En este CD encontrará el metodo que utilizo para las
lecturas de las exposiciones y de los comisariados.
Realizar...la acción, Instalar...lo real
Alberto Caballero
Barcelona, 2007
* en CD
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Sucesión...
triskel ...nudo a dos, tres....nudo borreo...nudo sinthome
Masotta/Espaliú/Dora García
tres instalaciones alrededor de una biblioteca
Masotta/Espaliú/Dora García
tres instalaciones alrededor de una biblioteca
En
función de estas figuras topológicas intentaré dar cuenta de si:
hacen serie, si no son meramente una sucesión (una luego la otra),
si se puede extraer 'el objeto', y como tal si solo muestran (son
muestras) de un síntoma (entre la enfermedad -singular y social- y
el arte), o hacen un sinthome, o sea una reparación de que 'no hay
función entre los social y lo singular'.
presentación
Tres
son las exposiciones que de una u otra manera están relacionadas
entre si, la dedicada a Oscar Masotta, en el Macba, la dedicada a
Pepe Espaliu, en La Tecla Sala, y la dedicada a Dora Garcia, en el
MNCARS, lo que tienen en común es un video-documental de Dora
Garcia, Segunda vez, dedicado a la vida y a la obra de Oscar Masotta.
Intentaré encontrar las causas por que las res exposiciones
comparten dicho video-documental, ya que corresponden a artistas y a
épocas muy diferenes, Si solo es compartir una obra, si se trata de
una puesta en común, o de algún tipo de anudamiento, por ahora son
meramente preguntas.
Conclusiones
'La
biblioteca'. En el video de Dora Garcia, de pronto, como un
fragmento más, como una metonimia más, a toda la información que
aporta, surge la Biblioteca de Buenos Aires (la ex sede), como uno de
los lugares depositarios del saber, donde los estudiantes se
interrogan sobre ese saber. Si anudamos al aporte de Nora Catelli
sobre el ensayo como escritura, y que estabamos reunidos en el
seminario por dichos ensayos escritos, yo agregaría que el
significante que podría, hipóteis primera, reparar el fallo de
anudamiento sería 'biblioteca'.
La
biblioteca/s fundada/s por Masotta, la biblioteca Pep Espaliú,
instalada en el centro de arte dedicado a su obra, y el espacio que
le dedica -Dora García- a 'la biblioteca' en su video sobre Masotta,
haría no solo con su presencia, sino como referente, de anudamiento
a las tres exposiciones. Si el video de DG está presente en las tres
exposiciones, no se trata solo de un saber que no se puede saber
todo, sino de un saber que se ordena, que se clasifica, que se
consulta porque está editado, publicado, que se hace público.
primera exposición
Oscar Masotta. La Teoría como acción
MACBA, Barcelona 23 mar. al 11 sep. 2018
Comisaria: Ana Longoni, con la colaboración de
Hiuwai Chu, Amanda de Garza y Guillermina Mongan.
MACBA, Barcelona 23 mar. al 11 sep. 2018
Comisaria: Ana Longoni, con la colaboración de
Hiuwai Chu, Amanda de Garza y Guillermina Mongan.
"Oscar
Masotta. La teoría como acción busca reconstruir la trayectoria
intelectual de este pensador (Buenos Aires, 1930 – Barcelona,
1979). El proyecto, desarrollado a lo largo de cuatro años de
investigación, destaca la trayectoria multifacética del teórico y
artista, figura crucial en las transformaciones del campo cultural
argentino e iberoamericano del periodo comprendido entre las décadas
de 1950 y 1970.
Exiliado
y establecido en Barcelona en 1975, donde vivió hasta su muerte
prematura en 1979, Masotta introdujo el psicoanálisis de Jacques
Lacan en España a través de grupos de estudio y con la Biblioteca
del Campo Freudiano. La exposición en el MACBA también revela las
huellas e influencias que ha dejado en esta ciudad, no solo en el
campo de psicoanálisis, sino también en el ámbito cultural.
"Desde
los happenings realizados a mediados de los años sesenta, como Para
inducir el espíritu de la imagen (1966)
o El
helicóptero (1967),
pasando por la escritura y la crítica del arte de vanguardia de
aquella época, con libros capitales como El
pop-art (1967)
y Happenings (1967),
que reúne varias voces teóricas, hasta la creación de los grupos
de estudio y lectura de los textos de Jacques Lacan o el
descubrimiento de la historieta como forma artística, con la
celebración de la 1a Bienal Mundial de la Historieta en 1968 y la
publicación de La
historieta en el mundo moderno (1970),
la incombustible actividad de Oscar Masotta (1930-1979) tiene como
eje estructural el afán de transmisión, ya sea a través de la
acción, de la palabra o de la teoría y la prácticapsicoanalítica.
Además de la exposición se han realizado distintas actividades: presentación por la comisaria, pase de película de Dora Garcia, seminario (distintos participantes), etc.
Además de la exposición se han realizado distintas actividades: presentación por la comisaria, pase de película de Dora Garcia, seminario (distintos participantes), etc.
leer
texto completo en
http://www.geifco.org/a-caballero/descargas/bibliotecamasotta.PDF
segunda
exposición:
Pepe
Espaliú.
Tres tiempos Barcelona/L'Hospitalet: 1975-1988-1993
Centro de Arte Tecla Sala 08/03 03/06/2018
L'Hospitalet, Barcelona
Comisariado: Jesús Alcaide.
Tres tiempos Barcelona/L'Hospitalet: 1975-1988-1993
Centro de Arte Tecla Sala 08/03 03/06/2018
L'Hospitalet, Barcelona
Comisariado: Jesús Alcaide.
"En
un momento de relectura de la historiografía del arte y de la
crítica realizadas en nuestro país durante los años ochenta y
noventa del siglo XX, la revisión crítica del artista cordobés
Pepe Espaliú parece más que necesaria. No sólo por la importancia
que su proyecto creativo tuvo en la construcción del boom del arte
español, sino por la manera en que su talante ayuda a ejemplificar,
más allá de los paradigmas tejidos por la crítica de aquella
época, otros acercamientos que habían sido poco visibles u ocultos.
Investigando
sobre la producción del artista y desde una plataforma como la
colección del Centro de Arte Pepe Espaliú, es reseñable la
importante relación que mantuvo con las ciudades de Barcelona y
L'Hospitalet desde un sentido no sólo físico, sino como capital
simbólico del cual extrajo numerosas influencias intelectuales,
artísticas y vitales que lo acompañaron desde los inicios de su
carrera hasta los últimos días.
Esta
exposición intenta trazar una historia circular sobre la producción
de Espaliú, 25 años después de su fallecimiento. La muestra cruza
de manera cronológica historias que coinciden con su primera
exposición individual en 1975 en la Sala Municipal de Exposiciones
de l'Hospitalet de Llobregat, en pleno apogeo del arte conceptual en
Cataluña, y que acaban con su última exposición individual en
1993."
leer
texto completo en
http://www.geifco.org/a-caballero/descargas/bibliotecaespaliu.PDF
tercera
exposición
Dora
García. Segunda Vez
18 abril - 3 septiembre, 2018
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisariado: Manuel Borja-Villel y Teresa Velázquez
18 abril - 3 septiembre, 2018
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisariado: Manuel Borja-Villel y Teresa Velázquez
"Segunda
Vez toma su título del relato homónimo de Julio Cortázar, escrito
en 1974, que narra el clima de psicosis e incertidumbre provocado por
el drama de los desaparecidos en Argentina. Segunda Vez es también
el nombre del proyecto más reciente de García que gira en torno a
la figura de Oscar Masotta, contemporáneo de Cortázar y teórico
clave de la vanguardia argentina desde los años cincuenta a los
setenta, cuyas ideas sobre la construcción del acontecimiento y de
la audiencia han dado pie a cuatro cortometrajes y una película de
esta artista.
"Para
inducir el espíritu de la imagen" es una de las acciones
políticamente más polémicas de los años sesenta (Buenos Aires,
1966), enfrentó al público del Instituto Torcuato Di Tella con una
veintena de actores representando al "Lumpenproletariat".
Estos actores, de pie sobre una tarima, eran sometidos a una luz
intensa y a un sonido penetrante durante un extenso período de
tiempo.
Dora
García comenta: ’Segunda Vez’ es un proyecto que utiliza la
figura de Oscar Masotta como desencadenante para una investigación
sobre arte, política y psicoanálisis. Arte se refiere aquí a
performance (happening, anti-happening, acción, actividad),
repetición (segunda vez) y acontecimiento (ocurrir otra vez).
Política se refiere aquí a la difícil posición del artista dentro
de una situación política urgente que le impele a la acción.
Psicoanálisis se refiere aquí a un método, a una forma de
transmisión de conocimiento que nos permite dar complejas pero
eficientes respuestas a problemas complejos referidos al lenguaje, el
cuerpo, y la memoria."
leer
texto completo en
http://www.geifco.org/a-caballero/descargas/bibliotecadoragarcia.pdf
| Barcelona, mayo 2018 |
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La escritura al museo II
Con la caida del objeto
de la representación surge la fragmentación….y deja ver la letra.
La letra entre el ver y el leer. Así hoy hablamos de ‘poesía en
los medios’, de instalaciones, de ‘escritura al museo’, de
‘texto de pared’ y de ‘nuevas escrituras’. Ahora se exponen
libros, cartas, textos, mensajes, incluso colecciones y archivos. Si
el museo estaba bajo el dominio de la mirada, ahora esta bajo el
dominio de la letra. invade las galerias comerciales, los estadios de
futbol…la calle.
En esta segunda serie de
notas, se recogen noticias sobre exposiciones dedicadas a
artistas/escritores como Brossa y a escritores/artistas como Michaux,
que demuestran esta tendencia de 'el arte a la escritura', frente a
la caida de 'el arte a la imagen', o sea de que todo arte es a la
escritura, se trata de una escritura 'a la letra': a su materialidad,
a su desprendimiento, a su itinerancia.
Poesía Brossa
sep feb 2017-18
Macba, Barcelona
Comisarios: Teresa Grandas
y Pedro G. Romero
"Desde
sus primeros libros hasta sus últimas indagaciones plásticas,
pasando por el teatro, la música, el cine o las artes de acción,
'Poesía Brossa' presenta la extensa y diversa producción de Joan
Brossa procurando eludir el inmovilismo de las convenciones
museísticas y subrayando tres aspectos que la singularizan: la
oralidad, lo performativo y la antipoesía."
Todo esto cómo se
conecta con la instalación de la exposición, más bien la
instalación de 'un archivo': como exponer un archivo. ¿la poesía,
la metáfora, donde está?. La poesía el ejercicio del lenguaje y
sobretodo de la metáfora, aquí se ha transformado en sucesión, de
una obra a otra, el ejercicio de la clasificación y de un
ordenamiento, se ha transformado en archivo. A lo que se agrega
'actividades' como si las experiencias de performance o happening
realizadas por Brossa como 'antiespectáculo' se pudieran repetir
como 'espectáculo', para atraer a un público a los típicos eventos
en los museos. (The Square, Suecia 2017)
'TLALAATALA.
José Luis Castillejo y la escritura moderna'
MUSAC,
Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
febrero
- mayo de 2018
Comisariado:
Henar Riviére y Manuel Olveira
"A
mediados de la década de 1960 se produjeron en España una serie de
iniciativas que, enlazando con la corriente internacional del llamado
arte intermedia, trataron de superar la división tradicional del
arte en disciplinas (pintura, música, escultura...). La fusión de
unas con otras dio lugar al nacimiento de nuevas prácticas
artísticas como el arte de acción, el conceptual o el sonoro. En
este contexto experimental, a medio camino entre la neo-vanguardia y
la posmodernidad, el papel de la escritura fue fundamental. Fenómenos
como la poesía concreta, la notación gráfica o la pintura gestual
habían contribuido a liberarla de su tradicional servidumbre a la
expresión de contenidos, y las nuevas investigaciones ahondarían en
su materialidad, en la entidad de la palabra, la letra y el signo, y
en la dimensión performativa del escribir y el leer."
El
otro lado
Henri
Michaux
Museo
Guggenheim Bilbao 02 ·2018 - 05 ·2018
Comisario:
Manuel Cirauqui
Figura
inclasificable de la literatura y las artes del siglo XX, Henri
Michaux (Namur, Bélgica, 1899-París, Francia, 1984) tuvo durante su
larga vida una gran influencia entre los artistas y escritores de su
tiempo. A la vez “poeta de poetas” y “pintor de
pintores”—celebrado por figuras de ambos campos, como André Gide
y Francis Bacon—, Michaux produjo febrilmente miles de obras sobre
papel de las que apenas hoy alcanzamos a conocer la totalidad. Esta
exposición, organizada en colaboración con los Archivos Michaux de
París, abarca cincuenta años de actividad creativa de Michaux, a
través de las series y períodos más importantes de su trabajo.
Reuniendo en torno a 230 piezas, documentos y objetos personales del
artista, Henri Michaux: el otro lado se vertebra en torno a tres
grandes ejes temáticos, sobre los que ofrece una mirada panorámica:
la figura humana, el alfabeto y la psique alterada.
Nicanor
Parra
Muere
un antipoeta en Chile a los 103 años
Que proceso maravilloso
en america latina, que proceso productivo el siglo XX primero la
poesia (Mistral, Neruda y otros) luego la antipoesia, desmontar los
canones de la poesia, pero la poesia no es acaso desmontar el
lenguaje, desmontarse a si misma, la materia de la poesia (Nicanor
Parra) para al fin desprendida de todo significado, de toda
estructura posible, queda mera letra, la materia propia de la poesia,
hacer a la letra. De allí, de los contenidos, de las
significaciones, incluso de las emociones, se produce otro
desprendimiento: la poesía visual, hacer de la letra un objeto
visual, grandes: en cataluña Joan Brossa, en Uruguay Clemente padin,
en chile Nicanor Parra. Es extraño un sistema socio-económico que
sostiene la estructura, y que otro lado se desmorona, premia, hace
homenajes, edita y reedita a estos montruos devoradores del lenguaje
y de las estructuras dominantes. Con la caida del aparato muestran,
dejan ver...ademas de leer...dicho desmoronamiento, dicho
desprendimiento. La letra se ha hecho objeto, de letra a leer a letra
a ver.
Pessoa.
Todo arte es una forma de literatura
7
de febrero, 7 de mayo del 2018
Comisariado:
Ana Ara y João Fernandes
Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía con la Fundação Calouste
Gulbenkian
"A
través de la prolífica producción textual de sus más de cien
heterónimos, Pessoa creó una vanguardia propia y se convirtió en
intérprete de excepción de la crisis del sujeto moderno y de sus
certezas, trasladando a su obra una otredad múltiple que achacó a
su desorientación existencial. "
Queda muy claro, la caida
del autor, la falta de nombre, y la busqueda del seudonimo, en
Pessoa, que adelanta al hombre contemporaneo: el Otro no lo nombra,
porque el Otro ha caido, a su vez el otro no lo representa, ya que
todos cambiamos de nombre y de lugar permanentemente. No solo se
trata de la caida de la identidad, el nombre y el lugar, sino la
identidad al infinito, ahora una ahora la otra. Lo que nos llama la
atención es como los museos, y los grandes museos, en principio en
el dominio de la imagen, se ocupan de los escritores. Antes se
trataba de ver o leer, museo o editorial, galeria o teatro, ahora
podemos exponer lo que se lee, podemos visualizar (poesia visual) lo
que se escribe. Con esto quiero señalar que no solo es la caida del
Otro, que nos identifica y nos nombra, sino de la caida del objeto.
El objeto que nos ha permitido separarnos del Otro, y nos empuja a
escribir, a pintar, a escuchar o a bailar.
El interés de los
museos, de los comisarios, de mostrar, de demostrar, como la
literatura, los escritores tienen relación con su tiempo, con el
arte de su tiempo, y como literatura y arte juegan el mismo juego, el
juego de la escritura: el arte como escritura. Por lo tanto uno y
otro es un arte para leer, ya no se trata de ver, de la mirada, sino
de leer, de allí nos da entrada al arte digital, y al arte por
internet. No solo como lo ve el comisario, sino como lo lee, como
hace una lectura, no solo del artista, del autor, sino de su época.
Un nuevo reconocimiento para Pessoa.
Por otro lado, la
construcción 'del personaje' en estas notas voy señalando que tanto
Brossa, Parra y ahora Pessoa, no solo han construido, han escrito,
una obra descomunal, sino han construido 'un personaje', una
narrativa alrededor de cada uno, que coloca a cada uno más allá del
lugar y de su tiempo: el nombre, la construcción de un nombre.
alberto
caballero, barcelona, marzo 2018
leer completo en
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de la serie 'el arte y el mercado de
arte
La sociedad como obra de
arte: el hombre y el chimpancé
A.
The Swedish Theory of Love
Guion y Dirección Erik Gandini
Documentary 2015 Suecia
'La Teoría Sueca del
Amor' (en inglés: The Swedish Theory of Love) es una película
documental dirigida por el realizador italiano Erik Gandini.Trata,
esencialmente, con mirada despojada y velada al principio y luego con
mirada crítica, de la ingeniería social del individualismo de
estado, y el estado de bienestar producto de aquel. En Suecia, la
mayoría de los beneficios del estado de bienestar están conectados
con el individuo y buscan promover su autonomía individual, mientras
que en otros países las instituciones del estado de bienestar están
más centradas en los hogares. En Suecia esta ideología se llama
individualismo de estado. La película examina de qué manera
esto ha afectado a la sociedad sueca desde los años sesenta.
The Square
Guion y Dirección Ruben Östlund
2017 Suecia
Christian, mánager de un
museo de arte contemporáneo, se encarga de una exhibición titulada
"The Square" en la que hay una instalación que fomenta
valores humanos y altruistas. Cuando contrata a una agencia de
relaciones públicas para difundir el evento, la publicidad produce
malestar en el público. Es un padre divorciado que disfruta
dedicando su tiempo a sus dos hijas, es un valorado programador de un
museo de arte contemporáneo y es de esa clase de personas que
conducen un coche eléctrico y respaldan las grandes causas
humanitarias. Está preparando su próxima exposición, titulada "The
Square", en torno a una instalación que incita a los visitantes
al altruismo y les recuerda sus deberes respecto a sus semejantes.
Pero cuando a Christian le roban su teléfono móvil, su reacción no
le deja precisamente en buen lugar...
Con
estas referencias, hay que hacer, ya que este documental y esta
pelicula no solo darán que hablar sino darán que hacer.
1.
Hasta donde ha llegado el progreso (?) social, la sociedad del
bienestar en la Europa del siglo XX, las consecuencias de dicho
progreso (una ingenieria de la individualidad): Suecia. Frente a la
sociedad de los chinpancés, donde al final de la película, un
filantropo se instala en Etiopía como el país menos desarrollado
del planeta. ¿Dónde están los puntos de contacto? : los
refugiados, los inmigrantes legales (de paises subdesarrollados), y
este filantropo y su esposa (africana) que viven en Etiopia. Entre el
joven (latino) ayudante del protagonista y el sociologo Zygmunt
Bauman (con su teoría de la sociedad líquida), entre los
diseñadores de marketing y los refugiados de la calle. Etc,etc.
