelve, hace banda una y obra vez, incluso el cambio de registro... de una realidad ordinaria, en tanto secuencia de objetos, a una realidad virtual... nos muestra el aparato como obra... están en su justo momento, en su justo lugar.

El espacio expositivo es el objeto final, gracias a los distintos anudamientos el espacio es el producto resultante, espacio por espacio, y el espacio en su totalidad. Por supuesto que agradezco a los artistas por el proceso realizado, por el esfuerzo realizado, pero agradezco aún más a los comisarios por tan extraordinarios trabajos...que nos dejan entrever que tanto la fragmentación (como arte de la letra) como la perfomance (como arte de la acción) tendrán como objeto al espacio.
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el arte de acción III

La performance hoy

como retrospectiva I
Reseña de Marina Abramovic
The artists is present
MOMA de Nueva York
marzo-mayo 2010-06-04
The Artist is Present es el título de la exposición de Marina Abramovic en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de New York.La muestra de la artista serbia está compuesta por 50 obras que dan cuenta de 40 años de trayectoria en el arte, en donde se destacan las piezas sonoras, vídeos, instalaciones, performances y fotografías.Una particularidad de la exposición será una performance que se realizará todos los días en el museo hasta el 31 de mayo. La pieza está compuesta por personas desnudas dispuestas en los marcos de las salas, además de personas semivestidas distribuidas entre las obras de Abramovic. El objetivo de la artista contemporánea es poner en la superficie la relación que se establece entre el artista, la obra y el público.
Marina Abramovic. Portrait with Flowers, 2009

como retrospectiva II
Juan Hidalgo
Desde ayacata
Juan Hidalgo 1997-2009
Acciones fotográficas, objetos y ambientes
Artium, Vitoria
Marzo-agosto 2010-06-04

Hidalgo jamás dio un paso por acercarse al museo como institución, ni educativa ni difusora ni, mucho menos, legitimadora de nada que para él fuera importante. Hasta el punto que Hidalgo puede aceptar que lo que él hace ni siquiera es arte, sino meras propuestas dirigidas a la mente y los sentidos, y resueltas como música, como poesía, como gestos, como objetos e incluso como fotografías, que no son sino la consecuencia (secundaria) de una «acción fotográfica» (principal). Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos.
 



como feria de arte
ARCOMADRID2010-06-04
Performing ARCOMira Bernabeu, Santiago Sierra, Fabien Giraud-Raphaël Siboni, SUSO33, Carlos Llavata

© Mira Bernabeu. Espectáculo-Enfermedad, Serie Mise en Scéne VIII

"Simulacro" Carlos Llavata

PERFORMING ARCO / PABELLÓN 6ARCOmadrid_ 2010 continúa con su sección dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales que propongan obras en vivo (performances). PERFORMING ARCO se dirige a todas aquellas galerías interesadas en explorar las posibilidades de la performance como práctica de las artes visuales y les brinda la oportunidad de presentar, en el contexto de una feria de arte contemporáneo, aquellas obras de sus artistas cuya expresión última sea la representación en vivo. El programa ha sido supervisado por Javier Duero, comisario independiente.


como festival
Interakcje
Piotrków
Polonia 2010
Curadores: Malgorzata Butterwick, Ángel Pastor
Tema: Art as a sinthome
John Cage Del signo (musical) a la letra
Jacques Lacan con John Cage

Los participantes del encuentro leen el texto parágrafo por parágrafo cada uno en su idioma (polaco, castellano, francés, inglés, catalán) en modalidades diferentes: lectura teatralización, canto, poesía sonora, la voz del ordenador, etc. Así el texto de mano en mano, de voz en voz, adquiere un valor perfomático. Privados del efecto de la mirada ya que están sentados uno a espalda del otro, la presentación se convierte en una performance sonora. No se trata de la comprensión del texto, sino de su escucha.



como encuentro
Epipiderme7
Encontros à volta de performance
Lisboa, Portugal
mayo 2010
Performance: Marcos Vinícius, Aisa Boaa, Adina Bar-On, Gilberto Gaspar
Videoperformance: Lezli Rubin-Kunda (Video)
Workshop de performance: Con Adina Bar-On Personality in real time and space.