¿Cúal
sociedad? Por un lado la sociedad real, donde lo real, la
subsistencia, la mutilación y la pobreza, son predominantes, y por
otro la sociedad virtual, los sistemas electronicos, no solo de
comunicación, los medios (de comunicación, de difusión, etc) es el
aparato fundamental. Lo que ha cambiado es el aparato, el aparato
como solución a la sociedad como sintoma. Se trata de una sociedad
virtual (hemos visto muchas películas al respecto) que tiene resto
de otros modelos de sociedad (tercer mundo, sociedades en guerra,
zonas de pobreza extrema, etc) y las respuestas son multiples:
filantropia, ONG, misioneros, voluntarios, etc, que se usan no solo
en la política sino también en el arte (Bienales en Senegal, en
Turquía, en Buenos Aires...etc.).
2.
¿Cuáles son los nuevos personajes de esta ingenieria social?
Uno,
en el deporte los jugadores estrellas, los entrenadores, los
presidentes de los clubes, se cotizan, ganan millones, estan
permanentemente en los medios. El fútbol,ha dejado de ser un
deporte, se ha convertido en un producto de mercado. "Parece
incorrectopero es de perogullo: en el arte hay una aristocracia.
Igual que en el fútbal. 'No es lo mismo Messi que un jugador
regional' Ernesto Caballero (Director Centro Dramático Nacional)
Dos:
Los coaching, como entrenadores personales, como estilistas, como
jurados de concursos, personal shopers, asesores de presidentes y
políticos, etc. 'El entrenador', idem que en el deporte, ha dejado
de ser un 'curador personal' para convertirse en un mananger en
empresas, partidos politicos, etc. Se dice: tal partido político,
tal político, tiene como asesor a tal y cual.
Tres:
los curadores, los directores de museos, de galerías, de bienales, y
está de más decir de ferias, o sea del mercado del arte. También
se cotizan, entran en concursos internacionales, estan en el mercado
del arte, dirigen el mercado del arte. "No me gusta que les
llamen influencers a los que marcan qué arte comprar y cuando,
aunque todo sea por activar el coleccionismo joven." Juan Palom.
Cuatro:
los masterchefs, ya no son solamente el chefs de las cocinas, sino
dirige empresas (Ferran Adriá y el Bullit, Joan Roca, Carme
Ruscadella, etc.) Publican libros, editan documentales, promocionan
la cocina regional, se relacionan internacionalmente, incluso son
coaching de concursos televisivos como Pepe Rodríguez o Jordi Cruz:
'Si no hubiera sido por la TV no hubieramos llegado tan lejos.'
No
seamos ingenuos, ya no se trata, como ejemplos, de la política, del
deporte o del arte, se trata del mercado, como poner un producto en
el mercado.
3.
¿Como ha cambiado la vida privada frente a esta nueva propuesta de
vida pública? ¿De que sociedad estamos hablando? ¿Cómo son las
relaciones, en general, cómo son las relaciones familiares, y como
son las relaciones sexuales en esta nueva sociedad? Tanto se ha
luchado por sostener los espacios de la vida pública y los de la
vida privada, que en este nuevo modelo del bienestar, ambas se
entrecruzan con facilidad: el director del museo que lleva sus hijas
pequeñas a entrevistas, reuniones, etc. Un asesor que lleva su bebe
a reuniones de consejo del museo. Los ayudantes que provienen del
tercer mundo con los que el protagonista habla de sus asuntos
personales, de sus sintomas, a los que les pideo opinion y ayuda:
todos somos amigos. No sabemos porque se divorcia de su esposa, habra
sido muy civilizado, asi como porque tiene relaciones sexuales con
una periodista.
Los
cambios de registro son frecuentes, forman parte de esta nueva
realidad virtual. Si en lo que denominaba 'sociedad moderna' lo real
y lo virtual, lo personal y lo público, lo sexual y lo social, se
distinguian en tanto anudamiento de registros, ahora en este nuevo
modelo, no solo no se distinguen sino además se confunden.Según
Bauman es una socidad líquida, o sea virtual. Pero lo que se
sostiene es que el sujeto (o el supuesto sujeto) sufre, es acosado,
se angustia, tiene miedo. El aparato no lo sostiene (el aparato nunca
ha sostenido completamente al sujeto), pide ayuda: a la periodista,
al ayudante latino, al conseje de administración, etc. pero el otro
tampoco se sostiene, se trata solamente de sostener 'la apariencia':
todo parece ser. Por eso afirmo que es una película sobre 'el arte',
porque el arte no sostiene (ni ha sostenido nunca) a la sociedad. Y
esta es la paradoja de esta película, si el mercado del arte ha
puesto a la sociedad como producto de sus ferias, es el arte que
muestra este fallo. El arte siempre nos ha mostrado un agujero, el
fallo de lo simbólico frente a lo real, ahora se pretende que lo
imaginario supla este fallo. Pero la apariencia lo pone en evidencia
mucho más.
Efectivamente
'no hay crítica' es crónica, a mi me interesa las crónicas, las
notas de prensa, las referencias, para poder luego teorizar, analizar
no solo la obra del artista sino como ha sido instalada, exhibida,
por otro artista que es el comisario, el instalador, a lo que Canogar
dice: Pero la escenificación de la exposición queda excesivamente
encajada por la arquitectura del museo. Esta es otra lectura, la
lectura del comisario, o de lo que se denomina 'curador', lo ha
señalado ya repetidas veces no se trata de dejar leer la obra del
artista, sino leerla a través de la lectura del curador.
Esto
es el lugar del comisario de arte hoy, en la sociedad actual, los
comisarios son los 'mise en scene' contemporaneos como lo fueron los
realizadores de la escena teatral como Tadeus Kantor, Jerzy
Grotowski, Eugenio Barba, y Albert Boadella...entre otros, en la
segunda mitad del siglo XX, desprendidos del texto (teatral) la obra
es la puesta en escena, la performance. Aquí los curadores
desprendidos de 'la obra' del artista o de los artistas, lo que cobra
importancia es la puesta en escena, aqui en la galeria o en el museo.
Dicho
esto, si en la sociedad nos hemos desprendido no solo de 'la
historia' sino también 'del discurso' lo que queda es la puesta en
escena, de una escena a otra vaciada de contenido. De allí que en la
película de The Square de Tuben östlund, si hay metáfora alguna es
la de la niña encerrada en 'el cuadrado', instalado en la calle
frente al museo, el sujeto se ha transformado en objeto de la
instalación. Y dentro, el objeto producto de la obra del artista se
desprende al minímo contacto, ya que se trata de una sucesión de
montones de arena.
leer artículo completo
alberto caballero,
barcelona, febrero 2018
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después de la
performance
Mujeres...saber
sostener el amor al arte.
El verano, pasaron
exposiciones de...mujeres....de artistas mujeres, solo me interesa lo
singular de cada mujer y de cada obra, lo particular de las
instalaciones que se han realizado ultimamente, y están aqui por ir
'mas allá de la performance', de la acción, del cuerpo, utilizando
distintos registros: la imagen (fotografia, video) las entrevistas,
los catálogos, y por consiguiente 'la instalción' en cada caso
también singular, el cambio de lugar implica un cambio de
instalación, de un lugar a otro. Son meras notas, donde recomiendo
el visionado por lo apasionante de cada una, como mujer y como
artista: saber sostener el amor al arte.
mujeres....más allá de
la performance
ellas artistas...ellas
comisarias...ellas críticas
Si la mujer es...una por
una...la artista (o el artista) también es una por una ¿qué sucede
cuando la comisaria (también una por una) intenta hacer serie, o
cuando las críticas (también una por una) dicen o escriben sobre
'el arte de las mujeres' o 'el arte hecho por las mujeres'? En estas
cortas notas hago referencia a una serie de exposiciones de artistas
mujeres (una por una) que en el transcurso del año, me llamaron la
atención, no conocía su obra, o me resultaron muy interesantes.
Como hemos pasado de 'registrar' el cuerpo, la acción con el cuerpo,
en el caso de Fombin y Almeida, a la acción con el objeto, el objeto
ocupa el lugar del cuerpo, como una regresión a un estado infantil
donde la niña juega con su propio cuerpo y juega con objetos que
remplazan su cuerpo, jugar con su propio cuerpo jugar con el cuerpo
del otro.
CAROLINA BONFIM
90 movimientos sobre
TECHNOGYM G6508D
PROBLEMÁTICAS. Artistas
en el relato incompleto
Ciclo de exposiciones
comisariado por Chus Martínez Domínguez
20 enero – 2 abril 2017
MARCO
Museo de Arte
Contemporáneo de Vigo
Coincidiendo con la
jornada inaugural, el viernes 20 de enero a las 19.30 tendrá lugar
en el salón de actos un encuentro-coloquio abierto al público entre
Carolina Bonfim y la comisaria del proyecto, Chus Martínez
Domínguez. A continuación, a partir de las 20.00 la artista llevará
a cabo una performance, como activación de la pieza, en el propio
espacio expositivo.
Helena
Almeida
CORPUS
IVAM
Institut Valenciá d'art modern
febrero-junio
2017
Comisario /
a
João Ribas
y Marta Almeida
La
exposición Corpus presenta un total de 52 obras, entre
pinturas,fotografías, vídeos y dibujos, realizados por la artista
portuguesa Helena Almeida desde los años 60 hasta la actualidad. En
estas obras el cuerpo de la artista registra, ocupa y define el
espacio y juega un papel central.
Liliana Porter. Diálogos
y desobediencias
Artium, Vitoria
coproducción CGAC Centro
Gallegp de arte contemporáneo
comisariado Estrella de
Diego
07 Abril 2017 -27 Agosto
2017
La artista argentina
Liliana Porter es una de las creadoras más lúcidas y originales del
panorama actual, representada en los grandes museos internacionales e
invitada a la presente Bienal de Venecia. Jugando con las
subversiones espaciales, los diálogos inesperados y los
trastocamientos de las proporciones, desde los años 70 del XX ha ido
creando un universo propio y unas sólidas y fascinantes propuestas
de revisión de lo establecido.
Me complace agregar a
esta serie la obra de Mireya Baglieto...más allá de la experiencia
misma, el espacio.
"Viaje
al espíritu del tiempo", un obra uterina.
Museo
de la Cárcova del 29 de junio al 17 de septiembre.
"El
espacio
núbico es
una creación original de la artista Mireya Baglietto, quien a partir
de la intervención del espacio con gasas, films sintéticos, telas y
tiras de diversas texturas invita al espectador a una participación
activa, que consiste en recorrerlo individualmente observando el
espacio a través de un espejo colocado horizontalmente a la altura
de los ojos y enfocando hacia arriba. De este modo se produce la
magia en cada espectador provocando una especie de ingravidez
virtual, una nueva percepción del espacio que cuestiona las tres
dimensiones euclidianas. "
Tambien
es efímero, como lo es la acción, se instala cada vez, y cada vez
es singular, también es efímera la imagen que tiene el visitante,
ya no espectador, al recorrer el desierto de imagenes, el espacio por
si mismo, la imagen la pone visitante el recorrer el espacio, cada
vez diferente. Se trata de lo imposible reconstruir el desierto,
recorrer el desierto, el desierto de imagenes y de palabras.
alberto
caballero, barcelona verano del 2017
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texto completo en
http://www.geifco.org/a-caballero/descargas/trompeta.pdf
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pas
de deux
Cabello/Carceller
exposición
BORRADOR
PARA UNA EXPOSICIÓN SIN TÍTULO (CAP. I -II).
CABELLO/CARCELLER
Producción:
MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo /
CA2M
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles. Madrid
COMISARIO
MANUEL SEGADE
1-La
pareja en el arte , las parejas que han tenido el arte como objeto
(anticipo: Dali/Gala, David Bestué y Marc Vives, etc ¿Cómo el arte
hace de objeto en la pareja?
desde:
DALI-GALA
(nombre en espejo)
GALA-DALI
a
cabello-carceller
(nombre compuesto)
2
-Exponer la performance
Cuerpo
& Política
Exponer,
no solo quiere decir exhibir, sino también exponer las ideas, poner
las ideas como palabra pero también como texto, y en este caso
ex-hibir + ex.poner = catalogo: donde las imagenes van acompañadas
de textos. Generalmente las imagenes son del artista que ex.hibe,
pero está in.hibido de hablar de la obra que ex-hibe, aquí en el
caso de esta pareja de artistas, ex.hibir y ex.poner también son una
pareja, van a la par, muestran sus obras pero también dicen con la
palabra y con la escritura, hacen de todo ello su 'marca de origen'.
Esto lleva al concepto de 'exposiciones': por un lado realizar una
exposición/exhibición, de las obras, por otra tomar posición, van
tomando posiciones no solo en el ambito de las exhibiciones sino de
los debates, de las publicaciones, etc.
Exponer/Estar
de moda
Debido
al acontecimiento de 'la retrospectiva' dedicada a la pareja de
artistas, primero en Marco de Vigo y luego en CA2M de Mostoles,
Madrid, me llevó a informarme de las razones de dicha
retrosptectiva, una de ellas, muy valiosa, es la impresionante
cantidad de exposiciones individuales y colectivas en las que han
participado, además de los carteles y los catálogos de dichas
exposiciones. Surgen las preguntas: ¿Qué se expone? Obra, o/y se
exponen la pareja de artistas, o/y se exponen las ideas, o es una
manera de mantenerse 'de moda', estar de actualidad en 'discurso'.
Esto nos lleva a : 'Del discurso a la exhibición', II Seminario
Internacional Historia del arte y feminismo, octubre 2013, Chile.
seguir
leyendo en:
http://patrimonioygenero.dibam.cl/651/articles-59170_archivo_01.pdf
Exponer.se
también se refiere a estar o no muy expuesto, mostrar o no
demasiado, exponer todo o ir sacando cartas poco a poco. Si antes
parecía que se trataba de una actitud política, ahora se trata de
un modo de estrategia, no solo de los artitias cono obra individual
sino de las parejas de artistas.
3-mirar-ser
mirado
mujeres
mirando mujeres
mujeres
mirando-se a si mismas
En
el primer par de imagenes se verifica mujeres mirando mujeres, las
artistas miran a mujeres, están detrás de la camara, en el segundo
par de imagenes las artistas o están en posición ser-mirado, o se
miran a si mismas. Con el logo MMM, mujeres que miran mujeres, se
intenta señalar que entre una (mujer) que mira y la otra (M) que
mira está el objeto (mujer) mirado. La mujer ocupa ambos lugares.
4
-escribir-hablar
Al
par hacerse-ver se agrega el hacerse-escuchar y el hacerse-leer,
incluso en entrevistas, hacerse-ver que luego se pueden leer en
prensa general y especializada, les preguntan que leen, que ven, que
escuchan. El como lo hacen (el objeto) el saber-hacer ha pasado de
moda, el oficio de artista, el adquirir oficio (que venía de las
artes plasticas y luego aplicadas) ya no funciona, ahora se llama
'artificio'. No se trata de hacer (de producir) el objeto, se trata
de hacer 'con' el objeto como fetiche, el objeto ya está producido
ahora el oficio es hacer con él, en su valor agregado, se le agrega
lo ficticio.
Entonces,
si esto es así, la palabra, en tanto oral, y la letra en tanto
escrita, adquiere valor de 'artificio', no es tanto lo que se dice,
sino como se lo dice, donde se lo dice, a quienes se lo dice, para
qué se lo dice, el artificio de hablar en público, que luego se
llevará a youtube, el artificio de escribir en las redes sociales,
que luego se llevará a prensa...es el artificio 'del mercado'. Como
ser un artificio para el mercado, por un lado reprimir, ocultar, y
por otro hacerse-ver. En cuanto mas se oculta mas se hace ver, en
tanto más quiero estar fuera del mercado, más estoy en él.
Ya
hemos encontrado 'la marca': pas de deux y a su vez el
anudamiento con otra pareja celebre en la historia del arte, que han
dejado una marca -indeleble'- no se puede borrar. En particular ha
significado una marca de salida en mi recorrido 1997-2017 de
articulos sobre instalar...lo real, más adelante instalar...la
acción, para cerrar con: la acción...a la letra, la marca de
llegada, marcas que he ideo dejando en el camino 'de la escritura' y
que me han dejado marcas, marcas que solo deja la escritura.
En
ballet, un pas de deux (en español paso a dos) es un dúo en el que
los pasos de ballet son ejecutados conjuntamente por dos personas.
Usualmente consiste en una entrée (entrada de la pareja), adagio,
dos variaciones (una para cada bailarín), y una coda. También es
conocido como Grand pas de deux o Gran paso a dos.
5
-El último par: El objeto fetiche/la mujer fetiche
Algunas
notas del texto de:
Hijas
fetiche, mujeres fetichistas
Genevieve
Morel
Girona
5 de mayo 2007
"El
fetiche es aquí a la vez cualquier objeto elegido en su preciso
momento de un modo contingente por su proximidad al cuerpo y al sezo
femeninos, pero que se convierte, en su singularidad, en la condición
absoluta del deseo" "...el fetiche...está separado de la
que lo lleva...pero la mujer también puede ser el soporte de la que
lo lleva." "La pareja natural/artificial también reina
aquí, pero lo natural se obtiene en el colmo del artificio, de lo
fabricado, de lo artificial...facticiues, la palabra latina de donde
viene 'fetiche'.."
De
lo artificial del objeto fetiche....al cuerpo de la mujer como
fetiche.
"El
exhibicionismo femenino que respondería al voyerismo masculino,
reprimido gracias a la ropa que será fetichizada, el fetichismo se
acompaña siempre de una fuerte idealización y a veces a la
sublimación."
darse
a ver: el travestismo, todo uso de la vestimenta participa de la
función del travestimos:por un lado vela y por otro espera a ver. La
mujer se da a ver. O sea por un lado se da a ver, por otro oculta,
reprime gracias a la vestimenta fetichizada, o sea garantiza la
feminidad. De allí que la mujer es singular, cuanto mas pierda la
singularidad de lo que es como mujer, al mismo tiempos se alejara de
la feminidad que era objeto de su busqueda. a lo que agrega: La
feminidad siempre es singular y en escencia, fuera de la ley o de la
norma...las mujeres una por una, cada una en su singularidad."
Si 'las mujeres una por
una, cada una en su singularidad', que sucede con la pareja, con el
par de: se trata del doble, del otro como yo, del dos que se hace
uno, o de la imposibilidad del dos...por consiguiente la busqueda del
tres, del objeto externo, del fetiche, que cubra esa imposibilidad.
pareja/aparejo/aparato
D'
être le seul... s'appareiller, ante la caida del padre simbólico,
surge la mujer, aquí no es así surge l'apareille, el aparato
imaginario: el otro y lo mismo. En el mito no sería Narciso sino
Eco, ya que Narciso s'apareiller con su propia imagen, y Eco es la
pareja de la voz del otro. De aquí en más seria una 'recerca', una
busqueda, una investigación que aquí no tiene lugar.
Alberto
Caballero, Barcelona marzo 2017
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el art ículo completo en
pdf
http://www.geifco.org/a-caballero/descargas/cabello-carceller.pdf
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politicas del arte....
el artista como el propio comisario
primera parte: la instalación/las
instalaciones
Boltanski
DÉPART - ARRIVÉE
IVAM institut valenciá d'art modern
5 de julio/ 6 noviembre
valencia/españa
COMISARIOS Christian Boltanski y José
Miguel G. Cortés
“Cuanta más edad
tenemos, mayor es la impresión de caminar sobre un campo de minas.
Los amigos saltan por los aires a nuestro alrededor y mañana, quizá,
sea nuestro turno”. Esta frase de Christian Boltanski (Paris, 1944)
remite con claridad los grandes temas que transitan por sus obras e
instalaciones y que marcan toda su trayectoria artística. La
memoria, la pérdida y la muerte son conceptos principales, casi
obsesiones, en la obra de Boltanski. Así como sus reversos en el
olvido, la desmemoria, el azar y el rastro apenas inexistente que
deja cualquier vida tras desaparecer. Aquello que en otras etapas de
su trayectoria evocaba la desaparición de la infancia, el deceso de
sus padres o la muerte colectiva, se centra ahora en su propio fin.
Todos estos aspectos quedan reflejados y analizados en la exposición
Christian Boltanski, realizada con motivo de la concesión del Premio
Internacional Julio González 2014, que cuenta con 7 grandes
instalaciones distribuidas por la galería 1 del IVAM."
Del Goce del Otro, al plus de goce
La muerte como archivo:
los cementerios/ los nichos/ los relicarios/el arte funerario/
exposicion de....sobre los relicarios / la muerte y el exterminio/el
padre muerto y la muerte del Otro. Los archivos como restos de la
muerte del otro/las iglesias como restos de Dios y de la monarquia/
los coleccionistas para la monarquia/las colecciones de museos como
cementerios del Otro, las colecciones de las fundaciones privadas/ el
archivo como herencia, los restos del Otro. Las subastas como
mercantilizacion del archivo, los coleccionistas de libros, de cine,
de arte,el arte como subasta para los coleccionistas, como
inversiones en bolsa. El archivo como valor agregado/el archivo como
plus de goce: Bolstanky. ¿Monumentos funerarios? Frente al monumento
exterior , lo publico (los egipcios, Julio Cesar, Napoleon....etc) el
archivo, interior, fragil, recuerdos particulares se hacen publicos,
mas cerca de los monumentos funerarios en cementerios, lo particular
se hace publico.
tercera parte, algunas anotaciones
En esta serie sobre
visitas a 'exposiciones/instalaciones' no es mi intención sacar
conclusiones, ni de ninguna manera cerrar mi punto de vista sobre la
obra o sobre el artista en cuestion, es solo tratar de presentar la
exposición/instalación y señalar algunas referencias que me ha
sugerido la visita: otras instalaciones del artista, el contexto en
que se presenta, entrevistas al artista, algunos antecedentes
fundamentales, en este caso Piranesi y el mito de Orfeo, algunas
referencias teóricas como es el texto de Wajcman: entre el objeto y
la negación, se podría decir entre el objeto y el espacio, que
según él han determinado las dos grandes líneas del arte del siglo
XX.
Dicho esto, vamos a la
obra de Bolstanski, según sus criticos y/biografos, inseparable de
la 'narración de su vida': su vida marcada por determinados
acontecimientos fundamentales determina el desarrollo de toda su
obra, se lee claramente en el libro de entrevistas que entre muchas
otras le hace Catherine Grenier. O sea dos vertientes fundamentales,
desde esa marca primera, una volver a narrar su vida una y otra vez,
entrevista tras entrevista, y por otra volver a instalar desde esa
marca fundamental una y otra vez. Lo que deja claro que 'no hay
palabra última' y no hay instalación última, es cada vez.
Si el legado hegeliano
nos ha dejado la triada: negación, muerte y trabajar con ello,
Boltanski es fiel a este aparato, fiel al legado que nos ha dejado el
siglo XX después de la segunda guerra mundial, y es más que
evidente que él es hijo de este legado, con el que todavía estamos
viviendo: refugiados, desplazados, sin nombre, etc. Tenemos muchos
ejemplos en el arte del siglo XX: Picasso y la guerra civil española,
Bacon y la colonización britanica, Kandinski y la revolución rusa
entre muchos otros. La particularidad de Boltanski, no es que está
marca esté implicita en la obra, es que está marca se deja ver
siempre en su obra, se instala cada vez, y se borra cada vez, no deja
representación, no deja objeto, no deja cuerpo.
Todo lo contrario que
Primo Levi se trata de atravesar el espacio de la muerte, negandolo,
haciendo con la marca, sin caer en cada intento. Atravesar el vacio,
donde a veces si, a veces no, se dejan entreveer algunas huellas,
huellas de la muerte no solo en el sujeto, del siglo XX, no solo en
el objeto, el archivo, sino en el espacio mismo, que ha quedado
vacio de toda representación, por un lado, pero tambien de todo
cuerpo por otro. Más allá de todo resto, de toda ruina, de allí
señalo como referencia a Piranesi que toma las ruinas del mundo
clasico como su paisaje habitual, y por otro a la Shoah, donde las
ruinas de los campos de concentración nos sirven como referencia a
la caida no solo de la modernidad, sino del humanismo. Nos hemos
quedado sin referentes, es lo que nos señala Boltanki con su otras,
que se instalan una y otra vez, con sus entrevistas que se dicen una
y otra vez.
Antes de terminar, no
puede dejar de mencionar el mito de Orfeo y Euridice: el amor a la
muerte. Así como Apolo representa el amor a la belleza, y Dionisio
el amor al teatro y del extasis, Orfeo representa el amor a lo
perdido, el amor más allá de la muerte, línea que seguirá
Shakespeare con Romeo y Julieta, y el Dante con Beatriz...más
adelante el romanticismo, y más aún Kafka y Pessoa retoman esta
línea desde angulos singulares. Boltanski no toma al sujeto del
amor, no toma al objeto del amor, sino al espacio del amor perdido,
ese atravesamiento que hace Orfeo intentando sacar a Euridice del
mundo de los muertos, en tanto imposible. Boltanski nos hace ver ese
imposible, intentar sacar a la humanidad de esa destrucción
reiterada, atravesa Hades -‘la
casa/dominiode
Hades’, de nuestros muertos, de las muertes que cada uno arrastra,
de la muerte de la humanidad misma. Así como Miguel Angel representa
la caida del mundo antiguo, y el surgimiento del renacimiento,
Bolstanski no-representa, ya que es en tanto vacio la caida del mundo
moderno y el surgimiento de una contemporaneidad en construcción.
Alberto Caballero,
Barcelona diciembre 2017
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El hombre del
animal al cyborg
del sexo al
destello
Estamos viendo en estas
notas como el cuerpo del hombre es usado en el arte por un lado como
cyborg-robótica....pero por otro como....carne. Después del
lenguaje, las nuevas tecnologías, antes del lenguaje, el cuerpo
animal, no atravesado por el lenguaje. Es evidente que lo que estamos
cuestionando es el humanismo, que introduce la lógica del cuerpo
humano, o sea se trata de la caida del humanismo, queda atrapado
entre un lado y el otro. Estos son algunos ejemplos singulares de
esta lectura.
Si nos extendemos un poco
más ha side pasar del hombre-animal, con taparrabos, del hombre
animista, a la prohibición del desnudo (judeo cristiano) hasta la
actualidad, todavía en los medios como facebook, youtube, etc no se
puede exhibir el cuerpo desnudo. Las dos grandes prohibiciones de la
civilización occidental son el incesto y el desnudo. Prohibiciones
que determinan el cuerpo y el lenguaje, ambas como faltas que van a
resignificar la socialización del sujeto, pertenecer a un grupo
social determinado, determinación que tiene su origen en el mito
griego. Mito que ha sido adoptado por las religiones occidentales.
¿Cómo esta prohibición
es interpretada por el arte? La mujer como objeto, como objeto de la
imagen y luego con su cuerpo como objeto se salta la ley, va más
allá de la ley, como le es propio la mujer va más allá de la ley,
y hace con eso, cientos de ejemplos. Ahora el cine, la publicidad, el
video arte, incluso la robotica siguen esta linea. En el caso del
hombre este se sostiene a rajatabla, el sexo del hombre sigue
prohibido: de allí el escandalo que provoca una gran exposición en
Viena, que tiene este nombre: El hombre desnudo.
En el recorrido de estas
notas, llegamos a la conclusión que del hombre animal que exhibía
su sexo en tanto poder fálico frente al animal idealizado, con la
llegada del hombre cybor desaparece el sexo, no se trata de una
práctica u otra, si se trata de la robotización o el avatar del
cuerpo del hombre, este se queda sin sexo, lo vemos en Robocop, solo
cerebro, o en la obra de Tony Ousler, el hoombre se ha convertido en
mero destello.
1. antecedente
John
Coplans
"Esas
fotografías nos remiten a las políticas del cuerpo, al constituir
la vejez un tabú en la sociedad americana, que tiende a la adoración
de la belleza y la juventud. Como consecuencia de ello, el
envejecimiento de los cuerpos ancianos se hurta a la vista al ser
imperfectos, con frecuencia enfermos y estar condenados a una pronta
muerte"
2. ENCUENTR.03 EXPERIENCIAS DE LA CARNE
santiago cao
https://www.facebook.com/cao.santiago
Max Provenzano
https://www.youtube.com/user/desarmarlamakina
marc montijano
http://www.marcmontijano.com/
"La obra que lleva
por título Tempus fugit. Metamorfosis XIV, ha tenido lugar a las
doce del mediodía. En ella el artista ha dispuesto cuatro modelos,
dos masculinos y dos femeninos, dentro de un círculo de cuerdas
atravesado por una cruz, con la estética que caracteriza sus
creaciones (desnudos, con el rostro cubierto por un saco y rodeados
de cuerdas). Un gran reloj en el medio de la plaza, a modo de memento
mori, recordándonos a todos que el tiempo se escapa (Tempus fugit) y
que deberíamos alejarnos de lo que nos desorienta y extravía. Con
esta obra vuelve a los orígenes de la serie Metamorfosis con un
tinte más urbano y provocador. " Marc Montijano
3.
La imagen del cuerpo....a la robotica
En
estas -cortas- notas intento ir definiendo la diferencia entre imagen
cyborg i(a) (avatar ) y el cuerpo tecnológico, como bien dice la
palabra pertenecen a dos lógicas diferentes, la primera la logica de
la imagen, siempre imagen de otro, construir una imagen otro, y la
lógica de la tecno....una herramienta de la ciencia. Ambas fuera.
¿Dónde ha quedado la imagen interior? La imagen se construye en
tanto exterior, ya sea como Yo, ya sea como otro, como otro objeto
del yo. En el caso de la performance el artista pone su cuerpo como
imagen externa del yo, no como yo, como pretenden dar a entender
ciertas teorias américanas del yo, sino como objeto. En cuanto a la
robotica, Sterlac Antúnez, se trata de una suplencia del cuerpo,
suplencia mecánica de lo organico, son dos modos de lo real, si
sostenemos lo real como lo imposible, siempre será una suplencia, o
a la imagen o a la mecánica del cuerpo.
>
Stelarc
> Orlan
> Marcel.lí Antúnez
> Lucy McRae
> Orlan
> Marcel.lí Antúnez
> Lucy McRae
Robotizar
...lo imaginario: la imagenhttp://revista.escaner.cl/node/219
Reflexionar
sobre los cambios producidos por las nuevas tecnologías y los
desarrollos en las ciencias respecto a la condición del sujeto, su
visión de mundo, los vínculos de los individuos con el entorno
(naturaleza y cultura) y con las máquinas(técnica), así como
investigar las nuevas relaciones que se pueden dar entre la obra y el
público, son los propósitos de Epifanía.
4.La
imagen del cuerpo....al cyborg
Cuerpo,
espacio y tiempo en Bruce Nauman
CASO DE ESTUDIO
IVAM Institut Valencia d'Art Moderno
febrero a junio 2015
Valencia, España
comisario: Mª Jesús Folchhttps://www.ivam.es/noticias/el-director-del-ivam-presenta-la-exposicion-caso-de-estudio-cuerpo-espacio-y-tiempo-en-bruce-nauman/
CASO DE ESTUDIO
IVAM Institut Valencia d'Art Moderno
febrero a junio 2015
Valencia, España
comisario: Mª Jesús Folchhttps://www.ivam.es/noticias/el-director-del-ivam-presenta-la-exposicion-caso-de-estudio-cuerpo-espacio-y-tiempo-en-bruce-nauman/
Ed
Atkins tra tecnologia e iperrealtà
y Atkin
curada por Carolyn Christov-Bakargiev e Irene Calderon
27 sept 2016 a 29 en 2017
Torino, Italiahttp://www.castellodirivoli.org/mostra/ed-atkins/
y Atkin
curada por Carolyn Christov-Bakargiev e Irene Calderon
27 sept 2016 a 29 en 2017
Torino, Italiahttp://www.castellodirivoli.org/mostra/ed-atkins/
A*gR_3.
Tony Oursler.
Del 15 de septiembre al 12 de noviembre de 2016.
Galería Moisés Pérez de Albénizhttp://www.galeriampa.com/?page_id=698
Del 15 de septiembre al 12 de noviembre de 2016.
Galería Moisés Pérez de Albénizhttp://www.galeriampa.com/?page_id=698
para
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Alberto
Caballero Barcelona,
noviembre del 2016
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Alberto Caballero,
Barcelona julio 2016
Escuchando, leyendo las
entrevista, conversando con tal critico o tal otro artista, podemos
ir sospechando en las palabras de JJ que el proceso de su obra, en
general, tiene que ver con la naturaleza. Así como para Louise
Bourgoise tiene que ver con la cosa-objeto como resto del Otro, para
JJ tiene que ver con las imagenes de una naturaleza perdida, con los
restos que nos deja nuestra visión de la naturaleza. No de una
naturaleza salvaje, terrible, destructiva, amenazante, sino una
naturaleza a contemplar a contemplar desde afuera, mas allá de la
imagen. Mejor dicho utiliza la naturaleza como imagen a contemplar.
No conozco profundamente el arte américano, solo algunos de los
grandes artistas, que han producido rupturas fundamentales con
respecto a la modernidad europea, como Pollock, Cage y más adelante
Lynch, que nos muestran no solo la caida de la tranquila
representación de las vanguardias, sino el horror de lo que esta
velado.
Alberto Caballero, Barcelona septiembre del 2016
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de la pasion por el cuerpo al cuerpo de la pulsión
August Rodin
Camille Claudel
La pasión va des.figurando la imagen del cuerpo, que viene del renacimiento y termina en el neoclasicismo (Aristide Maillol)
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El
arte de la política, las políticas del arte
serie:
cuerpo del otro, el cuerpo del hombre como cuerpo del otro
las políticas del cuerpo, el cuerpo en la política
las políticas del cuerpo, el cuerpo en la política
bienales,
museos, fundaciones, galerias
Según
se dice, tradicionalmente, el hombre era el artista y el cuerpo de la
modelo su obejo (Renoir...), el primer giro lo hace la mujer al
colocarse en el lugar del/de la artista y su propio cuerpo como
objeto (la performance), o sea cambia de objeto a sujeto, ocupando
los dos lugares. Ahora del lado del hombre esto también ha cambiado,
de ser sujeto, artista, de su propia obra donde el modelo a
representar es el otro, ahora también ocupa el lugar del objeto, por
un lado sujeto/artista y del otro lado modelo/objeto. La primera
cuestion es clara la mujer puede ocupar el lugar del sujeto y el
lugar del objeto, la pregunta es si el hombre puede ocupar los dos
lugares: sujeto/objeto, o los artistasa que intentamos pensar, tomar
a otro/otros hombre/s como modelos. El caso de Miguel Angel (el
David) o el caso de Rodin, son casos singulares y excepcionales a la
vez, si el cuerpo está del lado femenino, femenina es la posición
de su representación, es algo de una trasgreción radical. De allí
que la modernidad introduce la abstracción, como un lugar neutro en
esta cuestión. Un caso singular y extraodinario es Bacon, don no
solo el artista sino el objeto representado, forman parte del mismo
proceso: la disolución de la representación, la de.formación. Se
trata de la caida de la forma.
El
segundo punto: las políticas del cuerpo, el cuerpo en la política,
atañe a este movimiento, los artistas son hombres, y el objeto a
tratar tambien son hombres. No se trata solo de una trasgresión en
la forma-desforma, ya que la representación ha caido, sino en la
posición política de los artistas. No se trata de un discurso donde
se altera las relaciones del artista con el cuerpo (del otro) sino en
el campo del discurso politico, donde tanto el sujeto como el cuerpo
del otro son meros sintomas, o sea productos del discurso mismo. El
cuerpo en el discurso de la religion, la edad media, el cuerpo en el
renacimiento, el cuerpo de la ciencia, el cuerpo en la modernidad, la
fragmentación, y el cuerpo en el discurso capitalista, objeto de
mercado: según S Sierra, modos distintos de esclavitud, siendo mas
precisos modos diferentes de relación entre el amo y el esclavo
(Hegel). Recordemos Miguel Angel y el Papa Julio II y a Bacon con
Inocencio X, la relación no es la misma, y desarrollar esta cuestion
ya es un trabajo en si mismo. Si lo resumimos podriamos decir entre
la imagen del Uno (Otro) y la imagen del otro, aquí el artista es el
otro, y representa la imagen del Gran Otro: papas, reyes,
emperadores, etc. Ahora los artistas se rebelan ante el poder del
Otro, poniendo su saber al servicio del Otro, a beneficio del Otro.
O
sea es tan esclavo el artista como el modelo, esclavos del discurso
del Amo, pero ahora el discurso dominante es el discurso del capital,
el discurso financiero, y todo el aparato opera alrededor de él,
sean bienales, ferias, fundaciones o galerias, etc.etc. Son los
mismos artistas, que con su 'protesta' participan de la serie. Un
ejemplo relevante es 'Escombros' han estado en la cabeza de las
protestas contra los gobiernos militares en buenos aires, y ahora su
producción ha sido adquirida por la fundación que preside José
María Lafuente, la misma que adquirió gran parte de los restos del
moviemto Dadá, en el origen de todas estas cuestiones. Lo importante
no es la serie, sino el giro que dan las series, van a parar al mismo
sitio: el capital. Tanto el artista, mediante su producción, como de
su objeto: el cuerpo del otro, mediante intervenciones sobre 'el
discurso del capital, se encuentran: se empieza por las galerias, que
antes vendian Monet o Picasso (por un lado el Guernica y por otro las
altas cotizaciones en las subastas internacionales); se sigue por los
Museos y la Fundaciones, que compran de manera publica o privada
dichas producciones, ya lo hacia Velazquez o Goya bajo el discurso
del Amo monarquico, y ahora (Sierra, Wei Wei...) exponen en galerias
y las obras son adquiridas y expuestas por fundaciones de alto poder
adquisitivo.