como taller
Workshop-Clínica de performance
Pensar para deixar de pensar e agir
Oficina epipiderme
Rocío Boliver, La congelada de uva
Marzo 2010, Lisboa Portugal

La clínica consta de cuatro sesiones de cuatro horas. Cada alumno debe reconocer la performance como un instrumento para influír en la realidad, expandiendo su sensorialidad, ensanchando su consciencia y trabajando su autoconocimiento.El alumno irá apreciando la realidad cotidiana por su contemplación, suspendiendo el juicio, para alcanzar una visión performática que lo lleve a crear su obra a partir de sus necesidades de expresión. Y como resultado del proceso como epifenómeno.
El nombre del workshop de performance “pensar para dejar de pensar y hacer” expone la intención primera del objetivo a alcanzar: interligar conceptos filosóficos en el plano racional, para “abandonarlos” para quedarse en un plano irracional e inconsciente.Más que pretender crear piezas de performance el principal objetivo es trabajar sobre la mente del alumno, para examinar realidades diarias como un desafío constante, de manera de alcanzar una visión performática, recreando una vida cotidiana en cualquier situación.
El objetivo es que el alumno desenvuelva una consciencia performática para observar las cosas, ideas, metáforas, expresiones, sentimientos de modo conceptual, y como se integra de manera natural en su pensamiento.

 

La performance en los medios
Eurovisión Festival de la canción 2010
Daniel Diges con la canción 'Algo pequeñito'
representa a España. Oslo,
29 de mayo de 2010
En el momento de la actuación del representante español, interviene de improviso el activista Jimmy Jump . Leemos la nota que el Periódico de Catalunya ha publicado el domingo 30 de mayo:” En octubre del 2007 por primera vez Jimmy Jump se coló en la entrega de la Copa del Mundo de Rugbi en París; en junio del 2008 paseó su barretina en un encuentro de la Eurocopa de fútbol, en Basilea; en junio de 2009 interrumpió un partido de Federer en Roland Garros, en París, y ayer por la noche, el veterano y desgraciadamente popular espontáneo Jimmy Jump reventó la actuación de Daniel Diges en el Festival de Eurovisión en Oslo. Jimmy Jump, pseudónimo profesional de Jaume Marquet Cuna, logró superar los controles de seguridad y apareció –con una camiseta con su nombre y su barretina– en el plató cuando el representante de TVE y sus bailarines actuaban. http://www.elperiodico.es/es/noticias/tele/20100530/jimmy-jump-monta-show-eurovision-revienta-tve/284176.shtml

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el arte de acción II

la performance y sus límites II: la realidad se hace performática

la perfomance y su registro fotográfico...

Retomando el comunicado anterior sobre los límites de la perfomance... he recibido la siguiente invitación:



JEAN LOUIS BLONDEAU
Del 2 de junio al 30 de junio de 2009
Galería de Arte LA AURORA
Murcia, España
www.galerialaaurora.com

La galería La Aurora, dentro del festival Punto y Aparte, inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de 40 años... 18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título "Bendita locura".

Esto me lleva a reflexionar sobre la manera en que se recoge la perfomance y qué limites tiene: como dice Ángel Pastor, 'los límites de la perfomance, la perfomance y sus límites'.

la performance como retrospectiva

Por ello, rescato de archivo 'una retrospectiva' sobre los Accionistas Vieneses: cada vez más recurre la idea de que son 'los padres del accionismo'..., lo que significa la construcción de un límite histórico del accionismo.



ACCIONISMO VIENÉS
BRUS, MUEH, NITSCH, SCHWARZKOGLER

Del 13 de marzo al 25 de mayo de 2008
CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presentó una extensa exposición sobre Gunter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, los cuatro artistas que crearon el grupo Accionismo Vienés que agitó la conservadora escena cultural y artística austriaca de los años sesenta del pasado siglo con propuestas performativas provocadoras y catárticas en las que el cuerpo se utilizaba como campo y materia de acción y manipulación. El objetivo de estos artistas era acercarse a través de diversas prácticas performativas a los impulsos reprimidos, los tabúes sexuales y los miedos ancestrales de la sociedad burguesa, recurriendo a una parafernalia escenográfica que aún sigue resultando molesta (más aun en un momento dominado por la ética y la estética de lo políticamente correcto). Esta muestra también incluye una selección de obras de otros autores -desde Marcel Duchamp hasta Franz West- procedentes de la Colección Hummel de Viena.


la perfomance y la publicidad...