El
cambio radical no solo esta en la posición (política siempre) del
artista, ni en el objeto que usan para su producción (incluso su
propio cuerpo) sino en el modelo discursivo (el Prado, el Louvre, etc
en el modelo monarquico) a las fundaciones actuales, bajo el modelo
capitalista. El que organiza y administra el proceso es el discurso,
tanto en la politica como en el arte. Siempre hay que preguntarse qué
ha pasado con el sujeto, que ha pasado con el objeto. A pensar.
Recomendamos
leer newsletter exit-express.com:
http://exit-express.com/desechables/
leer
información + artículo completo en pdf
Alberto
caballero, barcelona octubre 2016
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Joan Jonas:
caudal o río/ vuelo o ruta
Fundación Botín / sala
de exposiciones
16 de junio 26 de octubre
2016
Santander, España
primera parte
Nota de prensa + referencias:
folleto
de mano en pdf
"La
artista estadounidense Joan Jonas (Nueva York, 1936), pionera en la
práctica de la performance, el cine experimental y la
vídeo-instalación, es la protagonista de la exposición Joan Jonas:
caudal o río, vuelo o ruta, que acoge la sala de exposiciones de la
Fundación Botín en Santander del 25 de junio al 16 de octubre de
2016. La muestra ha sido comisariada por Benjamin Weil, Director
artístico del Centro Botín.
La
creadora estadounidense presenta una nueva instalación multimedia,
concebida específicamente para su exhibición en la Fundación
Botín, que lleva a cabo en colaboración con quince jóvenes
artistas internacionales, seleccionados por la propia Joan Jonas para
participar en el Taller de Artes Plásticas de Villa Iris, que tiene
lugar del 6 al 24 de junio de 2016.Un trabajo en el que la artista
profundiza en su investigación sobre la compleja relación del ser
humano con la naturaleza y el medio ambiente, un tema que ha sido una
preocupación constante a lo largo de su trayectoria.
La
nueva pieza se mostrará junto a una selección de videos que
documentan cinco de las más relevantes performances que la artista
ha ejecutado en los últimos quince años: Lines in the Sand (2002);
The Shape, The Scent, The Feel of Things (2004-2006); Reading Dante
(2007-2010); Reanimation (2012); y They Come to Us without a Word
(2015). Este conjunto de obras brindará al visitante una perspectiva
única del universo creativo de esta figura fundamental de la
vanguardia neoyorquina de finales de los años sesenta y comienzo de
los setenta. "
segunda parte
Nos invaden los americanos
Sobre el discurso, y de que discurso se
trata
Joan Jonas: "Espero que la
performance no se convierta en puro entretenimiento"
...
Si quisieramos entrar
algo más en esta linea, tenemos por un lado la america de las
guerras, de las guerras militares, pero también de la guerra de los
sexos -con los hippies, el punk, el rock, etc- las guerras
comerciales, financieras; pero por otro las lineas de pensamiento que
vienen de Palo Alto, David
Tudor
y John Cage, por consiguiente de Japon....de
Yoko Ono...de aqui a Merce Cunningam....etc. Lo contemplativo, el
vacio, la naturaleza, la serenidad ante todo, y aquí nos encontramos
con Mark
Rothko, incluso con el canadiense Bill Viola, y porque no el
americano Robert Wilson. El horror se ha transformado en mistica, en
una mistica del espíritu laico. Se trata de un retorno a la
naturaleza para encontrarnos con un espiritu laico, lo oriental en
occidente. Por que no nombrar a Frank
Lloyd Wright,
el gran conciliador de la modernidad que venía de Europa (sobre todo
Le Corbusier (que plantea la ruptura total con la historia y la
ciudad neoclasica del momento) y la arquitectura que se importaba
desde Japon, el dialogo con la naturaleza, los espacios continuos
dentro y fuera, etc etc. En la película Luna en Brasil, sobre la
vida de Elizabeth Bishop se muestra claramente ese tipo de
arquitectura en dialogo con la naturaleza, no imponerse, dejar pasar.
Una frase propia de Bishop famosa en la epoca: No se trata de vivir
el arte sino del arte de vivir.
Alberto
Caballero, Barcelona últimos días de agosto del 2016
tercera
parte
Despues
de la visita a la instalación
Fundación
Botín/Santander
Septiembre
2016
La
instalación de la obra en las salas de la fundación Botín. ...
La
obra son instalaciones/gravaciones realizadas en entidades como
bienales (de Nueva York, de Estocolmo, de Venezia, etc.etc.), en
grandes museos como La Tate, el MOMa, etc o como en este caso
patrocinadas por fundaciones privadas. La realización de la obra, su
destino y el patrocinio van a la par, al contrario de la obra de
Louise Bourgois donde se realiza en el taller de la artista durante
casi 50 años para luego ser expuesta en galerias y museos. En el
caso de LB la difusión de la obra es estricatamente restringida,
hacia adentro, se privilegia la obra, en el caso de JJ la difusión
de la obra se realiza hacia afuera, por un lado la instalación de la
obra y su realización final en video, como conferencias, wekshops,
sesiones de dibujo, archivo, gravaciones, siempre en público, donde
todas estas cuestiones forman parte de la obra misma: ella dando
conferenicas, debates, dibujando, manipulando materiales, gravando,
moviendose, interactuando con otros personajes, etc. Esto nos lleva a
la primera cuestión: ¿Cuál es el objeto de esta obra en grandes
dimensiones?
La
obra de la artista, los grandes videos.
Cuando
me refiero a grandes dimensiones, quiero señalar que la obra de LB
empieza por las pequeñas dimensiones: objetos, esculturas,
instrumentos, dibujos, etc, que luego pueden ser una obra en si
mismo, o formar parte de una obra (celdas) en grandes dimensiones, lo
que cambia es la escala
de la obra, no hay un cambio de pantalla, las pequeñas dimensiones
se pueden transformar en grandes y las grandes se podrian reducir en
pequeñas. El caso de JJ, es radicalmente diferente, el objeto cosa
es totalmente secundario, permite pero no es determinante, el objeto
se ha transformado en 'pantalla' . Si en el esquema de construcción
del objeto Jacques Lacan dice que el objeto se re-construye mediante
pantallas, que son una serie de pantallas que nos permiten (a nivel
perceptivo) instalar el objeto (con sus dificultades o fallos), aqui
lo interesnate es que el objeto de obra de JJ son las pantallas
mismas, las multiples pantallas permiten ver, velar, desplazar,
dibujar, o mover, según la artista realiza la instalación. Incluso
la instalación se realiza cada vez, no hay una realización en video
totalmente realizada, se realiza cada vez que la artista la instala
en un museo, una bienal, etc.
Intentare
dar cuenta de la sucesión de pantallas, no digo serie porque una
constituyen una serie fija, es aleatorio, ahora una ahora otra, según
el caso, de allí sucesión. En todos los casos, al fondo de la sala
donde se realiza la actuación, hay una pantalla la llamaré de fondo
donde se proyecta un video (primero) con imagenes también sucesivas,
quiero decir no construyen un relato escrito fijo, puede ser una u
otra. En un segundo momento la artista instalada en un lado de la
sala, delante de una mesa con objetos, dibujos, instrumento los está
gravando por webcam, también de manera aleatoreia o sucesiva, uno
detras de otro, proyectandolos a la 'pantalla de fondo' ahora dibuja,
ahora mancha, ahora pinta, ahora corta, etc. En una otra pantalla
lateral, en dirección contraria, podemos tener un musico, un
percusionista, un pianista, etc que interpreta piezas musicales con
el mismo caracter sucesivo, no intenta ilustrar lo que sucede en la
sala, ni siquiera complementarlo, el sistema no se cierra, se abre
siempre. Luego se abre una nueva pantalla, donde la artista u otros
participantes, se mueven manipulas elementos, lo gritan, chillan o
sencillamente se desplazan. Todo esto se esta gravando y proyectando
en 'la pantalla de fondo', a todo esto pueden aparacer superpuestos
en esta pantalla otras imagenes, antiguas actuaciones, dibujos, o
actuaciones laterales del escenario: las pantallas se superponen,
pero nunca con el sentido de cerrar 'la pantalla de fondo' como obra
en video. A esto se agrega que la artista lee determinados textos, o
se la voz de la artista, o de otros lectores, textos que aparecen
editados en 'la pantalla de fondo', y por último aparecen los textos
subtitulados en castellano, o sea la palabra, la voz, y el texto
escrito también son pantallas que forman parte de la obra.
La
obra en si, es una sucesión de pantallas, que suceden contantemente,
sin principio ni fin predeterminados, lo que se cierra es una
gravación XX de la obra para ser proyectada posteriormente en salas
de proyecciones de museos, festivales o por supuesto en internet,
youtube, congresos, entrevistas, etc. O sea es una obra que se
proyecta al infinito. Lo que para mi, por ahora, no me queda claro
es que si se proyecta la obra o la artista misma, o si la artista
forma parte de la obra en si.
El
desarrollo de la obra, en el tiempo: en las primeras obras, que he
podido visionar por youtube, las acciones son muy simples, por
ejemplo una mujer desnuda se observa con un pequeño espejo, JJ lee
un texto, o da una conferencia de prensa, etc, con publico o sin
publico. Insisto no son performance, ya que no tienen los caracteres
determinados en el arte de acción (la presencia, lo efimero, etc) ,
son actuaciones, son preparaciones para actuaciones mucho mas
complejas, que vienen del teatro Noh de Jaón, o de la danza
contemporánea americana (Merce Cunningham y otros ver nota en
http://www.geifco.org/actionart/actionart02/nmAU/nmau.htm).
Así en el desarrollo de las obras, de las salas de la fundación, se
confirma esto, las primeras ya complejas, mantienen todavía la idea
de la sucesión de panatallas de la arquitectura japonesa, de los
abanicos del Noh, pero ya en Forma, olor, sensación de las cosas
2005/2006 se trata de la construcción de un espectaculo en grandes
dimensiones: las pantallas, los personales, las coregrafías
patiulares, la no-relación de una pantalla con otra, quiero decir
que los personajes también actuan de pantallas, la gran pantalla de
fondo, para que todo esto, sucesivo, sea filmado desde el punto de
vista de un realizador/pantalla, también el realizador de la
obra/video es una pantalla. ¿Para qué? Para que el espectador
también se transforme en una pantalla.
Luego
de la visita, lo más detenidamente posible, que me permitió mi
cuerpo, sostengo que no se trata de ningún discurso: ni de la
naturaleza, ni de la mujer, ni de la obra de arte, es solo una
metonimia de imagenes sucesivas, y de pronto se produce un corte, y
aparecen en la pantalla de la sala los titulos de la obra: lugar de
realización, artista, nombre de la obra, fecha y demas. Y de una
obra a otra me pregunto donde está la metafora, no puede darse por
que en el aparato del lenguaje la metofora implica obligatoriamente
no solo una falta, un cambio de registro, sino además un cierre,
aquí ni siquiera el nombre de la obra: lineas de arena, forma, color
snsación de las cosas, implican un nombre, son una manera de
denominar. La denominación ocupa el lugar del nombre, donde la
sucesión de cosas, de pantallas, ha ocupado el lugar de La Cosa. Así
como en la obra de Louise Bourgois La Cosa, la cosa fantasmática, se
instala mediante las celdas, las celdas con escenas de un fantasma
de tejer/destejer, de textura, aquí en la obra de Jane Jones, el
fantasma se ha hecho realidad, realidad de las cosas, de cosas
banales: canicas, cortar y pegar, manchas, bastones para saltar, etc
etc. La Cosa se ha fragmentado, se ha hecho 'cosita', el texto se ha
transformado en palabras de cortar y pegar.
Referentes:
Kazuo
Ohno
Tadashi
Endo
Yong
Gushin www.yonggushin.com
Robert
Wilson
leer
De
la Acción en la Performance a la Escena como Acción
leer
articulo completo en pdf
Alberto Caballero, Barcelona septiembre del 2016
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LOUISE
BOURGEOIS.
ESTRUCTURAS DE LA EXISTENCIA: LAS CELDAS
18 de marzo, 2016 – 4 de septiembre, 2016
Museo Guggenheim Bilbao
http://bourgeois.guggenheim-bilbao.es/exposicion…
ESTRUCTURAS DE LA EXISTENCIA: LAS CELDAS
18 de marzo, 2016 – 4 de septiembre, 2016
Museo Guggenheim Bilbao
http://bourgeois.guggenheim-bilbao.es/exposicion…
tercera
parte
Notas a la obra de LBde la pasion por el cuerpo al cuerpo de la pulsión
August Rodin
Camille Claudel
La pasión va des.figurando la imagen del cuerpo, que viene del renacimiento y termina en el neoclasicismo (Aristide Maillol)
De
la mujer a la performance
de Camille Claudel a Chantal Akerman
Alberto Caballero
Barcelona. 2013
de Camille Claudel a Chantal Akerman
Alberto Caballero
Barcelona. 2013
De la escultura de la
figuración, el cuerpo en tanto ideal
Henry Moore
Alberto Giacometti
Constantin Brancusi
En cuanto a los restos (de
la figuración y de la narrativa)
Armand (frances tambien se
nacionalizo americano)
Vostell
+ adelante
Chistian Bolstanski
No solo es construir
espacios, lugares, como Richard Sierra, no solo es instalar restos,
como hace Armand, sino lugares para instalar sus restos. No solo es
hacer un lugar para la escultura (el monumento, el museo: Moore) sino
la escultura como lugar, para narrar con los restos, podríamos decir
es una narración a fragmentos.
Es
una narración a fragmentos mediante objetos . ¿Lo que está
fragmentado es el objeto? No, lo que está fragmentado es la
narración. Si en la serie de pequeñas esculturas, de pequeñas
instalaciones, los fragmentos se disponen segun el comisario, la
narración la instala el comisario. Aquí encontramos un punto
importante para el debate, la política del comisario es la
interpretación, la interpretación que le da a los fragmentos,
incluso podría decir a los fragmentos de 'una historia' que se
presenta siempre inacabada. No son una serie de cuentos (Borges,
Murakami) son fragmentos/cosa/imagen: casa, mujercasa,
botella/campana, etc. Sino una sucesión de narrativas/imagenes que
no llegan a construir una novela (Vila-Matas, Lobo Antunez, etc,
Haneke).
Dichos
fragmentos se refieren a una
materia blanda, hasta
ese momento (Moore, Brancusi, etc) se trataba de reproducir el cuerpo
en materiales duros (bronce, hierro) que permanecieran con el tiempo,
LB como si de tejidos se tratara, nos muestra no solo la
fragmentacion del cuerpo, sino su fragilidad, su caracter blando. Lo
vemos en otra serie, mas bien recuerda a la arcilla, y mas aun a
excrementos, a tierra, etc.
Cómo
se cierra toda esta suceción de fragmentos, que mantien su caracter
propio, diferenciado, sin una narrativa que lleve al 'the end' de la
novela, los instala en 'Celdas'. La celda tiene el caracter de
envolvente, pero también de prisión, ya no es el sujeto que está
en la prisión del lenguaje, sino son los objetos desprendidos del
Otro que son envueltos, instalados, en dichas celdas. Una manera de
anudar la serie de objetos (a1
a2
a3
a4
an ) en sugconjuntos: botellas, manos, trajes, bolas de cristal,
mesas, etc. Sin perder su singularidad.
El
valor fantasmático del objeto esta demostrado en cientos de
estudios, no viene al caso retomarlo, ahora bien el valor
fantasmático de las celdas, es indiscutible, pero creo sería
cuestión de una investigación y un tiempo que las notas no me lo
permiten.
Solo
queda puntualizar el titulo de la exposición ESTRUCTURAS
DE LA EXISTENCIA: LAS CELDAS ,
las celdas como estrutura o anudamiento de los objetos, ok, ahora que
signifique la extructura de la exsitencia, da que pensar. Si
entendemos la ex.sistencia como lo contrario de la in.sistencia, o
sea lo que se extiende fuera, lo que ex, aqui parece que el sentido
que le da LB es de encerrar, limitar, dar contención a una
exsistencia que se desborda...se fragmenta, que se hace fragil. De
pronto adquieren con.sistencia.
LAS MUJERES A LA PERFORMANCE X: DEL CUERPO Y EL LUGAR, DE LA EXTRACCIÓN A LA INSTALACIÓN: LOUISE BOURGEOIS
Escáner Cultural N° 170 | Junio - 2014
Alberto
Caballero, Barcelona agosto 2016
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El
cuerpo político, las políticas del cuerpo
Siguiendo
con estas notas sobre 'el arte de la política, las politicas del
arte' aprovechamos la visita al Centre Pompidou en Málaga, no solo
para visitar las instalaciones del museo, entre un cubo de luz que
sale de las entrañas a un paisaje que se refleja en su interior, es
una nueva marca en el paisaje de Málaga.
Centre
Pompidou Málaga
presentación
2015- 2017
http://centrepompidou-malaga.eu/coleccion/el-cuerpo-politico
Ofrece
un recorrido por el arte de los siglos XX y XXI con casi 90 obras
selectas de la incomparable colección del Centre Pompidou, una de
las dos más importantes del mundo moderno y contemporáneo. Este
recorrido por la historia del arte de nuestra época, renovado cada
cinco semestres, se nutre cada año, también, de dos a tres
exposiciones temporales.
sí,
el Cubo que acoge el Centre Pompidou Málaga se convierte en una
instalación viva, participativa, en la que los talleres, actividades
formativas y de difusión generan un fuerte sentido de comunidad
creativa. Este equipamiento reafirma, entre sus misiones y
prioridades, constituir una plataforma de intercambios entre la
sociedad y la creación contemporánea.
La
colección
EL CUERPO POLÍTICO
EL CUERPO POLÍTICO
Las
mujeres, ausentes durante mucho tiempo del paisaje artístico,
imponen su visión del mundo, alternativa y rebelde contra el orden
patriarcal, a través de la imagen escenificada de su propio cuerpo.
Orlan ridiculiza el estereotipo de la mujer objeto (Le baiser de
l’artiste. Le distributeur automatique ou presque nº 2 [El beso
del artista. Distribuidor automático o casi nº 2], 1977/2009) cuyo
cuerpo, exhibido y lustrado, se vende como un coche (Peter Klasen,
1967). Sus parodias del cuerpo - máquina tragaperras evocan a un
Eros contemporáneo con una función de objeto de consumo corriente.