¿Hasta donde, de aquí en adelante, es posible el lugar de la perfomance? El proyecto de Chus Burés para África Sostenible se presenta con una perfomance, 'Acqua Avis'. De la política y la historia/ a la tecnología de la imagen/ a la empresa y un mundo sostenible.



CHUS BURÉS H2O FOR AFRICA
25 de mayo, con motivo del Día mundial de África
Ivorypress Art + Books
Madrid, España

Coincidiendo con el Día Mundial de África, el diseñador Chus Burés presenta su proyecto solidario "Chus Burés h2o for Africa": el diseño y la creatividad trabajando a favor de la solidaridad.
Presentación del proyecto: conferencia de prensa + PERFORMANCE DE ACQUA AVIS

"El solo de danza "Acqua Avis" alude a una presencia paradigmática, esencial, representada por el bailarín alado que trae el agua como mensaje..." (Roger Salas)

la perfomance y su trasmisión

Los talleres: si la perfomance ha salido de la academia (los accionistas vieneses), ¿cómo retoma su trasmisión? Sería una cuestion a pensar... la proliferación de talleres impartidos por los propios artistas o teóricos.

TALLER DE PERFORMANCE CON LOS TORREZNOS

JaimeVallaure - Rafael Lamata
Del 22 al 26 de junio de 2009
CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo
Madrid, España



En este taller se pretende explorar el territorio expresivo de la acción, de la performance, ligado fundamentalmente al cuerpo y su presencia; esta exploración se realizará desde los criterios principales que se manejan en los trabajos torreznos: Insistencia. Energía. Repetición. Presencia física. Humor. Sencillez de recursos. Constricción y Reto. Estos elementos servirán para investigar y entrenar de manera práctica los recursos expresivos de las personas participantes. En todo caso, se trata de una experiencia para ponerse en juego y desarrollar las posibilidades de uso de la propia presencia como herramienta de reflexión y de comunicación con el mundo. No se requiere ningún tipo de formación artística ni performativa.



MEDIO 09
3 de julio de 2009
Área de Arte y Diseño de la
Universidad Europea de Madrid
Ateneo de Madrid


Desde la Universidad Europea de Madrid con el objetivo de visibilizar proyectos de artistas en proceso de profesionalización se realiza por tercer año consecutivo la edición de MEDIO. Como en su edición anterior los proyectos artísticos están realizados en colaboración entre cuatro poetas invitados y alumnos de Escultura del 2º ciclo de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid.
Leticia Navascués. Sandra Santana: Tiempos Líquidos. Vídeo proyección, 10 min.
Partiendo de conceptos desarrollados por Sandra Santana en su trabajo poético, Leticia Navascués elige trabajar sobre la anulación de la voluntad, la unidireccionalidad y el tiempo. La artista presenta grabaciones de una secuencia en la que sumerge la cabeza de la poeta en ocho recipientes, contenedores de líquidos cargados de simbolismo, dispuestos a modo de organismo. Al mismo tiempo, lee aleatoriamente fragmentos de un texto de San Agustín, extendido sobre la mesa, que la poeta repite, inmersa en los fluidos.

la performance como acontecimiento

Todo pequeño o gran evento que se precie ¿debe contar con una performance...?




Instalación/ Performance de Pistoletto
en la 53º Bienal de Venecia, Fare Mondi
junio-noviembre de 2009



En la 53º edición de la Bienal de Venecia, Fare Mondi, Michelangelo Pistoletto, en Seventeen Less One presenta una instalación/performance con 17 grandes espejos dispuestos en círculos, símbolos que exceden todo lo terrenal humano.