Annette
Messager, cercana a la corriente de las “mitologías individuales”,
utiliza un dispositivo violento ficticio (catorce vitrinas de pájaros
disecados con pañales como bebés o muñecas) para plantear las
pulsiones mórbidas de la infancia. Otras mujeres artistas,
comprometidas con movimientos activistas feministas, utilizan la
fuerza política del cuerpo en representaciones filmadas. Los
happenings catárticos de Carolee Schneemann, inscritos en el body
art (Body Collage [Collage del cuerpo], 1967) o de Ana Mendieta
(Untitled. BloodSign 2 Body Tracks [Sin título. Marca de sangre nº
2/ Huellas del cuerpo], 1974) amplían los límites del cuerpo por
medio de danzas ceremoniales profanas. Barbed Hula (Hula Hoop de
púas) de Sigalit Landau, cuyo cuerpo desnudo, cercado por una
alambrada de espino, se arremolina en una playa de Tel Aviv, al ritmo
hula hoop sacrificial, es la imagen misma de una frontera magullada
por la guerra, ensangrentada por la historia.
Barcelona,
alberto caballero, 8 junio 2016fotos de juan argüello
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museo
picasso de malagaMural.
Jackson Pollock
La energía hecha visible
21
Abr. 2016 - 11 Sep. 2016
"En
torno a Mural, la exposición reúne una selección de 41 obras,
entre las que se encuentra una selección de pinturas de Pollock, así
como obra de otros creadores como Adolph Gottlieb, Lee Krasner,
Roberto Matta, Robert Motherwell, David Reed, Antonio Saura, Charles
Seliger, David Smith, Frederick Sommer, Juan Uslé y Andy Warhol.
Entre las obras expuestas se muestra una selección de fotografías
de autores como Herbert Matter, Barbara Morgan, Aaron Siskind and
Gjon Mili, que indagan en la relación entre la obra de Pollock y la
denominada fotografía de acción."
"De
esta forma, el Museo Picasso de Málaga vuelve a abordar las
variables en clave de antagonismos o efectos que la obra de Pablo
Picasso manifiesta en artistas de generaciones posteriores, desde la
segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad. Continúa así con la
línea expositiva iniciada con las exposiciones como las de Bill
Viola (2010), Martin Kippenberger (2011), Richard Prince (2012) o
Louise Bourgeois el año pasado, reseñada por los críticos como una
de las mejores exposiciones en España de 2015
Quisiera
agregar algunas notas de mi articulo, antes de la visita a la
exposicion de Pollock en Malaga, como apuntes previos.
Del
accionismo en la pintura a la acción con el cuerpo.
Los Accionistas Vieneses,Yves Klein y Jackson Pollock
Alberto Caballero
Los Accionistas Vieneses,Yves Klein y Jackson Pollock
Alberto Caballero
"Él
no puede asesinar al Otro, dice “no podré contigo”. El Otro es
Picasso. Pero, si produce un cambio radical, hasta Picasso, el arte
estaba sostenido por la palabra, la representación; la palabra
sostenía la imagen, palabra e imagen era lo mismo, la palabra
sostenía el discurso del artista. El artista está sostenido por un
discurso del que forma parte: primero, el de la religión; luego, el
de la ciencia, etc. Pollock se da cuenta de que lo que él dice no se
sostiene… quema la casa, quema el taller, está presionado a
pintar, a exponer, a dar entrevistas de prensa, pero él no puede
sostener todo esto. Ya la imagen no está sostenida por el
significante. Lo que cae en Pollock es la cadena significante: se
rompe la cadena simbólica y, entonces, se produce un delire (un
delirio), algo dado a leer, un delirio persecutorio, paranoico.
La
imagen ya no está para ser vista. Toda la teoría de la mirada cae;
entonces, se introduce una obra para ser leída: la operación no es
mirar, sino leer. ¿Cómo es una obra para ser leída? ¿Qué se lee?
Lo escrito. Pollock salta de la pintura de la representación para
ser vista a la pintura para ser leída, como una escritura. La letra,
está escrito - no está escrito, será ahora un arte de la
escritura; el operador nuevo será la escritura, el aparato de la
letra va a ocupar el aparato de la imagen.
Lo
que me queda cada vez mas claro que los tres grandes exponentes del
arte americanos han sido Jackson Pollock, John Cage y David Lynch.
Por el valor de ruptura, no solo con el sistema, sino con el sistema
del arte, sino con el valor de un aporte absolutamente singular: de
la pulsión a la letra. Por ir directamente a la pulsión, con el
riesgo que ello significa para el sujeto y por una realización a la
letra, mostrandonos la angustia, la soledad y las marcas en directo,
de una sociedad desbarrada y de un sujeto desbarrado.
Después
de la visita: del accionismo a la instalación (el comisariado)
Aclaraciones
previas. El después: Cada vez queda más claro que por un lado está
la obra del artista, en este caso obra pictórica, luego pueden
surgir algunas lecturas o realizaciones paralelas, como fotografías,
videos o películas (como en este caso), luego se agregan
entrevistas, escritos propios del artista, etc, y así lecturas de
los críticos, teóricos, historiadores, e incluso filosofos,
sociologos, incluso lecturas políticas, psiconalíticas, no solo de
la obra del artista, sino del artista mismo. El artista se convierte
en producto. Es el caso de esta artista americano. De pronto la obra
y el artista se convierten en americano, europeo o ruso, etc. El
antes. En este caso singular y en otros (no muchos) surge la
incognita del antes de la obra, el proceso singular del artista se
convierte en algo igual o más importante que la obra (producto) o
que el artista mismo. Los ejemplos son muy contados, señalaré los
que para mi hacen a América, a lo americano: Jackson Pollock, John
Cage y David Lynch, esta triada no señala solo el producto de cada
uno, no señala la singularidad del artista, sino la deconstrucción
que realizan, o mejor dicho la destrucción de la modernidad para
entrar en una etapa nueva: la fragmentación a la letra.
Aquí
en particular lo que interesa siguiendo con esta serie de cuestiones
relacionadas con 'El arte de la política y las políticas del arte',
es el proceso posterior a la obra-producto. En el caso de Pollock es
muy claro: primero pasar de pintar a exponer: la galeria, las
colectivas, las individuales. A esto se suma el critico del momento,
el articulo de prensa, el publico, los comentarios, etc. Ya se pone
en marcha las politicas del arte, no solo la politica del artista con
su obra, sino de la politica-mercado del momento con la obra del
artista: la obra se convierte en producto de mercado. 'Compre esta
obra por 1.500$ que la venderá a 100.000 $' palabras del propio
Pollock a un espectador de su obra. El valor de la obra en tanto
valor de mercado. Aquí nos volvemos a encontrar con el valor
agregado: la obra ya no tiene valor en tanto valor estético sino
tiene valor en tanto valor de mercado y su significación como obra
AMERICANA. Esta es la coyuntura Pollock. Y alli su encuentro con
Peggy Googemheim* y otras galerista de la NY del momento. Las
galeristas, los coleccionistas ya determinan el valor de la obra.
¿Pero sucede los mismo con el valor del artista? No. Hay obra que se
vende sustancialmente, o sea dan cuatiosos veneficios y no significan
mucho para el aparato del arte por si mismo. Al contrario hay otras
como el caso de Erik Satie y por que no el de John Cage, para la
música, no hay tenido demasiado exito mediatico o de mercado y nos
han deja una herida importante para el proceso de la humanidad: el
silencio.
El
caso de J Pollock es singular, también tiene un antes y un despues,
muy semenjante a lo que significa James Joyce para la literatura
universal, son dueños de un proceso singular, no solo de una obra
singular: de pronto se produce una catástrofe, un desprendimiento, y
por consiguiente una producción en cascada, una lluvia, un chorreo.
Luego del desprendimiento de los valores en uso hasta el momento, se
produce un salto sin antecedentes.
alberto
caballero, barcelona 17 de junio de 2016
fotos
de Juan Arguello
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EXPOSICIÓN
ANDREA FRASER. L’1%, C'EST MOI
MACBA Museo de Arte Contemporáneo Barcelona
22 abr. al 04 sep. 2016
22 abr. al 04 sep. 2016
Bienvenido
Mr. Marshall "Americanos"
Alberto
Caballero
primera
parte
"el
arte de la política, las políticas del arte"
"Adorno
y Horkheimer consideraban que la racionalidad de la industria
cultural era la racionalidad del dominio mismo. En la eterna
repetición de la vida cotidiana cae triturada la imaginación de
pensar y pensarse en un lugar distinto que no sea la lógica del
mercado." Andrea Trotta
Me
lleva a reflexionar no solo sobre cómo hemos pasado de 'la cuitura'
a la industria cultural, como dice el termino algo que se produce
industrialmente, o sea la revolución industrial. Ahora estaríamos
en la revolución tecnológica. ¿Qué ha pasado con el arte? Repito
hemos saltado de la representación a la acción y ahora en la era
tecnológica de la acción a su registro, a su registro digital. Si
lo que nos atañe es el arte: lo que nos deja el artista como
producto, y no la cultura como sintoma de una determinada sociedad:
egipto, roma, la edad media, el renacimiento, etc.etc. Lo que nos
tiene perplejo es como el artista ha dejado como fundamental para su
hacer a la acción y está preocupado por el registro, claro es que
la acción es efimera, no entra en el mercado, y sobretodo no se
vende, el registro si.
Por
otro lado en esta caida de la representación ha caido la crítica,
la critica frente al surrealismo, al dadaismo, al expresionismo
aleman, caida con un fracaso estrepitoso, no ha hecho ningun aporte
nuevo con respecto al arte. Pollock y su enfrentamiento a la critica
del momento, Bacon y sus criticos, periodistas especializados y
demás. Como en el caso de 'la mujer' el arte sigue siendo un
misterio.
Ahora
con la caida de 'la acción' han surgido 'los curadores', que
intentan reagrupar obras, artistas, organizar retrospectivas, usan lo
que ya se denomina 'restos' para poder instalar en museos y demas, y
por consiguiente poder entrar en el mercado del arte: galerias,
bienales, etc. Estamos en el dominio de 'los curadores', los
curadores del arte, no solo como instalan, sino como leen, como
escriben, como publican, como dirigen las instituciones, como
orientan el mercado.
Pero
por qué el arte se ha transformado en arte de la critica, en arte de
la comunicación, en arte de las intituciones mismas, en arte de las
bienales, es como haber pasado del arte del sujeto (artista) al arte
del Otro (del Gran Otro), no solo que la institución se apodere del
arte, sino es la que produce arte. Y los artistas son los curadores,
los gestores, los directores, etc.etc.
Esto
me pasa con Andrea Fraser, es comunicadora, es guia de museo, es
critica, habla en público, da conferencias, hace entrevistas, etc.
ah es americana, no olvidemos los antecedentes sajones: John Cage,
Alf Foster, y toda la camarilla del momento, anglos como Iris
Murdock, y sobre todo Margaret Tacher,
el poder de la comunicación, no es lo que se dice sino como lo dice.
Esto es arte? Tengo que vivirlo y pensarlo. Lo importante es como las
intituciones, en espejo, buscan este tipo de reflejo sobre si mismas.
¿y el arte donde ha ido a parar? A la papelera, hacer con los
restos.En cuanto Andrea Fraser artista, no olvidemos a Marina Abramovic en el MOMA, a Orlan, a Gina Pane, a Lygia Clark... y ultimamente a Sophie Calle...también la he visto en la cama, y en público. Pornografia nada, y pornografia como arte nada. Les prometo una segunda nota, ya que todavía estoy contrariado y no me recupero de la sorpresa.
La
critica a (en) la institucion
Angela
molina: Fraser_ “El cuerpo está siempre en juego” _ Babelia _ EL
PAÍS.html
http://cultura.elpais.com/cultura/2016/04/27/babelia/1461772482_373675.html
http://cultura.elpais.com/cultura/2016/04/27/babelia/1461772482_373675.html
El
video porno del macba...Roberta Bosco
el pais sabado 23 de abril de 2016 pagina http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/04/22/catalunya/1461356412_565660.html
el pais sabado 23 de abril de 2016 pagina http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/04/22/catalunya/1461356412_565660.html
"La critica
institucional a la institución de la critica"
Andrea Fraser
Editorial XXI
Colección: Serie Zona Crítica
Colección: Serie Zona Crítica
Notas
sobre la crítica institucional
Traducción de Marcelo Expósito, revisada por Joaquín Barriendos
Simon Sheikh
http://eipcp.net/transversal/0106/sheikh/es
Traducción de Marcelo Expósito, revisada por Joaquín Barriendos
Simon Sheikh
http://eipcp.net/transversal/0106/sheikh/es
Critica
ymetacomentario 5/27/2013
Resumen de una conferencia sobre la crítica institucional en la era neoliberal
http://peioaguirre.blogspot.com.es/2013_05_01_archive.html
Resumen de una conferencia sobre la crítica institucional en la era neoliberal
http://peioaguirre.blogspot.com.es/2013_05_01_archive.html
El
pasado 6 de mayo ofrecí una conferencia en el Museo Macba de
Barcelona. En un post en este mismo blog había recuperado un texto
del año 2000 que ofrecía algunas claves para entender el contexto
artístico y económico de los años 90. Ahora añado el resumen de
dicha conferencia realizado por Rosa Lleo Ortin, quien también ha
realizado una bibliografía temática sobre estas cuestiones que se
puede encontrar aquí.
Momentos
culminantes en el museo: de la crítica institucional a la
contextualización de la producción
"La
línea de producción de la crítica"
Autor/a:
Peio Aguirre
Editorial
consonni, 2014
¿Cuáles
son las condiciones de producción de la actividad de la crítica?
¿Cuál su función en un tiempo que privilegia la comunicabilidad y
la accesibilidad por encima incluso del contenido? ¿De qué modo
escribir crítica de arte cuando ya no existe la distancia crítica?
Éstas y otras preguntas subyacen en este ensayo que expone a la
crítica dentro de la cadena de montaje del mercado, la industria
cultural/editorial, la academia y los medios de comunicación. La
crítica sobrevive hoy bajo al mandato de la rentabilidad y la
publicidad olvidando sus antaño elevados objetivos transformadores.
Un recorrido por su historia y la observación de sus mutaciones
puede ofrecernos una radiografía del capitalismo tardío y sus
consecuencias más recientes, para a continuación reactivar todo su
potencial.
Ignacio
Echeverria
Monólogo
dramático
El
Mundo/El cultural 1-04-2016 pag 25
El
premio de la crítica
El
Mundo/El cultural 6-05-2016
Fraser
y la responsabilidad
El
Mundo/El Cultural 20-05-2016
Conversaciones
con futuro | Benjamin h. d. Buchloh
“La
crítica de arte ha perdido totalmente su función”
El
historiador del arte reflexiona sobre la pintura en la era digital y
la dictadura del mercado
no olvidar como referencia:
Susang
Sontag
Contra
la interpretacion y otros ensayos
Estilos
radicales
Al
mismo tiempo: ensayos y conferencias
segunda
parte: "pensar el arte, el arte de pensar." a Santiago
Cao
tercera parte: "De la performance a la pornografia"
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tercera parte: "De la performance a la pornografia"
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Alberto
Caballero, Barcelona mayo 2016
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museo picasso de malaga
Mural. Jackson Pollock
La energía hecha visible
21 Abr. 2016 - 11 Sep. 2016
De más de dos metros de alto por seis de largo (242,9 x 603,9 cm) Mural fue la respuesta de Jackson Pollock a un encargo de la galerista y coleccionista Peggy Guggenheim, quien deseaba una obra para su residencia que, a la vez, subrayara su apoyo a los jóvenes artistas americanos que había comenzado a mostrar en su galería. El encargo se formalizó en julio de 1943 y el resultado es una obra clave en el desarrollo del arte moderno norteamericano por una combinación única entre la energía de su pincelada, la libertad de los trazos, el tamaño del lienzo y una singular abstracción en la que deja espacio para una sugerencia abierta de formas. A propósito del tema, Pollock indicaría años más tarde: “Es una estampida... […] Cada animal en el oeste americano, vacas y caballos y antílopes y búfalos, todos a la carga a través de la maldita superficie”.
Si tenéis interés seguir leyendo en la pagina del museo, por lo demás no estamos de acuerdo: primero lo de 'la energia' , se trata de la pulsión, la pulsión de pintar, el goteo. Segundo intentar buscar representaciones 'a lo americano' donde no la puede haber. Es todo lo opuesto a Picasso, del que se trata de la des estructuración de la representación, y en el caso de Pollock es directamente el goteo, lo real en directo. Picasso es el último de los clásicos del siglo XX, Pollock es el primero de los modernos, donde lo real actúa directamente sin estar mediado por la representación, imaginaria. Lo real en tanto goteo, lo real en tanto color, lo real en tanto sin.sentido, lo real en tanto falta de significación. Cuidado con los críticos, están hambrientos de sentido, de razón histórica y no aceptan los cortes fundamentales que se han realizado en el siglo XX y ahora en el XXI. En tanto al o los museo Picasso, el valor ético de ponerlo como punto que cierra y que abre a los nuevos horizontes, por un lado Pollock y por otro Jean-Michel Basquiat, pero esto sería asunto de otra nota.
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“El espacio no existe; es solo una metáfora de la estructura de nuestra existencia”. Louise Bourgeois
"Louise Bourgeois (1911–2010) es una de las artistas más influyentes del siglo xx. Trabajando con una amplia gama de materiales y formas, creó un corpus de obras que abarca más de siete décadas. A lo largo de su dilatada carrera como artista, Bourgeois desarrolló conceptos e innovaciones formales que posteriormente se convertirían en cuestiones fundamentales del arte contemporáneo, como el uso de instalaciones ambientales y formatos teatrales, así como su aproximación al psicoanálisis y al feminismo. Sus singulares formas escultóricas, sus magníficos dibujos y su obra gráfica son únicos. Entre las creaciones escultóricas más originales y sofisticadas de su extensa obra se encuentran las Celdas, una serie de espacios arquitectónicos que abordan un amplio espectro de emociones. Las Celdas, creadas a lo largo de dos décadas, presentan microcosmos individuales: cada Celda constituye un recinto que separa el mundo interno del exterior. En estos singulares espacios, mediante la disposición de objetos encontrados, prendas de vestir, muebles y esculturas, la artista configuró escenografías que poseen una fuerte carga emocional. Incluyendo las cinco piezas precursoras de la serie, que se inició en 1986 con Guarida articulada (Articulated Lair), Bourgeois creó aproximadamente 60 Celdas a lo largo de toda su trayectoria. Esta exposición constituye la presentación más amplia realizada hasta la fecha de este conjunto de obras."