Performance en la exposición de Ugo Rondinone
a cargo de John Giorno
11 de julio de 2009
MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
www.musac.es








En el XIII Período expositivo que se inaugura el sábado 11 de julio, se retoma el concepto performativo dentro de la exposición de Ugo Rondinone La Noche de Plomo. El célebre poeta americano John Giorno desarrollará una lectura poética acorde con el concepto curatorial de la muestra en la sala 5 de MUSAC, en la que se instalará la obra de Ugo Rondinone titulada John's fire place, la reproducción de la chimenea del hogar del poeta.



Inn Motion. Grec2009
CCCB, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Del 1 al 4 de julio de 2009
Barcelona, España




En esta Bienal Internacional de Performance y Artes Visuales aplicadas se ha querido mostrar un marcado sesgo reflexivo y crítico. Así, encontramos ideas para reducir el efecto de la plusvalía en la relación trabajador-empresa y juegos electrónicos para conocer la naturaleza de anteriores crisis económicas en España. Asimismo, se presentan propuestas para orientar a los espectadores sobre cómo sobrevivir a las multinacionales. El espectáculo central del día era una performance sobre la crisis creativa de los artistas.

la institución patrocina la performance

Ahora es la institución la que llama a los artistas, a los curadores, a la performance como modo de mostrarnos una nueva realidad. ¿Se tratará de una realidad performática o es sencillamente que la conjunción performance y nuevas tecnologías ha hecho virtual la realidad?


el Arte es Acción
II Encuentro Internacional
Del 2 al 4 de julio de 2009
Ministerio de Cultura
Teatro Valle-Inclán. Centro Dramático Nacional
Madrid, España
Comisario: Marcel·lí Antúnez Roca







 


Tras el interés que despertó el I Encuentro Internacional celebrado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2008, el Ministerio de Cultura ha querido continuar esta iniciativa cuyo objetivo es fomentar el desarrollo de las nuevas disciplinas artísticas

En esta segunda edición se puede ver el trabajo de siete performers del panorama internacional, que desarrollaron su arte a lo largo de los años noventa causando polémica y debate, y que se mantienen todos ellos en plena actividad creativa. Además de sus acciones en el escenario, o fuera de él, se han programado encuentros en los que el público podrá debatir abiertamente con los artistas, y proyecciones de los mejores trabajos de los performers invitados.



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el arte de acción I

Los límites de la perfomance

Pasodoble, performance de Miquel Barceló y Joseph Nadj
8 de mayo, Teatre Lliure, Barcelona

En el escenario del Lliure "(...) aparecen Barceló y Najd, trajeados, con aspecto de personajes becketianos o enterradores. Poco a poco se van manchando de lo lindo, primero los zapatos, luego, al arrodillarse o presionar contra el muro, todo el traje. A los 20 minutos ya están hechos unos zorros. Toman azadas y mazos y golpean la pasta ocre produciendo un golpeteo húmedo, como de palmetazo en las nalgas. Barceló salta contra la pared, dibuja líneas. Trepa, crea figuras; lanza bolas, desmocha, perfora. Trabaja más ensimismado que Nadj. El espectáculo, la ceremonia, va in crescendo. Barceló y Najd se encasquetan vasijas de cerámica fresca en las cabezas y las moldean hasta componer máscaras asombrosas, un embarrado bestiario. El estupor va deviniendo angustia y cuando Barceló convierte a Nadj en escultura viva, minotauro picassiano, y lo incrusta en el muro con maneras de sacrificador -le clava dos espátulas como banderillas-, en medio de una música ominosa, la escena se hace sobrecogedora. Un acto de destrucción y creación, que Barceló remata asperjando pintura blanca con una manguera. Él y Najd acaban dejándose tragar por el muro con un ruido de succión. En menos de una hora hemos viajado al otro lado de la realidad, el mundo de los sueños y las cosmogonías." Jacinto Antón, El País, 9/05/09

La action painting fue inventada por Jackson Pollock en los años sesenta, y retomada por algunos de los expresionistas americanos para poner la 'materia en acción'. No es la primacía de la materia, el caso de Tàpies, sino el artista puesto en acción por la materia, cosa que ya habían hecho los Accionistas Vieneses en los años cincuenta.

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