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LOUISE BOURGEOIS. ESTRUCTURAS DE LA EXISTENCIA: LAS CELDAS
Museo Guggenheim- Bilbao
18 de marzo, 2016 – 4 de septiembre, 2016
18 de marzo, 2016 – 4 de septiembre, 2016
“El espacio no existe; es solo una metáfora de la estructura de nuestra existencia”. Louise Bourgeois
"Louise Bourgeois (1911–2010) es una de las artistas más influyentes del siglo xx. Trabajando con una amplia gama de materiales y formas, creó un corpus de obras que abarca más de siete décadas. A lo largo de su dilatada carrera como artista, Bourgeois desarrolló conceptos e innovaciones formales que posteriormente se convertirían en cuestiones fundamentales del arte contemporáneo, como el uso de instalaciones ambientales y formatos teatrales, así como su aproximación al psicoanálisis y al feminismo. Sus singulares formas escultóricas, sus magníficos dibujos y su obra gráfica son únicos. Entre las creaciones escultóricas más originales y sofisticadas de su extensa obra se encuentran las Celdas, una serie de espacios arquitectónicos que abordan un amplio espectro de emociones. Las Celdas, creadas a lo largo de dos décadas, presentan microcosmos individuales: cada Celda constituye un recinto que separa el mundo interno del exterior. En estos singulares espacios, mediante la disposición de objetos encontrados, prendas de vestir, muebles y esculturas, la artista configuró escenografías que poseen una fuerte carga emocional. Incluyendo las cinco piezas precursoras de la serie, que se inició en 1986 con Guarida articulada (Articulated Lair), Bourgeois creó aproximadamente 60 Celdas a lo largo de toda su trayectoria. Esta exposición constituye la presentación más amplia realizada hasta la fecha de este conjunto de obras."
leer mas en: http://www.geifco.org/Ediciones_PRO/libros.htm
De la mujer a la performance
de Camille Claudel a Chantal Akerman
Alberto Caballero
Barcelona. 2013
De la mujer a la performance
de Camille Claudel a Chantal Akerman
Alberto Caballero
Barcelona. 2013
Cos-Mon
METANOEO
NÁSTIO MOSQUITO
EACC Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón
24-04-2016
Cos-Mon en catalán
quiere decir cuerpo mundo, la resonancia lleva de uno al otro, y del
otro al uno. Con esto quiero decir que el cos puede ser el mundo y el
mon puede ser el cuerpo, el cuerpo donde vivo y el mundo donde
habito. Por un lado quiero subrayar que el yo, el yo donde vivo, no
es el cuerpo, el yo es algo externo al cuerpo, por ejemplo cuando
digo yo pinto o yo bailo. El yo es un otro que baila, un otro que
pinta. De allí que este yo en tanto externo habita un cuerpo y
habita un mundo.Aquí surge la pregunta que si el yo es una imagen, y
en tanto una imagen es externa, el cos también es una imagen, y el
mundo es una imagen que cada uno construye, por lo tanto no
definitiva. O sea el mundo no-existe ya que cambia permanente, lo
construyo permanentemente, si el yo fuera fijo y el mundo también
estariamos o congelados o petrificados. De allí el gran invento de
la historia (desde Hegel) o de la narración (dicen que desde
Cervantes), invento en tanto no existio desde el principio de los
tiempo, y ha muerto no hace mucho, estamos en el fin de la historia y
en el fin de la narración. No se trata de un relato continuo, nunca
más, nos han quedado fragmentos, fragmentos del Cos, fragmentos del
Mon.
El mon (mundo) como
pantalla
Por otro lado estan los
aparatos, los grandes aparatos del arte, el aparato de la
perspectiva, el aparado de la imagen, el aparato sonoro y no hace
mucho el aparato de la acción, cae uno y va surgiendo otro, como en
las matemáticas, la física o la biología, la lógica sigue su
proceso, no perder esto de vista, es la lógica que nos guía y no
nostros a la lógica. Ahora estamos en la lógica de la acción, no
solo en el arte, en la política, en la música, en la educación,
incluso en lo social es una sociedad abocada a la acción. Nuestra
visión del Cos y del Mon está referida a esta lógica de la acción,
no se trata de un viaje, de una secuencia en el mundo, no se trata de
una secuencia de imagenes del cuerpo, sino acciones sucesivas, la
pantalla ha quedado reducida a un orden determinado donde se ha
incorporado la letra, el digito, un Gran Otro que es la
net....internet.
Aquí podemos pensar en
otra logica, antes deciamos interior.exterior, el mundo interior el
mundo exterior, ahora podemos decir la internet la externet, esta
operación la descubrí disfrutando de la instalación METANOEO
de NÁSTIO
MOSQUITO en EACC Espacio de Arte Contemporáneo de Castellon. En
una gran sala dividida por una balconada superior nos encontramos por
un lado con el Mon, a la entrada misma de la instalación y del otro
lado visionando desde la balconada el Cos, una sucesión de seis
pantallas, orientables para dar profundidad 'a la cosa', nos muestra
el desplazamiento del Cos en el espacio.
El cos (cuerpo) se hace pantalla.
El cos (cuerpo) se hace pantalla.
Pero
realmente se trata del Mon que se hace Cos,
no...sería facil, lo genial del artista es que nos muestra la sombra
de lo que ha quedado del mundo y del cuerpo, sombras que son las
sobras de un cos y de un mundo pérdido. No olvidemos que e Nastio
Mosquito procede de Angola, las sobras de la colonización, las
sobras de la música original, y las sombras del cuerpo en moviento.
Lo original se ha transformado en digital. El CosMon ha quedado bajo
la lógica de lo digital, o sea de la letra. Lo que vengo proponiendo
hace mucho tiempo, la imagen ha quedado reducida a la letra, al
digito. Un digito puede tener cos y puede tener mon, puede tener
letra, imagen, silencio, intervalo, para el digital es lo mismo. El
enorme salto que ha representado el digito en la imagen que tenemos
del mundo africano, del arte tradicional africano con NM se ha
transformado en universal, así la representación que nos recibe al
entrar a la sala, el universo, un uni.verso al cos un uni.verso al
mon.
Del
otro lado de la sala, el cos se ha transformado en información,
in-forma de net, lo que él denomina el interior, es un inter.net, es
un archivo de información por internet. ¿Cómo el mundo de la
selva, del río, de la música, del baile, se ha transformado en
información? ¿Qué ha pasado con lo Real, lo imposible de
representar del cos y del mon? Se ha transformado en infor-mación,
de la formación de la imagen a la formación del dato. El cos y el
mon se han transformado en datos.
Alberto
Caballero: notas a la exposición
Juan Argüello: reportaje fotográfico
24 de abril de 2016
24 de abril de 2016
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NM1
24 de abril visita a:
NÁSTIO MOSQUITO
METANOEO
EACC Espacio de Arte Contemporáneo de Castellon
29 de enero-15 de mayo 2016"
http://www.eacc.es/es/nastio-mosquito/
http://www.eacc.es/es/nastio-mosquito/
Nástio Mosquito es un artista multimedia, cuya actividad artística se ha desarrollado en el campo de la performance y la instalación, enfrentando en su trabajo a distintos estereotipos culturales y situándose él mismo en una posición central para problematizar tanto su identidad personal como la de su público. Protagonista de sus piezas audiovisuales, utiliza la confusión identitaria para plantearnos el modo como la «locura humana» se manifiesta en la vida moderna."
Nos preguntamos sobre el arte de acción en Africa, sobre la videoinstalación, sobre la producción de los artistas en su propio territorio. Tenemos noticias que en general las bienales africanas, como Marrakech, Cairo, Dakar, invitan artistas africanos que han nacido y/o viven en Europa o EEUU?????? No hay producción artística dentro del territorio? No hay eventos dedicados a la producción dentro del territorio? No hay galerias que se dedican a la producción? abrimos estas y otras preguntas
bienal de dakar: del 3 al 10 de mayo 2016
http://dakart.net/
http://dakart.net/
bienal de marrakech 22 de abril 7 de mayo 2016
http://www.marrakechbiennale.org/
http://www.marrakechbiennale.org/
hasta aquí abrimos debate saludos alberto caballero
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parte XII
DG/LC/SCINSTALAR LO ESCRITO
(DE QUE ANUDAMIENTO SE TRATA)
La serie: 2014-2015 un año que he podido disfrutar de tres grandes exposiciones, tres grandes mujeres artistas, Dora Garcia en Venezia, Lygia Clark en Nueva York y ahora Sofhie Calle en Barcelona, de las dos primeras pueden encontrar link a losartículos que he podido escribir al respecto, modos diferentes de anudamiento, del tercero estoy recien en el momento de encuentro y de reencuentro con la obra, singular y cuantiosa, de un otro modo de anudamiento, entre la imagen y la escritura, entre el objeto y la letra, aqui van las referencias:
1. Dora Garcia: The Joycean Society, AQUÍ VIENE TODO EL MUNDO, Continuarración >Reportaje de Alberto Caballero>De la escritura entre el arte y el psicoanálisis del síntoma al sinthome intervención de Alberto Caballero. psicoanalista EPFCL –Forum Psicoanalític de Barcelona Barcelona 6 de junio de 2014 2. Lygia Clark, en MOMA de Nueva York, se edita en escaner cultural nº174, en la serie 'las mujeres a la perfomance', en octubre de 2014. revista.escaner.cl/node/6969 luego en formato libro en: 'La protesis del deseo' Alberto Caballero, Barcelona 2014 3.Sofhie Calle, Modus Vivendi, Palau de la Virreina, Barcelona marzo-junio 2015www.bcn.cat/lavirreina |
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parte XI
retrospectiva IV
Ramón Guillen-Balmes
escritura-escultura: entre el cuerpo y la prótesis
escritura-escultura: entre el cuerpo y la prótesis
Hago extensiva esta invitación:
 LiaisonsRamon Guillen-Balmes
Del 22/10/14 al 23/01/15
Espai La NauU de l'Escola Llotja
Seu Sant Andreu C/ Pare Manyanet, 40 Barcelona
> catálogo en pdf
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"Reunir en un mismo espacio y por primera vez , más de 30 obras de Guillen- Balmes en un formato que permite incorporar los apuntes y los dibujos, una magnífica muestra de lo que fue el carácter relacional y cercano del artista; da sentido y cumple todos nuestros objetivos : exponer obra de un ex alumno de la escuela , que se convirtió en extraordinario artista y que además, compaginó su labor creativa con la docencia en la vecina escuela Massana con coherencia y generosidad. Pero lo que ahora es importante, es que el tiempo reafirma una vez más la vigencia de su obra , cargada de un espíritu transformador , que se mantendrá en el tiempo en sus arqueologías de artista"
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Recordemos que nuestro primer contacto con el artista RGB fue debido a una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona:
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Introversions
Aspectes de la col.lecció Febrero- agosto de 1997 MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona http://www.macba.cat |
Debido a esto GEIFC organizó un encuentro que denominamos: "Intro/versiones del objeto"
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Intro/versiones del objeto
MACBA, Barcelona, 1997 GEIFC Grupo de Estudio e Investigación de los Fenómenos Contemporáneos http://www.geifco.org |
Invitados por Mecad e.journal colaboramos en la redacción del nº8 dedicado al artista:
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MECAD Electronic
e-journal8 Intro-versiones Prótesis y otras extensiones http://www.mecad.org Con artículos de: Núria Clusellas Annalisa Sassano Diego Rodríguez Pietro Claudia Giannetti Alberto Caballero Zulema Moret |
Para concluir tuve el honor de realizarle una entrevista:
Arqueología de Artista
Entrevista con Ramón Guillén-Balmes por Alberto Caballero
Alberto Caballero: ¿Qué significó para ti “Arqueología de Artista” y el MACBA en aquel momento?
Entrevista con Ramón Guillén-Balmes por Alberto Caballero
Alberto Caballero: ¿Qué significó para ti “Arqueología de Artista” y el MACBA en aquel momento?
Ramón Guillén-Balmes: “Arqueología de artista” era fruto de una vertiente del trabajo en que el proceso era mucho más libre y fluido. Durante años he necesitado esto: el juego directo; trabajar de una manera más directa con el inconsciente, con la intuición. Cuando el dibujo o el pequeño objeto en tres dimensiones surge en tanto que “objectum”, yo soy el primero que descubre.
“Arqueología de artista” quería ser eso: un trabajo donde el autor es el primer observador, el primero en comprender aquella forma nueva, validándola y asumiéndola. Posteriormente, y sin ningún ánimo de clasificar, los objetos eran expuestos de una forma más o menos ordenada en la pared. Lo que se dio en el MACBA fue una colección de piezas de diferentes años, unos noventa objetos que se ofrecían para una lectura libre. “Arqueología de artista” me sirve para comprobar si la forma va cambiando de dirección.
“Arqueología de artista” quería ser eso: un trabajo donde el autor es el primer observador, el primero en comprender aquella forma nueva, validándola y asumiéndola. Posteriormente, y sin ningún ánimo de clasificar, los objetos eran expuestos de una forma más o menos ordenada en la pared. Lo que se dio en el MACBA fue una colección de piezas de diferentes años, unos noventa objetos que se ofrecían para una lectura libre. “Arqueología de artista” me sirve para comprobar si la forma va cambiando de dirección.
Alberto Caballero. Barcelona, octubre 2014
parte X
La performance hoy
retrospectiva III (segunda parte)
retrospectiva III (segunda parte)
Lygia Clark
arte & investigación: el arte de hacer banda
1.
Lygia Clark
octubre diciembre 1997
Fundació Tapies, Barcelona, España
“ La obra de Lygia Clark (Belo Horizonte, 1920 - Río de Janeiro, 1988) propone un cambio profundo, un salto conceptual con implicaciones a largo alcance para el arte, la cultura y la vida en general. La actividad de Clark, especialmente desde 1963, busca el desplazamiento y la deconstrucción de los conceptos de artista, obra y espectador, conceptos que transforma de manera individual y en sus interrelaciones. Manuel J. Borja-Villel, Nuria Enguita Mayo Luciano Figueiredo (comisarios)”
|
2.
Lygia Clark: una retrospectiva
septiembre noviembre2012
En Itaú Cultural, Sao Paulo, Brasil
www.artishock.cl/2012
3.
Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988
mayo agosto del 2014
Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)
By Cornelia Butler and Luis Perez-Oramas
www.moma.org
Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988
mayo agosto del 2014
Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)
By Cornelia Butler and Luis Perez-Oramas
www.moma.org
La retrospectiva en el MoMa está dividida en tres grandes partes:
1 de la primera abstracción hasta 'los módulos' (el espacio)
2 de los módulos hasta 'los bichos' (los objetos)
3 de los objetos relacionales a los objetos transicionales (el cuerpo)
El eje transversal de la obra de Lygia Clark es sacar al cuerpo (la figura) del espacio de la representación (Mondrian), el conflicto fondo/figura y llevar el espacio por un lado (la abstracción) y el cuerpo por otro (la performance). Se trata de un proceso operativo y simbólico singular. El espacio se ha quedado sin cuerpo (figura) que representar, y el cuerpo se ha quedado sin espacio donde ser representado. De un real que estaba mediado por lo imaginario (la imagen) y por lo simbólico (la perspectiva), surge un real (irrepresentable, no imaginarizado). El espacio se queda sin operador simbólico (la tercera dimensión, la geometría descriptiva, la perspectiva), ahora se trata desde la superficie, se aplana, vuelve a la segunda dimensión, y el cuerpo se queda por un lado sin imagen que lo represente, se presenta, se encarna, y sin espacio para representarse, ahora tiene que ocupar un espacio/tiempo, un espacio que se modifica con el tiempo, desde donde el cuerpo se presenta nuevamente encarnado.
Este proceso no solo es operativo simbólico sino se trata de un goce (la Juissance), de operar un modo de goce y la significación que este tiene en la obra de LC. Primer momento de goce, dejar fuera toda representación y trabajar solo con la pintura, el material mismo, el color como lo real, para aplicarlo al estudio de la superficie y de la construcción del espacio en la superficie. De entrada ya nos encontramos con las dos variables fundamentales ‘el arte’ y ‘la investigación’ que permanentemente hará banda en toda la obra de LC, ahora primero es arte, ahora primero es investigación. Es una obra singular donde el sujeto (artista) y el objeto (la obra) también hacen banda (Banda de Moebius): la extracción del objeto y la juissance (goce) de objeto. Lo que coloca a la artista entre la identificación y la angustia, ahora se identifica como artista, ahora rechaza tal identificación, ahora se identifica como investigadora, ahora lo rechaza, se coloca del lado del arte, este borde, como el borde de la banda, hace de la obra de LC un ejemplo extraordinario en la historia no solo del arte sino del hacer de la modernidad, ella habla de los neo.concretos, de la Bauhaus, del racionalismo, de la abstracción. Singular desde una posición femenina, ahora se incluye, ahora los rechaza y produce el paso siguiente, otra vuelta del sujeto otra vuelta de la banda.
No pinta, estudia la superficie con la pintura, no corta/pega sino hace un arte de cortar y pegar, no presenta el cuerpo (como en la performance) sino investiga las relaciones, los objetos, las dependencias y las separaciones, entre los cuerpos, entre los sujetos espectadores.
No pinta, estudia la superficie con la pintura, no corta/pega sino hace un arte de cortar y pegar, no presenta el cuerpo (como en la performance) sino investiga las relaciones, los objetos, las dependencias y las separaciones, entre los cuerpos, entre los sujetos espectadores.
Sostengo estas tres etapas fundamentales en la obra de LC donde no se puede entender una sin la siguiente y la siguiente sin la anterior, una manera de pasar nuevamente por la banda, una manera de entrelazar estas tres bandas: la superficie, el corte y el cuerpo. Siempre por una banda, la banda del sujeto: extraer el objeto de la superficie (la modernidad), extraer el objeto del corte de la banda, la investigación, extraer el objeto del cuerpo (la performance). Y todo esto a través de una análisis propio (psicoanálisis), de un análisis de las teorías formales y conceptuales de la época, además del estudio de las teorías sobre el sujeto que dominaban en ese momento.
Desde el primer momento trata de anudarlo bajo el estudio de la superficie y del color, cernir el objeto a través de tres superficies/color.
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En un segundo momento en la investigación de la superficie, construye la banda y señala los cortes:
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En un tercer momento, es con el ejercicio del corte, de la articulación y del plegado para construir el cuerpo/el volumen de ‘los bichos’:
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Por último, en un cuarto momento, es el reencuentro con aquel objeto que se ha extraído en el primer momento, de la superficie vaciada de imagen/figura: la máscara.
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El objeto en la figura de la propia artista, o en el cuerpo del espectador. ¿Cómo ha llegado hasta aquí? Si no se lee todo el recorrido de la obra, esto no se puede captar, no se trata de algo que irrumpe en la obra de LG, no se puede separar de todo su proceso (como hacen la mayoría de las exposiciones, de los críticos, de ciertos teóricos, incluso de lo que se llaman terapias corporales, relacionales, etc.) es un error muy grave. De la misma manera que pinta, que usa la pintura, para investigar, luego hará lo mismo con ‘los cuerpos geométricos’ y por último con su propio cuerpo o el cuerpo de los espectadores.
La performance hoy
retrospectiva III
retrospectiva III
Lygia Clark:
The Abandonment of Art, 1948–1988
May 10–August 24, 2014
MoMA, Museum of Modern Art New York
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1462
The Abandonment of Art, 1948–1988
May 10–August 24, 2014
MoMA, Museum of Modern Art New York
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1462
MoMA, The Museum of Modern Art of New York presenta una gran retrospectiva dedicada al arte de Lygia Clark (Brasil, 1920-1988), la primera exposición completa en EEUU de su trabajo. Lygia Clark: El Abandono de Arte, 1948-1988 comprende cerca de 300 obras, realizadas entre finales de 1940 y su muerte en 1988 procedentes de colecciones públicas y privadas, incluyendo el MoMA, esta exposición se organiza en torno a tres temas clave: abstracción, neo-concretismo, y el ‘abandono del arte’. Cada uno de estos ejes son anclajes, un concepto significativo o una constelación de obras que marcan un paso definitivo en la carrera de Clark. Mientras que el legado de Clark en Brasil es profundo, esta exposición atrae la atención internacional a su trabajo.
Otras en el MoMA:
> The artists is present
Marina Abramovic> Sanja Ivekovic:
Sweet Violence
> Cindy Sherman
Retrospectiva
> Martha Rosler:
Meta-Monumental Garage SaleTambién han estado en MoMA:
> Tangle Alphabets
León Ferrari y Mira Schendel
> El Destructor de objetos:
Edgardo Antonio Vigo's Marginal Media
> The artists is present
Marina Abramovic> Sanja Ivekovic:
Sweet Violence
> Cindy Sherman
Retrospectiva
> Martha Rosler:
Meta-Monumental Garage SaleTambién han estado en MoMA:
> Tangle Alphabets
León Ferrari y Mira Schendel
> El Destructor de objetos:
Edgardo Antonio Vigo's Marginal Media
El Destructor de objetos: Edgardo Antonio Vigo's Marginal Media
2 abril a 30 junio 2014
MOMA, Museum of Modern Art, New York
www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1481
Esta exposición celebra el mail art, poesía visual, obras performativas y publicaciones del artista argentino Edgardo Antonio Vigo (1928-1997). Desde su tranquila ciudad natal de La Plata, Vigo ha desarrollado una extensa red de contactos en las Américas y Europa, haciendo de la ciudad un centro del arte postal movimiento-una red informal internacional de artistas que intercambian las ideas, el arte y la poesía a través del sistema postal. Desde su posición desafiante locales, Vigo desarrolló un internacionalismo templado por una aguda crítica de la política exterior de los Estados Unidos, de su papel en la guerra de Vietnam a su apoyo de los gobiernos autoritarios de América Latina.
parte VIII
La Perfomance se va al museo III
y se instala
Marina Abramovic en el PAC
Xavier Le Roy en la Fundació Tàpies
Emily Roysdon en la Tate Modern
Eulàlia Valldosera en la galería Carroll/Fletcher
y se instala
Marina Abramovic en el PAC
Xavier Le Roy en la Fundació Tàpies
Emily Roysdon en la Tate Modern
Eulàlia Valldosera en la galería Carroll/Fletcher
parte VII
La Perfomance se va al museo II
Cindy Sherman, la imagen del poder
al MoMA de Nueva York
Regina José Galindo, el poder de la imagen
al Artium, Vitoria-Gasteiz,
Cindy Sherman, la imagen del poder
al MoMA de Nueva York
Regina José Galindo, el poder de la imagen
al Artium, Vitoria-Gasteiz,
parte VI
¿La Perfomance se va al museo?
Valie Export al Modern and Contemporary Art Bolzano,
Esther Ferrer al Artium, Vitoria-Gasteiz,
Marina Abramovic, al MoMA de Nueva Kork
parte V
La performance hoy: exposiciones
Este último verano ha sido muy productivo en exposiciones, retrospectivas, instalaciones de artistas de interés para nuestra investigación, primero haré una lista de las mismas y luego presentaré cada uno de los trabajos propuestos, comenzaremos con:
Juan Hidalgo / Desde Ayacata
Sala Norte - ARTIUM
27 de marzo hasta 29 de agosto de 2010
El artista canario presenta su exposición en el Centro-Museo de Arte Contemporáneo ARTIUM, en Vitoria. La muestra recopila la labor realizada en los últimos doce años de uno de los grandes referentes del arte español de las últimas cinco décadas. Juan Hidalgo (Las Palmas de Gran Canaria, 1927) fue durante más de 30 años junto a Walter Marchetti y Esther Ferrer "miembro cardinal" de ZAJ, posiblemente el movimiento vanguardista más controvertido y perturbador de la segunda mitad del siglo XX en España. ZAJ consiguió, en una época de oscurantismo cultural y político, que la poesía, la música, el teatro y el arte plástico difuminaran sus límites y se fundieran en un entramado de acciones. Hidalgo de formación musical también fue el primer compositor de una obra electroacústica, y el primero en estrenar una obra en el mítico Festival de Darmstadt (Alemania). Cabe destacar uno de sus hallazgos conceptuales más importantes los etcéteras, que el definió como "documento público, como dirían los chinos (gong an) no los japoneses (koo an)" y que vertebran gran parte de su obra.
Desde Ayacata se recorre cerca de 70 obras realizadas entre 1997 y 2009, acciones fotográficas, objetos y ambientes en los que están presentes la ironía, el humor, el sexo y el riesgo. La exposición comisariada por Carlos Astiárraga, es una producción conjunta de ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), TEA (Tenerife) y CAAM (Las Palmas de Gran Canaria).
Àngels Margarit-Cía. Mudances
Solo para habitación de hotel
Hotel Meridian Barcelona #712
25, 26, 28 y 29 de agosto de 2010
Creado en el año 1989 Sitges Teatro Internacional (STI) este solo se convirtió en una pieza itinerante. Ha mantenido su idea inicial y estructura, pero ha ido evolucionando y actualizándose. Danza nómada que se instala en las habitaciones de hotel; de estructura circular de 20 minutos de duración en la que el final enlaza con el principio y se repite ininterrumpidamente 6, 8 ó 10 veces. "Es un solo para ver a solas", el espectador asiste como un voyeur accidental a una escena que sucede en el interior de una habitación de hotel, descubriendo la intimidad de un personaje que no actúa para el público, alguien que está atrapado en el silencio de sus pensamientos, de su espera, de su soledad. El objeto de la pieza es colocar al espectador en el lugar de la intérprete, como si vivieran un rodaje, una secuencia cinematográfica. Margarit lo expresa en sus propias palabras "lo que más me interesaba de la pieza era situar a la intérprete y al público en contextos diferentes de los normales, para cambiar la percepción y sacudir los roles establecidos del ritual escénico, comprometiendo así a la intérprete y también al espectador a participar en la intimidad de la escena sin el refugio habitual de la oscuridad y la distancia en que se sumerge normalmente".
La Compañía inicia su recorrido en 1985 y toma su nombre del primer espectáculo Mudances y se dedica a la creación contemporánea en diferentes formatos escénicos. Los ejes de interés son la danza y el espacio, así como la investigación de lenguaje y poética propios. Desde el inicio su trabajo incluye la búsqueda y la interrelación a otras disciplinas artísticas como la música, la fotografía, el vídeo, etc.
Eulália Valldosera / Dependencia Mutua
Galería Joan Prats
18 de mayo al 26 de junio de 2010
De vuelta en Barcelona, en pleno verano, la Galería Joan Prats, nos ofrece las obras de Eulália Valldosera reunidas bajo el nombre Dependencia mutua, su obra compuesta de colillas, humo, espejos, cuadernos y fotografías de pequeño y gran formato, videos, de pequeño y gran formato, y una instalación/aparato en la sala central, que ironizan sobre las relaciones de poder en el espacio privado. La artista, conocida y estudiada por nosotros después de su primera gran retrospectiva en la Fundació Antoni Tapies, en Barcelona, y su aterrizaje en CNARS en Madrid, se dedica nuevamente a un trabajo de rastreo, ella está detrás de la acción, con el ojo puesto en la cámara para retratar su visión antropológica y critica de las dependencias humanas.
A petición de la artista, una mujer de la limpieza de origen
ucraniano se dispone a limpiar una estatua del emperador
romano Claudio. A media que ella toca y limpia la figura
masculina en postura de dominio, la mujer desafía las
dimensiones intangibles y oscuras de símbolos de poder.
Bill Viola / Obras Figurativas
Museo Picasso Málaga
28 de junio al 12 de septiembre 2010
www.museopicassomalaga.org
De allí viajamos a Málaga, Museo Picasso, para ver la instalación de videoarte de Bill Viola, sala pequeña tres pantallas con tres videoinstalaciones, el cuerpo y el agua como leive motiv principal, y una larga entrevista que le realiza el periodista americano...como va perfilando hace mucho tiempo un encuentro con el discurso, entre la mística y el arte. Tal y como explica el propio artista, "transfiguraciones" hace referencia al extraño proceso por el que la sustancia y la esencia de un ser cambian de forma, en una transformación que suirge del interior a partir de una revelación o de una abrumadora sensación de claridad. The Arragement (2007), Encarnación (2008) y Tres mujeres (2008) muestran una y otra vez a personas anónimas aproximándose desde la oscuridad, cruzando hacia la luz, a través de una cortina de agua, son dos elementos de gran carga simbólica, para volver luego a las sombras ubicadas en un más allá incierto y lejano.
Dora Garcia / I am a Judge
Kunsthalle Bern
21 de agosto al 10 de octubre 2010
El motivo principal del trabajo de Dora García es el análisis de los paradigmas y convenciones tomadas de la cultura popular, donde la ética y la moral están siendo desafiadas. En su obra escrita sobre la pared I am a Judge (Yo soy un juez) 1997, describe un escenario con un juez que ya no puede separar el bien del mal. Tal ambivalencia sigue a lo largo de toda la exposición para difundir los motivos de lo que conocemos como moral y jurídicamente aceptable. En su escultura Roba este libro (2009), un libro de una edición de 250 ejemplares, los visitantes se enfrentan a un dilema a nivel individual: Por una parte llevarse el libro puede ser visto como un delito mientras que no hacerlo es omitir de participar de este juego que nos propone Dora.
Chantal Michel / Miel, lait et premières violettes
Installation vidéo, couleur, son
Kunst Museum Bern
1h 30min en boucle
Desde 7 mayo al 5 septiembre 2010
Curator: Kathleen Bühler
Esta instalación de Chantal Michel está compuesta de seis instalaciones de video, cada una constituida por una serie de 40 secuencias de video las que, si bien sólo tienen una duración de minutos, recorren todo el ciclo de la vida desde el nacimiento, el matrimonio hasta la muerte.
En ellas figuran diversas ocupaciones de la existencia humana como: la educación (el libro), el arte (la mano con la pluma) y la vida cotidiana (el pan, la leche, los huevos, el azúcar y los animales), así como el mundo de los espíritus y los juegos (las cartas, los dados y las pompas de jabón).
La duración total de las secuencias es de una hora y media, y es lo que dura la totalidad del montaje en serie, sin embargo cada proyección tiene un montaje diferente, de suerte que desde un punto de vista espacial nos da la impresión de estar en la instalación como si se tratara de una cabina de observación o como ser invitados a introducirnos en un espacio de video de difusión continua que nos hace partícipes de la encarnación de una grandeza real de meditación plástica.
Para concluir fue una gran sorpresa el descubrimiento de Chantal Michel, video artista de Berna, que con su video instalación toma la sala del museo, se apropia del espacio propio del espectador, y deja las paredes vacías, el espectador pasea, se adentra en este espacio de pantallas, a través de su sombra dialoga con la obra, como si fuera un juego de cartas, o de dominó, o de dados...la obra y el espectador se convierten en una sola cosa, un espacio de arte.
Con una cierta distancia
el recorrido ha sido fructífero...
el recorrido ha sido fructífero...
Si empezamos con los orígenes de la performance (Juan Hidalgo) y todo el contexto que significaba, con el tiempo nos encontramos con la performance en la realidad ordinaria bajo la mirada de Eùlalia Valdosera una señora limpia una escultura romana con ello el espacio se hace perfomático. Descubrimos que la performance nos abre a un espacio nuevo, construye un espacio nuevo.
Àngels Margarit nos presenta el espacio en tanto "ordinario", la habitación de un hotel como pretexto nos lleva a la sublimación de esos movimientos "ordinarios". Al abrir una ventana nos va mostrar las tres pantallas de lo virtual: la pantalla de la habitación, la pantalla de la televisión y la pantalla de la calle. De América Bill Viola nos muestra la performance de "lo mínimo", a travezar la pantalla, el cuerpo se ha hecho virtual: la videoperformance.
Seguir la obra de Dora García significa confirmar los pilares de su producción: el vacio, la transparencia, el texto perfomático, las entrevistas inexistentes y el libro... para robar. La sorpresa en esa visita a Berna ha sido Chantal Michel, la artista no ocupa las paredes para poresentar sus video (Bill Viola, Dora García) sino el video ocupa el espacio haciéndolo virtual no estamos en presencia de un relato sino que estamos dentro del "relato".
Para la realización de estos videos el artista dio a los actores indicaciones mínimas y las reacciones al cruzar la cortina de agua fueron libres: para unos fue una pantalla personal, para otros un exorcismo un renacimiento, la pérdida de la inocencia, simplemente el deseo de volver atrás.
Para terminar nos vamos a Berna, Suiza para ver dos estupendas instalaciones de Dora García, artista castellana que seguimos sus pasos desde el 2001 cuando nos visitó en el Macba de Barcelona.
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el arte de acción IV
Instalar lo real: la función del comisario
Fundació Antoni Tàpie
Alma Matrix
Bracha L. Ettinger
14 de mayo- 1 de agosto de 2010
Comissària: Catherine de Zegher
www.fundaciotapies.org
martes a domingo de 10 a 20
Como artista y psicoanalista, Ettinger (Israel/Francia) integra en su trabajo ambas prácticas y desarrolla un enfoque innovador del psicoanálisis aplicado, un enfoque a medio camino entre la práctica artística y la terapéutica, que altera la percepción de lo que el arte y el análisis pueden ser. En su obra sobre papel, imprime trazos vinculados a la memoria y al trauma, la migración y la historia, mientras que reflexiona sobre la representación, la mirada y la impronta. El intercambio de experiencias y la intención de manifestar un inconsciente común y compartido, se ponen de relieve en sus dibujos y pinturas por la ausencia de fijación y la tendencia a la ambigüedad, la permutación, lo compuesto, lo flexible y lo efímero. A través de una sucesión casi sin fin de documentos manipulados, como fotos de familia, documentos del holocausto, entre otros, y velados por el mismo proceso mecánico del fotocopiado –cuyos vestigios residuales de tinta se fusionan con trazos nuevos– Ettinger crea sus series de dibujos y pinturas como Matrix-Family Album, 1988-1989, Woman-Other-Thing, 1990-1993, o Eurydice series, 1994-2009. Asimismo, Ettinger recoge sus experiencias como psicoanalista y artista en un conjunto de libros de notas, que utiliza como espacio de reflexión, durante sus sesiones de trabajo terapéutico, y en cuyas páginas escribe, y realiza trazos espontáneos sola o con sus pacientes 
En relación a esta exposición se ha realizado el seminario:
EL ARTE PROCESUAL Y EL OBJETO:
LA REPETICIÓN, LO EFÍMERO
25 y 26 de mayo de 2010
La Fundació Antoni Tàpies, junto con la Cátedra de Arte y Cultura Contemporánea de la Universidad de Girona, han organizado un seminario en torno al papel que desempeñan en la historia del arte los espacios generados en la producción artística por los trabajos procesuales, relacionales o en transformación. Es una visión de la historia del arte en la que se incluyen temas como la relación, la ausencia, lo efímero, el duelo, la huella o el proceso, y que va más allá de una concepción centrada en el objeto artístico.
Algunas conferencias:
Por otro lado, nos encontramos nuevamente con la comisaria de aquella primera exposición Catherine de Zegher, también comisaria de ésta. A todo esto, más que afirmaciones nos produce interrogaciones. ¿Hay obra en esta instalación de B L E?
O, se trata de mediante la instalación que surja una obra. La instalación es la obra. Está claro que se trata de fragmentos, todo deviene de la fragmentación. Lo más interesante es lo que por un lado BLE y por otro CZ como comisaria hacen de esta instalación, una obra en si. Si nos anticipamos al texto de Ettinger la pregunta que nos surge es: ¿Esta obra se ha producido como consecuencia del anudamiento del sinthome o esta es determinante en ele anudamiento del sinthome? Abrimos el debate.
Habíamos recomendado en nuestro comunicado nº 09 la retrospectiva de:
Algunas conferencias:
- "Finished and Unfinished, from Studio Work to Art Criticism" (Acabadas e inacabadas: de las obras de estudio a la crítica de arte), conferencia a cargo de Elisabeth Lebovici.
- "L'éphèmere et le nouveau statut de l'art" (Lo efímero y el nuevo estatuto del arte), conferencia a cargo de Christine Buci-Glucksmann.
- "Coser con un hilo invisible. Correspondencias de/entre Bracha Ettinger, Eva Hesse y Ria Verhaeghe con algunas artistas españolas", conferencia a cargo de Patricia Mayayo.
- "La imatge ferida" (La imagen herida), conferencia a cargo de Maria-Josep Balsach.
Por otro lado, nos encontramos nuevamente con la comisaria de aquella primera exposición Catherine de Zegher, también comisaria de ésta. A todo esto, más que afirmaciones nos produce interrogaciones. ¿Hay obra en esta instalación de B L E?
O, se trata de mediante la instalación que surja una obra. La instalación es la obra. Está claro que se trata de fragmentos, todo deviene de la fragmentación. Lo más interesante es lo que por un lado BLE y por otro CZ como comisaria hacen de esta instalación, una obra en si. Si nos anticipamos al texto de Ettinger la pregunta que nos surge es: ¿Esta obra se ha producido como consecuencia del anudamiento del sinthome o esta es determinante en ele anudamiento del sinthome? Abrimos el debate.
Habíamos recomendado en nuestro comunicado nº 09 la retrospectiva de:
Desde Ayacata Juan Hidalgo 1997-2009
Acciones fotográficas, objetos y ambientes
comisario: Carlos Astiàrriaga Artium, Vitoria
marzo-agosto 2010-06-04
www.artium.org 
Juan Hidalgo jamás dio un paso por acercarse al museo como institución, ni educativa ni difusora ni, mucho menos, legitimadora de nada que para él fuera importante. Hasta el punto que Hidalgo puede aceptar que lo que él hace ni siquiera es arte, sino meras propuestas dirigidas a la mente y los sentidos, y resueltas como música, como poesía, como gestos, como objetos e incluso como fotografías, que no son sino la consecuencia (secundaria) de una «acción fotográfica» (principal).
Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos.
Podríamos extraer otros textos, todos de interés, referente a su personalidad y su obra, pero luego de visitar detalladamente la retrospectiva de Artium, nos vuelve a surgir nuevos interrogantes. ¿Hay obra en el arte de la acción? ¿El arte de acción es un productor de objetos, de imágenes, de formas...etc?
Y ya sea por el tipo de obra, o por la extraordinaria calidad del comisario, esto se aclara casi de inmediato. No hay obra propia, no se trata de cernir un objeto, sino encontrar una solución mucho más compleja: las modalidades del objeto. El modo real, el sexo; el modo imaginario la imagen, y el modo simbólico, la instalación misma, que permite el anudamiento de algo que en si, suelto y fragmentado pierdo todo valor. Si el arte de acción ha pretendido perder el valor agregado, el plus, que con enorme esfuerzo se recupera en la modernidad desde los impresionistas, aquí lo adquiere solo en su anudamiento, cuando cada objeto, imagen, o acción perfomática remite a la siguiente. Es por la instalación que adquiere valor plus...y por lo tanto plus de goce, el objeto es la instalación.
Para concluir:
Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos.
Podríamos extraer otros textos, todos de interés, referente a su personalidad y su obra, pero luego de visitar detalladamente la retrospectiva de Artium, nos vuelve a surgir nuevos interrogantes. ¿Hay obra en el arte de la acción? ¿El arte de acción es un productor de objetos, de imágenes, de formas...etc?
Y ya sea por el tipo de obra, o por la extraordinaria calidad del comisario, esto se aclara casi de inmediato. No hay obra propia, no se trata de cernir un objeto, sino encontrar una solución mucho más compleja: las modalidades del objeto. El modo real, el sexo; el modo imaginario la imagen, y el modo simbólico, la instalación misma, que permite el anudamiento de algo que en si, suelto y fragmentado pierdo todo valor. Si el arte de acción ha pretendido perder el valor agregado, el plus, que con enorme esfuerzo se recupera en la modernidad desde los impresionistas, aquí lo adquiere solo en su anudamiento, cuando cada objeto, imagen, o acción perfomática remite a la siguiente. Es por la instalación que adquiere valor plus...y por lo tanto plus de goce, el objeto es la instalación.
Para concluir:
De manera muy distinta, completamente distinta, en el primer caso aprovechando `la fragmentación del objeto' la comisaria Catherine de Zegher, nos ofrece una verdadera joya expositiva, se trata del despliegue de la marca en sus distintas dimensiones y por otro de su anudamiento, sino en caso contrario se perdería en los mil vericuetos de lo imaginario. Es el anudamiento borromeo (lo simbólico) que impide la deriva al infinito de lo imaginario. En el segundo caso cada cosa, cada imagen, cada letra, es un objeto en si, pero un objeto más, no importaría un objeto más o un objeto menos, solo a través de la función del comisario, en este caso de Carlos Astiàrriaga, que la obra se abrocha cada vez, se anuda cada vez, va y vuelve, hace banda una y obra vez, incluso el cambio de registro... de una realidad ordinaria, en tanto secuencia de objetos, a una realidad virtual... nos muestra el aparato como obra... están en su justo momento, en su justo lugar.
El espacio expositivo es el objeto final, gracias a los distintos anudamientos el espacio es el producto resultante, espacio por espacio, y el espacio en su totalidad. Por supuesto que agradezco a los artistas por el proceso realizado, por el esfuerzo realizado, pero agradezco aún más a los comisarios por tan extraordinarios trabajos...que nos dejan entrever que tanto la fragmentación (como arte de la letra) como la perfomance (como arte de la acción) tendrán como objeto al espacio.
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el arte de acción III
La performance hoy
como retrospectiva I
Reseña de Marina Abramovic
The artists is present
MOMA de Nueva York
marzo-mayo 2010-06-04
The Artist is Present es el título de la exposición de Marina Abramovic en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de New York.La muestra de la artista serbia está compuesta por 50 obras que dan cuenta de 40 años de trayectoria en el arte, en donde se destacan las piezas sonoras, vídeos, instalaciones, performances y fotografías.Una particularidad de la exposición será una performance que se realizará todos los días en el museo hasta el 31 de mayo. La pieza está compuesta por personas desnudas dispuestas en los marcos de las salas, además de personas semivestidas distribuidas entre las obras de Abramovic. El objetivo de la artista contemporánea es poner en la superficie la relación que se establece entre el artista, la obra y el público.
Marina Abramovic. Portrait with Flowers, 2009
como retrospectiva II
Juan Hidalgo
Desde ayacata
Desde ayacata
Juan Hidalgo 1997-2009
Acciones fotográficas, objetos y ambientes
Artium, Vitoria
Marzo-agosto 2010-06-04
Marzo-agosto 2010-06-04
Hidalgo jamás dio un paso por acercarse al museo como institución, ni educativa ni difusora ni, mucho menos, legitimadora de nada que para él fuera importante. Hasta el punto que Hidalgo puede aceptar que lo que él hace ni siquiera es arte, sino meras propuestas dirigidas a la mente y los sentidos, y resueltas como música, como poesía, como gestos, como objetos e incluso como fotografías, que no son sino la consecuencia (secundaria) de una «acción fotográfica» (principal). Su radicalidad más notable es la de haberse mantenido fiel durante cinco décadas a unas ideas artísticas –y que esa fidelidad, sin embargo, no le haya impedido moverse por diferentes territorios–, la de no haber caído en las tentaciones mercantiles, a pesar de las dificultades económicas que esa posición le acarreó, la de no haber flaqueado ante la incomprensión o la indiferencia, no haber perdido la compostura ante el silencio, no haber dejado de sembrar un campo en el que después muchos otros artistas han encontrado los orígenes del sentido de sus trabajos.
como feria de arte
ARCOMADRID2010-06-04
Performing ARCOMira Bernabeu, Santiago Sierra, Fabien Giraud-Raphaël Siboni, SUSO33, Carlos Llavata
© Mira Bernabeu. Espectáculo-Enfermedad, Serie Mise en Scéne VIII
"Simulacro" Carlos Llavata
PERFORMING ARCO / PABELLÓN 6ARCOmadrid_ 2010 continúa con su sección dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales que propongan obras en vivo (performances). PERFORMING ARCO se dirige a todas aquellas galerías interesadas en explorar las posibilidades de la performance como práctica de las artes visuales y les brinda la oportunidad de presentar, en el contexto de una feria de arte contemporáneo, aquellas obras de sus artistas cuya expresión última sea la representación en vivo. El programa ha sido supervisado por Javier Duero, comisario independiente.
como festival
Interakcje
Piotrków
Polonia 2010
Curadores: Malgorzata Butterwick, Ángel Pastor
Tema: Art as a sinthome
Tema: Art as a sinthome
John Cage Del signo (musical) a la letra
Jacques Lacan con John Cage
Los participantes del encuentro leen el texto parágrafo por parágrafo cada uno en su idioma (polaco, castellano, francés, inglés, catalán) en modalidades diferentes: lectura teatralización, canto, poesía sonora, la voz del ordenador, etc. Así el texto de mano en mano, de voz en voz, adquiere un valor perfomático. Privados del efecto de la mirada ya que están sentados uno a espalda del otro, la presentación se convierte en una performance sonora. No se trata de la comprensión del texto, sino de su escucha.
como encuentro
Epipiderme7
Encontros à volta de performance
Lisboa, Portugal
mayo 2010
Performance: Marcos Vinícius, Aisa Boaa, Adina Bar-On, Gilberto Gaspar
Performance: Marcos Vinícius, Aisa Boaa, Adina Bar-On, Gilberto Gaspar
Videoperformance: Lezli Rubin-Kunda (Video)
Workshop de performance: Con Adina Bar-On Personality in real time and space.
como taller
Workshop-Clínica de performance
Pensar para deixar de pensar e agir
Oficina epipiderme
Rocío Boliver, La congelada de uva
Marzo 2010, Lisboa Portugal
La clínica consta de cuatro sesiones de cuatro horas. Cada alumno debe reconocer la performance como un instrumento para influír en la realidad, expandiendo su sensorialidad, ensanchando su consciencia y trabajando su autoconocimiento.El alumno irá apreciando la realidad cotidiana por su contemplación, suspendiendo el juicio, para alcanzar una visión performática que lo lleve a crear su obra a partir de sus necesidades de expresión. Y como resultado del proceso como epifenómeno.
El nombre del workshop de performance “pensar para dejar de pensar y hacer” expone la intención primera del objetivo a alcanzar: interligar conceptos filosóficos en el plano racional, para “abandonarlos” para quedarse en un plano irracional e inconsciente.Más que pretender crear piezas de performance el principal objetivo es trabajar sobre la mente del alumno, para examinar realidades diarias como un desafío constante, de manera de alcanzar una visión performática, recreando una vida cotidiana en cualquier situación.
El objetivo es que el alumno desenvuelva una consciencia performática para observar las cosas, ideas, metáforas, expresiones, sentimientos de modo conceptual, y como se integra de manera natural en su pensamiento.
La performance en los medios
Eurovisión Festival de la canción 2010
Daniel Diges con la canción 'Algo pequeñito'
representa a España. Oslo,
29 de mayo de 2010
En el momento de la actuación del representante español, interviene de improviso el activista Jimmy Jump . Leemos la nota que el Periódico de Catalunya ha publicado el domingo 30 de mayo:” En octubre del 2007 por primera vez Jimmy Jump se coló en la entrega de la Copa del Mundo de Rugbi en París; en junio del 2008 paseó su barretina en un encuentro de la Eurocopa de fútbol, en Basilea; en junio de 2009 interrumpió un partido de Federer en Roland Garros, en París, y ayer por la noche, el veterano y desgraciadamente popular espontáneo Jimmy Jump reventó la actuación de Daniel Diges en el Festival de Eurovisión en Oslo. Jimmy Jump, pseudónimo profesional de Jaume Marquet Cuna, logró superar los controles de seguridad y apareció –con una camiseta con su nombre y su barretina– en el plató cuando el representante de TVE y sus bailarines actuaban. “http://www.elperiodico.es/es/noticias/tele/20100530/jimmy-jump-monta-show-eurovision-revienta-tve/284176.shtml
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el arte de acción IIla performance y sus límites II: la realidad se hace performática
la perfomance y su registro fotográfico...
Retomando el comunicado anterior sobre los límites de la perfomance... he recibido la siguiente invitación:
JEAN LOUIS BLONDEAU
Del 2 de junio al 30 de junio de 2009
Galería de Arte LA AURORA
Murcia, España
www.galerialaaurora.com
La galería La Aurora, dentro del festival Punto y Aparte, inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de 40 años... 18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título "Bendita locura".
Esto me lleva a reflexionar sobre la manera en que se recoge la perfomance y qué limites tiene: como dice Ángel Pastor, 'los límites de la perfomance, la perfomance y sus límites'.
la performance como retrospectiva
Por ello, rescato de archivo 'una retrospectiva' sobre los Accionistas Vieneses: cada vez más recurre la idea de que son 'los padres del accionismo'..., lo que significa la construcción de un límite histórico del accionismo.
ACCIONISMO VIENÉS
BRUS, MUEH, NITSCH, SCHWARZKOGLER
Del 13 de marzo al 25 de mayo de 2008
CAAC. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo
El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presentó una extensa exposición sobre Gunter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, los cuatro artistas que crearon el grupo Accionismo Vienés que agitó la conservadora escena cultural y artística austriaca de los años sesenta del pasado siglo con propuestas performativas provocadoras y catárticas en las que el cuerpo se utilizaba como campo y materia de acción y manipulación. El objetivo de estos artistas era acercarse a través de diversas prácticas performativas a los impulsos reprimidos, los tabúes sexuales y los miedos ancestrales de la sociedad burguesa, recurriendo a una parafernalia escenográfica que aún sigue resultando molesta (más aun en un momento dominado por la ética y la estética de lo políticamente correcto). Esta muestra también incluye una selección de obras de otros autores -desde Marcel Duchamp hasta Franz West- procedentes de la Colección Hummel de Viena.
la perfomance y la publicidad...
¿Hasta donde, de aquí en adelante, es posible el lugar de la perfomance? El proyecto de Chus Burés para África Sostenible se presenta con una perfomance, 'Acqua Avis'. De la política y la historia/ a la tecnología de la imagen/ a la empresa y un mundo sostenible.
CHUS BURÉS H2O FOR AFRICA
25 de mayo, con motivo del Día mundial de África
Ivorypress Art + Books
Madrid, España
Coincidiendo con el Día Mundial de África, el diseñador Chus Burés presenta su proyecto solidario "Chus Burés h2o for Africa": el diseño y la creatividad trabajando a favor de la solidaridad.
Presentación del proyecto: conferencia de prensa + PERFORMANCE DE ACQUA AVIS
"El solo de danza "Acqua Avis" alude a una presencia paradigmática, esencial, representada por el bailarín alado que trae el agua como mensaje..." (Roger Salas)
la perfomance y su trasmisión
Los talleres: si la perfomance ha salido de la academia (los accionistas vieneses), ¿cómo retoma su trasmisión? Sería una cuestion a pensar... la proliferación de talleres impartidos por los propios artistas o teóricos.
TALLER DE PERFORMANCE CON LOS TORREZNOS
JaimeVallaure - Rafael Lamata
Del 22 al 26 de junio de 2009
CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo
Madrid, España
En este taller se pretende explorar el territorio expresivo de la acción, de la performance, ligado fundamentalmente al cuerpo y su presencia; esta exploración se realizará desde los criterios principales que se manejan en los trabajos torreznos: Insistencia. Energía. Repetición. Presencia física. Humor. Sencillez de recursos. Constricción y Reto. Estos elementos servirán para investigar y entrenar de manera práctica los recursos expresivos de las personas participantes. En todo caso, se trata de una experiencia para ponerse en juego y desarrollar las posibilidades de uso de la propia presencia como herramienta de reflexión y de comunicación con el mundo. No se requiere ningún tipo de formación artística ni performativa.
MEDIO 09
3 de julio de 2009
Área de Arte y Diseño de la
Universidad Europea de Madrid
Ateneo de Madrid
Desde la Universidad Europea de Madrid con el objetivo de visibilizar proyectos de artistas en proceso de profesionalización se realiza por tercer año consecutivo la edición de MEDIO. Como en su edición anterior los proyectos artísticos están realizados en colaboración entre cuatro poetas invitados y alumnos de Escultura del 2º ciclo de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid.
Leticia Navascués. Sandra Santana: Tiempos Líquidos. Vídeo proyección, 10 min.
Partiendo de conceptos desarrollados por Sandra Santana en su trabajo poético, Leticia Navascués elige trabajar sobre la anulación de la voluntad, la unidireccionalidad y el tiempo. La artista presenta grabaciones de una secuencia en la que sumerge la cabeza de la poeta en ocho recipientes, contenedores de líquidos cargados de simbolismo, dispuestos a modo de organismo. Al mismo tiempo, lee aleatoriamente fragmentos de un texto de San Agustín, extendido sobre la mesa, que la poeta repite, inmersa en los fluidos.
Todo pequeño o gran evento que se precie ¿debe contar con una performance...?
Instalación/ Performance de Pistoletto
en la 53º Bienal de Venecia, Fare Mondi
junio-noviembre de 2009
En la 53º edición de la Bienal de Venecia, Fare Mondi, Michelangelo Pistoletto, en Seventeen Less One presenta una instalación/performance con 17 grandes espejos dispuestos en círculos, símbolos que exceden todo lo terrenal humano.
Performance en la exposición de Ugo Rondinone
a cargo de John Giorno
11 de julio de 2009
MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
www.musac.es
En el XIII Período expositivo que se inaugura el sábado 11 de julio, se retoma el concepto performativo dentro de la exposición de Ugo Rondinone La Noche de Plomo. El célebre poeta americano John Giorno desarrollará una lectura poética acorde con el concepto curatorial de la muestra en la sala 5 de MUSAC, en la que se instalará la obra de Ugo Rondinone titulada John's fire place, la reproducción de la chimenea del hogar del poeta.
Inn Motion. Grec2009
CCCB, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona
Del 1 al 4 de julio de 2009
Barcelona, España
En esta Bienal Internacional de Performance y Artes Visuales aplicadas se ha querido mostrar un marcado sesgo reflexivo y crítico. Así, encontramos ideas para reducir el efecto de la plusvalía en la relación trabajador-empresa y juegos electrónicos para conocer la naturaleza de anteriores crisis económicas en España. Asimismo, se presentan propuestas para orientar a los espectadores sobre cómo sobrevivir a las multinacionales. El espectáculo central del día era una performance sobre la crisis creativa de los artistas.
la institución patrocina la performance
Ahora es la institución la que llama a los artistas, a los curadores, a la performance como modo de mostrarnos una nueva realidad. ¿Se tratará de una realidad performática o es sencillamente que la conjunción performance y nuevas tecnologías ha hecho virtual la realidad?
el Arte es Acción
II Encuentro Internacional
Del 2 al 4 de julio de 2009
Ministerio de Cultura
Teatro Valle-Inclán. Centro Dramático Nacional
Madrid, España
Comisario: Marcel·lí Antúnez Roca
Tras el interés que despertó el I Encuentro Internacional celebrado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2008, el Ministerio de Cultura ha querido continuar esta iniciativa cuyo objetivo es fomentar el desarrollo de las nuevas disciplinas artísticas
En esta segunda edición se puede ver el trabajo de siete performers del panorama internacional, que desarrollaron su arte a lo largo de los años noventa causando polémica y debate, y que se mantienen todos ellos en plena actividad creativa. Además de sus acciones en el escenario, o fuera de él, se han programado encuentros en los que el público podrá debatir abiertamente con los artistas, y proyecciones de los mejores trabajos de los performers invitados.
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el arte de acción I
Los límites de la perfomance
Pasodoble, performance de Miquel Barceló y Joseph Nadj
8 de mayo, Teatre Lliure, Barcelona
En el escenario del Lliure "(...) aparecen Barceló y Najd, trajeados, con aspecto de personajes becketianos o enterradores. Poco a poco se van manchando de lo lindo, primero los zapatos, luego, al arrodillarse o presionar contra el muro, todo el traje. A los 20 minutos ya están hechos unos zorros. Toman azadas y mazos y golpean la pasta ocre produciendo un golpeteo húmedo, como de palmetazo en las nalgas. Barceló salta contra la pared, dibuja líneas. Trepa, crea figuras; lanza bolas, desmocha, perfora. Trabaja más ensimismado que Nadj. El espectáculo, la ceremonia, va in crescendo. Barceló y Najd se encasquetan vasijas de cerámica fresca en las cabezas y las moldean hasta componer máscaras asombrosas, un embarrado bestiario. El estupor va deviniendo angustia y cuando Barceló convierte a Nadj en escultura viva, minotauro picassiano, y lo incrusta en el muro con maneras de sacrificador -le clava dos espátulas como banderillas-, en medio de una música ominosa, la escena se hace sobrecogedora. Un acto de destrucción y creación, que Barceló remata asperjando pintura blanca con una manguera. Él y Najd acaban dejándose tragar por el muro con un ruido de succión. En menos de una hora hemos viajado al otro lado de la realidad, el mundo de los sueños y las cosmogonías." Jacinto Antón, El País, 9/05/09
La action painting fue inventada por Jackson Pollock en los años sesenta, y retomada por algunos de los expresionistas americanos para poner la 'materia en acción'. No es la primacía de la materia, el caso de Tàpies, sino el artista puesto en acción por la materia, cosa que ya habían hecho los Accionistas Vieneses en los años cincuenta.
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